Maurits Cornelis Escher

Maurits Cornelis Escher, más conocido como M. C. Escher (Leeuwarden, Países Bajos, 17 de junio de 1898 – Hilversum, Países Bajos, 27 de marzo de 1972), artista holandés, conocido por sus grabados en madera, xilografías y litografías que tratan sobrefiguras imposibles, teselados y mundos imaginarios.

Su obra experimenta con diversos métodos de representar (en dibujos de 2 ó 3 dimensiones) espacios paradójicos que desafían a los modos habituales de representación.

A lo largo de su carrera realizó más de 400 litografías y grabados en madera, y también unos 2.000 dibujos y borradores. De muchos existen decenas de reproducciones, cientos e incluso miles de otros. Al final de su carrera destruyó algunas de las planchas para que no se realizaran más reproducciones de originales. También existen estudios y borradores de muchas de sus obras, en ocasiones también varias versiones de algunas de ellas. Muchas de su obras se vendieron masivamente poco después de su muerte y están esparcidas por el mundo. Un grupo importante está expuesto de forma permanente en el Museo Escher en La Haya, Holanda.

Como artista, M.C. Escher resulta difícil de clasificar. Se han hecho múltiples interpretaciones de sus obras, pero la realidad es que Escher no tenía grandes prentensiones ni mensajes que transmitir, sino que básicamente plasmaba lo que le gustaba. No basaba su trabajo en los sentimientos, como otros artistas, sino simplemente en situaciones, soluciones a problemas, juegos visuales y guiños al espectador. Visiones, en ocasiones, que le sobrevenían por las noches, que pasaban por su imaginación y que creía merecedoras de ser plasmadas en sus cuadros.

Él mismo reconocería que no le interesaba mucho la realidad, ni la humanidad en general, las personas o la psicología, sino sólo las cosas que pasaban por su cabeza. En cierto modo era alguien introvertido, dicen incluso que de trato difícil, que prefería crear su propio universo.

Los expertos coinciden, y es bastante evidente examinando la mayor parte de sus obras, en que una de sus principales características es la dualidad y la búsqueda del equilibrio, la utilización del blanco y el negro, la simetría, el infinito frente a lo limitado, el que todo objeto representado tenga su contrapartida.

El análisis de sus obras, tal y como definió Bruno Ernst, uno de sus biógrafos y amigo personal, permite clasificarlas básicamente en tres temas y diversas categorías:

  • La estructura del espacio – Incluyendo paisajes, compenetración de mundo y cuerpos matemáticos.
  • La estructura de la superficie – Metamorfosis, ciclos y aproximaciones al infinito.
  • La proyección del espacio tridimensional en el plano – Representación pictórica tradicional, perspectiva y figuras imposibles.

Desde el punto de vista matemático –geométrico-, la partición del plano y el infinito son dos temas que acompañan toda su obra.

La partición del plano, fue según sus propias palabras el tema que más le apasionó: “Es la fuente más rica de inspiración que jamás haya encontrado”.

La idea de rellenar el plano con un mismo motivo se considera original suya, no influida por su aprendizaje. Afirmó: “Mucho antes de que, a raíz de visitar la Alhambra, descubriera cuán afín me es el problema de la partición de la superficie, yo había descubierto por mí mismo mi interés por él”.

Ya en 1922 antes de visitar Granada imprime una plancha en la que están representadas ocho cabezas, cuatro al derecho y cuatro al revés.

Después de visitar la Alhambra por primera vez, Escher intentó unos nuevos diseños, de los que se conservan bocetos de 1926, todavía muy rudimentarios. Tras una segunda visita, esta vez junto con su mujer, en 1936, copió durante varios días motivos allí representados y descubrió un sistema para representar particiones periódicas del plano, consiguiendo descubrir los 17 grupos de simetría planos que figuran en la Alhambra, a pesar de sus rudimentarios conocimientos matemáticos. Pero no se detuvo aquí, sino que además introdujo el color, cosa que nadie había hecho hasta esa fecha.

Bocetos que realiza en uno de sus viajes a la Alhambra, inspiración de toda su obra de teselados.

Vídeo: C. R. Ipiéns. Verano 2012

Anuncios

Nick Bantock: North African Collage

Música: Luís Delgado, -Al Andalus- La orfebrería en los reinos de Taifas.

(haz click en Play)

Nick Bantock (n. 14 de julio 1949 en Stourbridge , Inglaterra ). Bantock es conocido por su popular serie, La Trilogía de Griffin y Sabine , y por sus collages.

Nick Bantock es un pintor, dibujante y escultor inglés. Ha publicado 25 libros con mucho éxito siendo traducidos a 13 idiomas y vendiendo más de 5 millones por todo el mundo. Sus libros son publicados por Raincoast Books en Canadá y en Chronicle Books en los Estados Unidos. Estas imágenes son collages de postales  de Marruecos, Argelia y Túnez de principios de siglo.

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Rubens y Jan Brueghel (el viejo): Los sentidos. Museo Nacional del Prado

El oído, Brueghel

La serie de Los Sentidos es uno de los mayores logros estéticos de la colaboración artística entre Rubens, que realizó las figuras alegóricas de cada uno de los sentidos, y Jan Brueghel, que representó los exuberantes escenarios cortesanos. Artes plásticas, música, caza, naturaleza y armas, aparecen exhibidos en escenas que transmiten la riqueza y sofisticación de la corte de los archiduques Alberto e Isabel Clara Eugenia, retratados en la escena de La Vista, y cuyos palacios se aprecian en la lejanía.

La vista: Rubens/Brueghel (el viejo) -Haz click en la imagen para ampliar-

En El Olfato, vemos referencias al coleccionismo de flores y plantas, que era parte de la cultura cortesana de la época, y también a otros objetos perfumados muy del gusto de la nobleza, como los guantes de ámbar.

El Olfato: Rubens/Brueghel (el viejo) -Haz click en la imagen para ampliar-

En El Tacto las armaduras reflejan el interés por el coleccionismo de armaduras en los inicios del siglo XVII, mientras que en La Vista (P01394) el protagonismo es para el coleccionismo de pintura y otros objetos. El edificio que se ve al fondo de este cuadro es el Castillo de Coudenberg, sede principal de la corte de los Archiduques.

El Tacto: Rubens/Brueghel (El viejo). -Haz click en la imagen para ampliar-

La opulencia del bodegón que se ve en el primer plano de El Gusto (P01397), y la frondosidad del paisaje exterior, aluden a la abundancia de los Países Bajos.

El Gusto: Rubens/Brueghel (El viejo). -Haz click en la imagen para ampliar-

La serie pasó por las manos de varios nobles y aficionados al arte de la pintura antes de ser entregada a Felipe IV. En 1636 colgaba ya de las paredes del Alcázar de Madrid.

El Vista y el Olfato: Rubens/Brueghel (El viejo). -Haz click en la imagen para ampliar-
El Gusto, el Oído y el Tacto: Rubens/Brueghel (El viejo). -Haz click en la imagen para ampliar-

Goya y el Prado

La nevada o el Invierno (Click en la imagen para ampliar)

Retomando apuntes de mi amigo y compañero, el Profesor D. José Luque Baena, propongo este, para enmarcar un resumen a modo de muestra de la obra de Goya.

Francisco de Goya por Vicente López Portaña (click en la imagen para ampliar)

Sin que podamos considerarlo como un pintor neoclásico, la figura culminante en el panorama que ofrece la pintura española de la segunda mitad del siglo XVIII es Francisco de Goya, pintor difícil de encasillar en un estilo concreto pues su arte evoluciona constantemente. El hecho de que su obra ejerza una importantísima influen­cia en la pintura posterior es lo que nos permite considerarlo como “precursor de la pintura moderna“.

Goya es un pintor que cultiva muchas técnicas: la más usual fue el óleo sobre lienzo, aunque también lo emplea directamente sobre el muro (“pinturas negras”). Pintó también al fresco como decorador mural y practicó con técnicas de estampación como el grabado, la litografía, el aguafuerte, etc. Su factura varía con los años, pero siem­pre tendió a ser amplia, larga, suelta y expresiva. La textura va desde el aspecto liso de los cartones para tapices al rugoso de las pinturas negras. El modelado lo consi­gue por matices de colores. Aún siendo buen dibujante, es el color el principal prota­gonista en sus cuadros. Goya centrará su atención en la figura humana (el marco ambiental le interesó más bien poco)  A nivel compositivo su producción varía mucho según la época.

Su obra está estrechamente ligada a su vida y una serie de crisis irán marcando la evolución de la misma, por lo que conviene estudiar paralelamente vida y obra:

Nacido en el pueblecito aragonés de Fuendetodos, pronto pasa a Zaragoza donde se forma en el taller de Luzán; Con 23 años de edad viaja a Italia para completar su formación y, a su regreso,  pinta en El Pilar, donde conoce a Francisco Bayeu, pintor de cámara del rey (y más tarde cuñado, pues Goya casa con su hermana) que le va a propi­ciar el camino hacia la fama pues a través de él logra llegar a trabajar en los talleres reales, iniciando de este modo su etapa de cartonista (cartones que después se plasmarían en tapices) en la Real Fabrica de Tapices, donde permanecerá unos 20 años.

El quitasol (click en la imagen para ampliar)

En estos cartones tratará temas de la vida ordinaria y de las costumbres de la época. Los cartones nos hablan de un Goya feliz, sin problemas, en los que la vida está pintada con tonos amables y optimistas. Se conocen más de 60 cartones, de los que destacan, entre otros, El Quitasol, La gallinita ciega, La pradera de San Isidro, La vendimia, etc.

La gallina ciega

Hacia 1780 entramos ya en un periodo de triunfos para Goya. Los reyes y prínci­pes le reciben en palacio y empieza a ser conocido en todos los ambientes sociales.

Ese mismo año ingresa en la Academia de San Fernando e inicia su carrera como pintor del rey. Siguen años de éxito para el pintor que cada vez se va haciendo más famoso entre la nobleza. Goya alterna en su obra retratos de personajes reales – Carlos III de  caza –  y de personajes de la aristocracia – Familia del Duque de Osuna – con cuadros religiosos, como La Sagrada familia.

Los duques de Osuna y sus hijos (click en la imagen para ampliar)

En 1789, Goya es nombrado primer pintor de cámara del nuevo rey Carlos IV y cuatro años más tarde  cae enfermo de gravedad, enfermedad que supone un duro golpe para un hombre que empezaba a acostumbrarse a una vida feliz. Es la primera crisis que tendrá un reflejo en su arte. En efecto, el Goya de después de la enferme­dad, de la que queda sordo, es un pintor totalmente distinto y va a encontrar en una colección de grabados – Los Caprichos – el desahogo a sus males: son cuadros de fantasía de fuerte sátira contra la sociedad.

Alterna los grabados con retratos de personajes famosos – Duquesa de Alba, Condesa de Chinchón – y retratos reales: La familia de Carlos IV. Son estos años los de contacto con la Duquesa de Alba, aventura amorosa un poco en broma para ella y más en serio para él, y cuando pinta también sus Majas desnuda y vestida (¿Duquesa de Alba?) y decora con frescos la cúpula de San Antonio de la Florida, un claro ejemplo de la evolución de su pintura.

La familia de Carlos IV (click en la imagen para ampliar)

En 1808 se produce la segunda crisis en la vida del pintor motivada por la inva­sión francesa. Los horrores de la guerra impresionaron a Goya que se convertirá en una especie de cronista de la misma a través de una nueva colección de grabados – Los Desastres de la guerra – que reflejan la crueldad de la tragedia. Cuando termina la guerra volverá a pintar obras relacionadas con el mismo tema: La carga de los mamelu­cos y Los fusilamientos(ver detalle). Lafuente Ferrari dice que la crisis de la guerra supuso una profunda transformación en el arte de Goya.

El 2 de mayo de 1808 en Madrid: “La carga de los mamelucos” (click en la imagen para ampliar)
Los fusilamientos del 3 de Mayo (click en la imagen para ampliar)

Al término de la Guerra de la Independencia, cuando vuelve Fernando VII, seguirá como pintor de cámara del nuevo rey, pero no es ya un pintor feliz, como lo demuestra otra serie de grabados – Los Disparates – donde crea seres monstruosos con dos o tres cabezas que se apartan de la realidad y nos conducen al mundo de los sueños, plasman­do estados sin posible realidad. La crisis de la guerra ha transformado su paleta otra vez. En los cuadros que pinta ahora se nota el pesimismo del pintor. Donde realmente puede  apreciarse a fondo la transformación experimentada en su arte es en la serie de “pinturas negras” de su casa  (La “Quinta del sordo”) en donde Goya se refugia buscando el reposo y la evasión. Estas pinturas tienen una técnica de pincelada larga y gruesa y son el antecedente claro de la pintura expresionista (la realidad se deforma para expresar la angustia). Los temas son como de pesadillas: brujas, hechice­ras desdentadas, etc. Algunos ejemplos son Saturno devorando a su hijo, Lucha a garro­tazos, etc.

Los cómicos ambulantes (click en la imagen para ampliar)
Fernando VII con manto real (click en la imagen para ampliar)
Duelo a garrotazos (click en la imagen para ampliar)
Las parcas o Átropos (click en la imagen para ampliar)

Goya, desengañado, decide autoexiliarse a Francia y allí nos deja una de sus últi­mas obras, La lechera de Burdeos, con una técnica similar a la que usarán los impresionistas.

Con la obra de Goya se cierra un ciclo y se abre otro: el de la pintura moderna. En efecto, su obra va a ejercer una influencia decisiva en la pintura posterior. La deuda de movimientos pintores del XIX (Romanticismo, Realismo e Impresionismo) y del XX (Ex­presionismo y Surrealismo) es clara.

La lechera de Burdeos (click en la imagen para ampliar)

Aunque la mayor parte de su producción como pintor coincide con la época del Neo­clasicismo, él rechaza de este estilo su consideración dibujística, académica, estática y acromática y se inclina, como harán los pintores románticos, por una pintura en la que se ensalza el color, las composiciones dinámicas y los temas de exaltación de la libertad y heroicidades del pueblo (en esta línea encaja perfectamente ‘La carga de los mamelucos”).

Perro semihundido (click en la imagen para ampliar)

La pintura realista francesa, de manera más o menos consciente, se­guirá los caminos goyescos en la técnica y la concepción. La deuda del Impresionismo es aun más clara: los impresionistas recordarán la pincelada suelta de Goya en obras como “La lechera de Burdeos”. De igual manera, el expresionismo tiene en Goya un claro precursor: la preocupación principal de la pintura expresionista es el alma humana; es una pintura que plantea los conflictos íntimos del hombre, deformando la realidad para expresar la angustia. El rostro del personaje a punto de morir en “Los Fusila­mientos” es un clarísimo ejemplo de esa deformación de la realidad que usarán los expresionistas, y lo mismo podría decirse de algunas de sus figuras de sus “pinturas negras”. Finalmente, también puede observarse en algunas obras de Goya el antecedente del  surrealismo, manifestación pictórica  del  s. XX en  la  que  se  pierde  la racionalidad, por la insistencia del pintor en plasmar estados sin posible realidad, como ocurre en algunos de sus “Caprichos”(lámina) y en su colección de grabados “Los Disparates” donde encontramos seres monstruosos con dos o tres caras que se apartan totalmente de la realidad y nos con­ducen al mundo de los sueños.

Vídeo: C.R. Ipiéns

África: Una miscelánea

África. Tercer continente del mundo por extensión geográfica. Limita al norte con el Mar Mediterráneo, al oeste con el Océano Atlántico y al este con el Mar Rojo, el Océano Índico y Asia a través del canal de Suez. Aunque posee una superficie total de 30.272.922 kilómetros cuadrados (621.600 en masa insular), la cual representa el 22% del total terrestre, la población es de 910.844.133 habitantes, menos del 16%. El continente se organiza en 53 países, siendo todos ellos miembros de la Unión Africana, con excepción de Marruecos.

Historia

Se cree que el sur o el este de África es la cuna de la Humanidad y de allí proceden las sucesivas especies de Homínidos y Antropoides que dieron lugar a los seres humanos y que se han ido expandiendo por el resto de continentes, incluido el Homo Sapiens hace cerca de 190.000 años.

Según las últimas exploraciones paleontológicas y arqueológicas, los homínidos ya existían en África hace por lo menos 5 millones de años. La anatomía de su cráneo era similar a la de sus parientes cercanos, los grandes simios africanos, pero habían adoptado una forma bípeda de locomoción, la cual les otorgaba una ventaja crucial, pues les permitía vivir tanto en áreas boscosas como en la sabana en una era en la que África se estaba volviendo árida, con las sabanas superponiéndose a los bosques y selvas.

Hace unos 3 millones de años varias especies de homínidos del género Australopithecus habían surgido a lo largo del sur, este y centro de África. El siguiente gran paso evolutivo ocurrió hace aproximadamente 2 millones de años con la llegada del Homo Habilis, la cual se cree que fue la primera especie de homínido capaz de fabricar herramientas.

Hace 1,8 millones de años, el Homo Erectus apareció por primera vez en África y casi simultáneamente en el Cáucaso (Europa Oriental).

El registro de fósiles muestra que Homo sapiens pudo haber vivido en el sur y este de África hace al menos 100.000 y posiblemente 150.000 años. Hace unos 40.000 años comenzó la colonización de nuestro planeta por los seres humanos modernos con su expansión hacia fuera de África. Su migración es indicada por evidencias lingüísticas, culturales y genéticas.

Al final de la Edad de Hielo (alrededor de 10.500 a.n.e.), el Sahara se había convertido de nuevo en un fértil valle, y su población africana regresó del interior del continente y de las montañas costeras en el África subsahariana. Sin embargo, el clima cada vez más seco y cálido hizo que para el año 5000 a.n.e. la región del Sahara se fuera volviendo cada vez más árida. La población se desplazó fuera de la zona dirigiéndose hacia el valle del Nilo, donde crearon asentamientos permanentes o semipermanentes. Una recesión climática mayor ocurrió, disminuyendo las fuertes y persistentes lluvias en África central y oriental; desde entonces la condiciones secas han prevalecido en el este de África.

Según el historiador griego Heródoto (484 a.n.e), una expedición fenicia auspiciada por el faraón Necao (616 a.n.e.) circunnavegó el continente africano por primera vez.

Los orígenes del tráfico comercial entre el oeste y el centro de África y la cuenca mediterránea se pierden en la prehistoria. Los primeros relatos históricos datan de la antigüedad y cuentan de los nómadas que organizaban el comercio entre Leptis Magna y el Chad. Este comercio vivió su primer auge en el siglo I a.n.e. con el ascenso del Imperio romano. Sobre todo se comerciaba con oro, esclavos, marfil y animales exóticos para los juegos de circo en Roma en intercambio con bienes de lujo de Roma. De hecho es en esta época en la que se gesta el propio nombre de África. Tras la derrota de Cartago por Roma en la tercera guerra púnica se establece la provincia romana de África que abarcaría aproximadamente el Túnez actual. Fue una generalización territorial de la provincia lo que dio nombre a todo el continente. Una importancia crucial tuvo también la mayor utilización del camello a partir del Siglo I en el norte de África.

A partir del Siglo VII los árabes invaden el África del norte. El comercio caravanero y la expansión islámica alimentan el establecimiento de nuevas relaciones entre las “dos Áfricas”.

El Imperio Kanem-Bornu existió en África entre el Siglo XIII y la década de 1840. En su momento de mayor esplendor abarcó el área de lo que actualmente es el sur de Libia, Chad, noreste de Nigeria, este de Níger y norte de Camerún.

El Reino del Congo fue un estado situado en lo que actualmente constituye la zona norte de Angola, el enclave de Cabinda, la República del Congo y la parte occidental de la República Democrática del Congo. Su esfera de influencia abarcaba también a los estados vecinos.

Esclavitud

Con la llegada y conquista de América por parte de los europeos, se trazaron planes de expansión que exigían mano de obra barata. En un principio se esclavizó a los pueblos indígenas americanos pero las enfermedades que portaban los colonizadores, los malos tratos a los que eran sometidos y las masacres durante la colonización, pronto menguaron la cantidad de nativos.

Entre 1400 y 1900, el continente africano experimentó cuatro rutas simultáneas de trata de esclavos. La mayor y más conocida fue la transatlántica, por la que a inicios del siglo XV se embarcaron esclavos de África Occidental, central y oriental a las colonias europeas en el nuevo mundo. Las otras tres fueron la trans-sahariana, la ruta del Mar Rojo y la del Océano Índico.

En la primera, los esclavos eran llevados del sur del desierto de Sahara a África del Norte. En la segunda, los esclavos eran conducidos de tierra adentro hasta el Mar Rojo y transportados en embarcaciones al Medio Oriente y la India. En la tercera, los esclavos se llevaban de África Oriental a las costas del Índico y de allí embarcados al Medio Oriente, a la India o a trabajar en las plantaciones de las islas del Océano Índico.

Según el historiador británico Eric Hobsbawm la cifra de esclavos africanos transportados a América sería de un millón en el siglo XVI, tres millones en el XVII y durante el siglo XVIII llegaría a los 7 millones, permitiendo una enorme acumulación de capital de cara al desarrollo del capitalismo europeo durante la Revolución industrial.

Según evidencia histórica, la trata de esclavos es responsable del alarmante subdesarrollo africano actual. Investigaciones recientes reflejadas por Nathan Nunn, profesor asistente de economía en la Universidad canadiense de Columbia Británica, hasta julio de 2007, y de la estadounidense de Harvard desde entonces, en su libro “Efectos a largo plazo de la trata de esclavos de África“, de reciente aparición, sugiere que, de no haber existido el comercio de esclavos, la brecha que hoy existe entre el desarrollo económico promedio de los países actualmente llamados en vías de desarrollo y los de África, prácticamente no existiría.

Pesan sobre la conciencia mundial los 600 años de sufrimiento que dejaron la cacería y comercio de seres humanos que generó las cuantiosas riquezas de que se apropiaron las potencias coloniales de entonces, dejándole apenas subdesarrollo y miseria extrema a un continente mártir.

La trata de esclavos ha sido para el continente africano lo que hoy constituyen para todos los países del tercer mundo los males del intercambio desigual, el robo de cerebros, el cobro de la deuda externa y otras modalidades neocoloniales de esclavitud capitalista.

Colonialismo

Durante el Siglo XV Enrique el Navegante, hijo del Rey Juan I de Portugal, planeó adquirir territorio africano para Portugal. Bajo su inspiración y dirección algunos navegantes portugueses emprendieron una serie de viajes de exploración que resultaron en la circunnavegación de África y la colonización de una gran cantidad de zonas costeras.

La total repartición colonial de África por las potencias europeas, iniciada desordenadamente a partir del Siglo XVII tuvo lugar, aproximadamente, en 1885, con la Conferencia de Berlín y el comienzo de la Primera Guerra Mundial, época en la cual los imperios coloniales se extendieron más rápidamente en África que en cualquier otro lugar del mundo, si bien dos países,Liberia y Etiopía, consiguieron mantener su independencia.

Los protagonistas de esta primera fase de la colonización fueron, además de los militares, los misioneros y los comerciantes. Un primer reparto quedó configurado en 1914. Sobre el mapa, los territorios franceses, ingleses, alemanes, portugueses y belgas parecían fruto de un juego de estrategia. Pese a su arbitrariedad, buena parte de las fronteras así trazadas se han conservado, aun a costa de intensos conflictos.

La colonización de África fue impuesta a sangre y fuego, a base de guerras, exterminios y deportaciones. Todos los poderes locales que osaron oponerse y resistir a los conquistadores portugueses, británicos, franceses, alemanes, holandeses o españoles fueron aplastados.

Las potencias coloniales establecieron de modo autoritario una economía fundada en la exportación de materias primas hacia la metrópoli y en el consumo de productos manufacturados producidos en Europa.

Esta región del mundo, tan a menudo calificada por los medios dominantes del Norte de “subdesarrollada, violenta, caótica” e “infernal”, no habría conocido tal inestabilidad política —golpes de Estado militares, insurrecciones, masacres, genocidios, guerras civiles—, si los países ricos del Norte le hubiesen ofrecido reales posibilidades de desarrollo en lugar de seguir explotándolas hasta el día de hoy. La pobreza creciente se ha convertido en causa de desorden político, de corrupción, de nepotismo, y de inestabilidad crónica.

La descolonización de África es un proceso de independencia de las naciones africanas que tuvo lugar, principalmente, tras la Segunda Guerra Mundial. En algunos países la independencia se obtuvo de forma pacífica, mientras que en otros se consiguió mediante el uso de las armas. Entre estos últimos, la Guerra de Independencia de Argelia (1954-62) y la Guerra colonial portuguesa fueron las más violentas.

En este clip presento una miscelánea de imágenes de este maravilloso y tan necesitado continente.

Vídeo: África, una miscelánea, C.R. Ipiéns

Música: Ayub Ogada – “Obiero”

Vintage

Fotografía: Mark Shaw

Puede ser paradójico pero,  en el imperio donde reina la novedad, se privilegia lo antiguo.

Vintage es el término empleado para referirse a objetos o accesorios de calidad que presentan cierta edad, los cuales sin embargo no pueden aún catalogarse como antigüedades. En la actualidad, el término se ha generalizado y se utiliza para designar instrumentos musicales, automóviles, libros o fotografías.

El vintage es una manifestación de la cultura posmoderna. Es producto de la pérdida de fe en el progreso y el desencanto del motor de la innovación propia de la modernidad. Así, en vez de mirar al futuro, se recurre con nostalgia a elementos de eras pasadas, pero carentes de significado original. De esta manera, la moda se sirve del pasado por motivos meramente estéticos, donde se mezclan elementos de distintas épocas y lugares, descontextualizados de su función y razón original.

En particular y en el mundo de la moda, tal es el valor actual de lo vintage, que las casas de moda están recurriendo a esa estética en sus nuevas colecciones.

Fotografía: Mark Shaw

Recientemente estrellas como Julia Roberts, Amy Winehouse, Chloe Sevigny, Kate Moss, y Dita von Teese han adoptado el estilo. Otros casos célebres son los de Reese Witherspoon y Penélope Cruz

El auge de la estética vintage se ha visto acrecentado por iconos de la moda como Dita Von Teese, que viste casi exclusivamente con prendas de segunda mano.

Dita Von Teese en Cannes 2007

Por otro lado, no hay que confundir lo retro con lo vintage; en el mundo retro los objetos (cuales sean) y sus diseños, se construyen en la actualidad atendiendo (copiando) a diseños ya realizados en el pasado. Lo vintage es el objeto auténtico del pasado. Por ejemplificar, no es igual una “nevera” americana de los 50, que un frigorífico con últimas tecnologías que copia el diseño anterior.

Esto es retro

Esto es Vintage:

General Motors años 50
Cámara finales de los 50

Mark Shaw fue un fotógrafo de celebridades y moda en la época de los Kennedy. Tuvo acceso a los Kennedy en su epoca dorada y los fotografió convirtiéndose en su “fotógrafo” de camara. Antes de ser conocido como el fotógrafo de los Kennedy, era un muy conocido fotógrafo de moda y celebridades durante los años 50 y 60. Aquí se presentan un conjunto de fotografías para un pase de modelos en lencería.

Así, reorganizando los años que me vieron nacer (1952), he decidido recuperar aquél tiempo en imágenes animadas y musicadas. La música es “fashion” de la B.S.O. de Rouge.

Vídeo: Vintage Fashion B&W, años 50, C.R. Ipiéns

Música: “Fashion finale” de B.S,O. Rouge

Y la Física se hizo bella

Peter Ware Higgs (n. el 29 de mayo de 1929 en Newcastle, Tyne y Wear, Reino Unido) es un físico británico conocido por su proposición en los años 60 de la ruptura de la simetría en la teoría electrodébil, explicando el origen de la masa de las partículas elementales en general, y de los bosones W y Z en particular.
Este mecanismo predice la existencia de una nueva partícula, el bosón de Higgs. Higgs concibió el mecanismo en 1964 mientras realizaba una travesía por los Cairngorms, de donde regresó a su laboratorio declarando que había tenido “una gran idea”.

julio 4, 2012
Hace pocas horas los científicos del CERN encontraron una partícula muy parecida al Bosón de Higgs en el Colisionador de Hadrones (LHC). Hace pocas horas se reunieron, expusieron los datos encontrados y debatieron para llegar al resultado que efectivamente la partícula encontrada es el Bosón de Higgs, conocida como la Partícula de Dios (1) -ver nota-,…

VERÓNICA MARTÍN | del Diario de Avisos, Santa Cruz de Tenerife

Ayer fue uno de esos días en los que se confirma la belleza de la Física. Un día que demuestra cómo el ser humano, llevado por su gran curiosidad, crea tecnología capaz de explicar lo que parece inexplicable. Todas las cosas tienen masa. Es una obviedad pero ¿por qué? La respuesta no es tan sencilla y llegó ayer de la mano del Gran Colisionador de Hadrones (LHC en sus siglas en inglés) al hallar, al 99,99994% de probabilidades, el llamado bosón de Higgs.

Instalación del calorímetro de ATLAS

El anuncio se realizó en el auditorio del Laboratorio Europeo de Partículas Elementales (CERN, en sus siglas en inglés) donde los físicos explicaron la importancia del descubrimiento en presencia de Peter Higgs, el físico teórico que da nombre a esta partícula. Con toda la prudencia del mundo, lo que sí se puede decir es que ayer era un día grande para la Física y que, gracias a la mayor infraestructura científica europea, se habían avanzado en descubrir cómo se forma la materia. Algo esencial que nos lleva a la explicación del origen del Universo. Casi nada.

Bosón de Higgs

Igual que la Química tiene una tabla periódica con elementos que se combinan; la Física tiene una tabla de partículas elementales que está descrita en el llamado Modelo Estándar donde se establecen 16 partículas diferentes. Todas ellas han sido observadas en alguna ocasión por los experimentos. Sin embargo, había un pero en esa teoría. El Modelo Estándar predice que todas las partículas tienen masa cero, algo totalmente imposible, a menos que exista otra partícula: el bosón de Higgs, que se conoce, pero solo en la teoría, desde hace 50 años. Es como si se tratase de un edificio de 16 plantas que se mantiene en pie pero que nadie es capaz de ver la primera planta de este. Siguiendo las leyes de la Física, debería estar ahí porque los edificios no gravitan. Pues el bosón de Higgs sería primera planta. Con esto, el edificio de la Física de Partículas ya no se cae y el Modelo Estándar se validaría.

Tabla de partículas


Erik Stengler
 es profesor de la Unidad de Comunicación de la Ciencia en University of the West of England en Bristol y explica que “es innegable que se trata de un momento histórico. Tener que concluir que el bosón de Higgs no existe habría sido no solo un fracaso, sino que nos habría retrasado un siglo en el conocimiento de la materia y habría llevado a la necesidad de revisar y reescribir mucho de lo que pensamos que sabemos de las partículas que constituyen la materia. Haberlo encontrado pone fin, por tanto, a la incertidumbre asociada a la espera por la confirmación de su predicción teórica hace más de 50 años”.

Guy Paic es investigador del Instituto de Ciencias Nucleares, Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y ha colaborado estrechamente con el IAC. Ayer, desde el CERN remarcaba vía telefónica, que se trata de una gran noticia para adelantar sobre el conocimiento de “la materia, la materia oscura y la energía oscura” que forman, inexplicablemente aún, gran parte del Universo.

El bosón se relaciona con campo de Higgs: una sustancia que, como el aire o el agua, llena cada rincón del Universo. No se puede ver pero sí obtener su efecto que es que los objetos tienen masa. Guy Paic pone una analogía de su comportamiento: “Es como si Madonna paseara por la Gran Vía y, de repente, todos sus fans se unen a ella multiplicando su masa al agregarse en torno a la cantante. Mientras que un señor desconocido que camina por la acera de enfrente no tiene ese efecto. Así se comporta”. Estos conocidos efectos ahora podrán tener más explicaciones sobre la formación del Universo porque el nuevo bosón trae más preguntas.

La mejor manera que he visto de “aclarar” ideas sobre este tema es ilustrándolo con estos dos vídeos, uno del programa Redes, indispensable para entender la “Física de partículas” y otro vídeo muy potente en cuanto a lo didáctico sobre el funcionamiento del Colisionador de Hadrones.
Redes

Tras este anuncio queda ahora “asegurar” que el descubrimiento cumple el Modelo Estándar de Física de Partículas. “Hay que ver si la forma en que se desintegra se realiza con las probabilidades del modelo histórico y habrá que realizar un análisis más detallado y estadístico para determinar si es el Bosón de Higgs o una partícula similar”, ha explicado el investigador, que ha añadido que “por los datos todo apunta a que es lo que se esperaba”.

También el CSIC ha explicado que ahora hay que determinar la naturaleza precisa de la partícula y su importancia para la compresión del universo y ha apuntado que la identificación de las características de la nueva partícula requerirá una “considerable cantidad de tiempo y datos”.

Vista del detector CMS

Veamos el funcionamiento del LHC (Large Hadron Collider)

 Lo de “partícula de Dios”, se trata de un error. En los años 90 L. Lederman escribía un libro de divulgación sobre física de partículas en el que se refería al bosón de Higgs como the goddamn particle , la partícula puñetera. El editor del libro le dió una vuelta de tuerca y tituló el libro The God particleLa partícula Dios. Pero alguien hizo una mala traducción y el libro se tituló aquí La partícula de Dios, montando el lío que ha llevado a esta partícula a portadas de diarios e informativos.