Jardín Botánico Histórico “La Concepción” de Málaga

Entrada principal
Entrada principal

Esta mañana he visitado el Jardín Botánico Histórico “La Concepción” de Málaga, quizá la joya más preciada de nuestra ciudad y, a la vez, la más desconocida por los malagueños. Un maravilloso museo natural e histórico. Este jardín fue creado 1855 por los Marqueses de Casa Loring (Jardín de estilo inglés del mismo siglo) y ampliado años después por los segundos propietarios, la familia Echevarría-Echevarrieta, que adquirió la finca en 1911. Fue declarado oficialmente jardín histórico-artístico (actualmente BIC) en 1943. En la primavera de 1990 pasó a ser propiedad del ayuntamiento de Málaga y queda abierto al público el 20 de Junio de 1994.

Mapa Mosaico del Jardín
Mapa Mosaico del Jardín

El Jardín Botánico Histórico La Concepción es un jardín, como hemos dicho, de estilo paisajista inglés con más de ciento cincuenta años de historia. Situado en la entrada norte de la ciudad de Málaga es uno de los escasos jardines con plantas de clima subtropical que existen en Europa. Cuenta con más de 50.000 plantas de unas 2.000 especies tropicales, subtropicales y autóctonas. Destaca su colección con más de cien especies diferentes de palmeras, bambúes, plantas acuáticas y su jardín histórico.

El Mirador
El Mirador
Cúpula del Mirador, (detalle)
Cúpula del Mirador, (detalle)
Vistas desde el Mirador
Vistas desde el Mirador

Colecciones de plantas

Si por algo se distingue el Jardín Botánico de la Concepción de Málaga es por la gran diversidad de especies de plantas que existen en el mismo, muchas de ellas únicas en España, incluso en Europa.

Raíces
Raíces

Llaman la atención sobre todo las especies subtropicales, ya que el clima de Málaga permite tener plantas de zonas cálidas que difícilmente pueden habitar en otros lugares del continente. Podemos encontrar grupos de plantas propias del entorno Mediterráneo y es de destacar por encima de otras especies, la gran variedad de palmeras, considerada la mejor colección exterior de Europa. También existen otras especies típicas de la ciudad, e incluso de otras zonas en peligro de extinción, como es el caso de las vides.

Agua
Agua

Podemos encontrar las siguientes plantas o grupos de plantas:

  • Palmeras.
  • Acuáticas.
  • Plantas Primitivas.
  • Vides.
  • Flora Mediterránea.
  • Carnívoras
  • Orquídeas.
  • Bromelias
  • Frutales.
  • Bambúes.
  • Cactus y otras suculentas
Bosque de Bambúes (1)
Bosque de Bambúes (1)
Bosque de Bambúes (2)
Bosque de Bambúes (2)
Floración
Floración

Jardines y entornos destacados

Además de las ya mencionadas colecciones de plantas, podemos encontrar los siguientes espacios dentro del propio jardín:

Paseo de los Plátanos
Paseo de los Plátanos
  • Paseo de hibiscus.
  • Jardín González-Andreu.
  • Plaza del olivo centenario.
Paseo de Hibiscus
Paseo de Hibiscus
  • La glicinia del cenador.
  • La vuelta al mundo en ochenta árboles. Un paseo con ochenta árboles y más de cien arbustos y trepadoras de los cinco continentes.
  • Mapamundi de palmeras. Un jardín con setenta y ocho especies de palmeras de los cinco continentes.
  • Jardín de suculentas. Un jardín de plantas de desierto junto al jardín húmedo tropical. Contiene más de cuatrocientas especies diferentes, donde se pueden apreciar cactus, aloes, agaves, etc.
Jardín Húmedo (1)
Jardín Húmedo (1)
  • Rocalla de la biodiversidad. Colección de plantas de clima mediterráneo presentes en diferentes partes del mundo. Este jardín colabora con el Proyecto Fénix recuperando varias plantas autóctonas en peligro de extinción.
Jardín Húmedo (2)
Jardín Húmedo (2)
  • Estufa caliente. Pequeño invernadero que reproduce las condiciones climáticas de selvas tropicales. Ofrece una colección de plantas carnívoras, bromelias y orquídeas.
Estanque de las ninfas
Estanque de las ninfas
  • Jardín primitivas. Espacio dedicado a plantas prehistóricas cuyas especies han sobrevivido hasta nuestros días.
Jardín del Loto
Jardín de Primitivas
Hojas de Otoño bajo el agua del estanque de Loto (1)
Hojas de Otoño bajo el agua del estanque de Loto (1)
Hojas de Otoño bajo el agua del estanque de Loto (2)
Hojas de Otoño bajo el agua del estanque de Loto (2)
Hojas de Otoño bajo el agua del estanque de Loto (3)
Hojas de Otoño bajo el agua del estanque de Loto (3)
Hojas de Otoño bajo el agua del estanque de Loto (4)
Hojas de Otoño bajo el agua del estanque de Loto (4)
Hojas de Otoño bajo el agua del estanque de Loto (5)
Hojas de Otoño bajo el agua del estanque de Loto (5)
Hojas de Otoño bajo el agua del estanque de Loto (6) -Variación 1
Hojas de Otoño bajo el agua del estanque de Loto (6) -Variación 1
Hojas de Otoño bajo el agua del estanque de Loto (8)
Hojas de Otoño bajo el agua del estanque de Loto (8)

La Glicinia del Cenador

Glicinias -Primavera 2011
Glicinias -Primavera 2011

La Glicínia, una de las plantas más bellas y emblemáticas, florece mostrándonos todo su esplendor anunciando el comienzo de la primavera. Se trata de una especie trepadora de la familia de las fabáceas originaria de China. Los doce pies sembrados por la familia Loring-Heredia allá por 1857 envuelven el cenador de hierro e incluso trepan por los ficus y palmeras que alcanzan hasta los veinte metros de altura.

Glicinias del Cenador
Glicinias del Cenador

Sus racimos de flores color lila y su suave aroma crean una atmósfera sublime. Es un espectáculo único que dura aproximadamente 15 días al año, desde finales de marzo o principios de abril.

Techo del Cenador -26  de Enero 2013
Techo del Cenador -26 de Enero 2013

Las glicinias aparecen en uno de los lugares más bellos del Jardín de la Concepción, el cenador de hierro, lugar donde se celebran gran cantidad de bodas sobre todo en esta época del año cuando se produce esta floración.

Patrimonio histórico

Casa Palacio
Casa Palacio

En el Jardín de La Concepción encontramos además de su patrimonio botánico, un importante patrimonio histórico.

Museo Loringiano
Museo Loringiano (1)
Trasera Museo Loringiano
Trasera Museo Loringiano
Esquina principal Museo Loringiano
Esquina principal Museo Loringiano
Principal Museo Loringiano
Principal Museo Loringiano

Durante el siglo XIX La Concepción fue un lugar de encuentro para ilustres personajes de la época, políticos, artistas, aristócratas y la noble burguesía malagueña frecuentaban estos jardines. Se construyeron numerosos edificios nobles: la magnífica Casa-Palacio, la casita de los cipreses, la casa del administrador, la casita del jardinero y la escuelita; dos invernaderos en hierro; un gran cenador; fuentes, escalinatas, un bello mirador, en el cual muchas personas iban a pedir la mano, y el Museo Loringiano, que albergaba los hallazgos arqueológicos encontrados en las excavaciones financiadas por la primera familia propietaria de la finca, los Marqueses de la Casa Loring, como la Lex Flavia Malacitana, actualmente en el Museo Arqueológico Nacional.

He organizado las imágenes anteriores que capturé en esta visita del 26 de Enero, “musicándolas” en este clip. Espero sea de su agrado.

Vídeo: Jardín Botánico-Histórico La Concepción (Málaga)

Montaje y Fotografía: C. R. Ipiéns

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Egon Schiele (1890-1918). Galería (2)

Egon Schiele -1918-
Egon Schiele -1918-

Egon Schiele nace en 1890 en la pequeña ciudad deTulln, en la Baja Austria, en el seno de una familia burguesa ligada al funcionariado.

Ya en su etapa escolar, Schiele dibuja con profusión. En el instituto de Klosterneuburg, el pintor Max Kahrer es uno de sus primeros promotores y le enseña diversas técnicas artísticas.

Debido a su mal rendimiento escolar, su madre decide sacarlo de la escuela antes de tiempo. Su talento para el dibujo le lleva a seguir una carrera artística.

-House Wall on the River-
-House Wall on the River-

En octubre de 1906, casi dos años después de la muerte de su padre, supera el examen de ingreso en la Academia de Bellas Artes de Viena. Su profesor es el pintor de historia Christian Griepenkerl.

En 1909, participa en la Internationale Kunstschau(Muestra Internacional de Arte), donde se rinde homenaje a Gustav Klimt y en la que Oskar Kokoschka hace su debut. La obra de Schiele aún está bajo el influjo de Klimt y del Jugendstil vienés.

House with Shingle Roof (Old_House_II)
-House with Shingle Roof (Old_House_II)-

Como protesta contra su profesor, funda con algunos de sus compañeros de clase y otros que compartían ideas afines el Neukunstgruppe (Grupo de Arte Nuevo). En 1909, abandona la Academia. Con ocasión de la primera exposición del Neukunstgruppe, Schiele conoce al influyente crítico de arte Arthur Roessler.

En 1910, se produce el cambio de rumbo artístico hacia el Expresionismo: con su nuevo cromatismo expresionista, Schiele se rebela tanto contra el naturalismo como contra el dominante Jugendstil vienés; en su obra emergen con enorme brío nuevos temas, como el desnudo erótico, las mujeres encintas y, sobre todo, el autorretrato.

-Reclining Woman-
-Reclining Woman-

En 1911, conoce a Walburga (“Wally”) Neuzil, que será su modelo favorita y su compañera hasta que el artista se case en 1915 con Edith Harms.

Su carrera artística se ve interrumpida cuando, en abril de 1912, se dicta su prisión preventiva: se le inculpa de pederastia y secuestro de menores. Las acusaciones acaban por mostrarse infundadas, pero Schiele ha de permanecer 24 días en prisión: el artista plasma esta experiencia traumática en la famosa serie de la cárcel.

-Dead Mother-
-Dead Mother-

En junio de 1915, un año después de estallar la Primera Guerra Mundial, es destinado a Praga tras un segundo reclutamiento. Ese mismo mes se casa con Edith Harms, hija de una familia acomodada.

Desde finales de 1915, su arte expresionista cede ante un mayor acercamiento a lo natural, lo que se refleja especialmente en sus desnudos femeninos y retratos, cada vez más realistas.

-Black Haired Girl with Lifted Skirt-
-Black Haired Girl with Lifted Skirt-

Tras la inesperada muerte de Gustav Klimt a principios de 1918, Egon Schiele es considerado como su legítimo heredero en la escena artística de Viena.

En marzo de 1918, logra el éxito económico a raíz de la exposición 49ª de la Secesión vienesa: el artista obtiene lucrativos encargos de retratos y también aumenta la demanda de sus desnudos eróticos.

-Crouching Woman with Green Headscarf-
-Crouching Woman with Green Headscarf-

Algunos días antes de finalizar la guerra, el 28 de octubre de 1918, la esposa de Schiele, Edith, que estaba embarazada, muere por una devastadora epidemia de “gripe española”. Tres días después, fallece Egon Schiele de la misma enfermedad. Esta referencia biográfica ha sido tomada por la realizada con motivo de la exposición realizada en el Museo Guggenheim de Bilbao (2 de octubre, 2012 — 6 de enero, 2013). Puede verse una primera entrada de Egon Scieler en este blog aquí.

-nackter knabe auf gemusteter decke liegend-
-nackter knabe auf gemusteter decke liegend-
-Two Women Embracing-
-Two Women Embracing-
-The Hermits-
-The Hermits-
-Standing Woman in a Patterned Blouse-
-Standing Woman in a Patterned Blouse-
-Seated Woman with Legs Drawn Up (Adele_Herms)-
-Seated Woman with Legs Drawn Up (Adele Herms)-
-Seated Couple,1915-
-Seated Couple, 1915-
-Portrait of Wally Neuzil-
-Portrait of Wally Neuzil-
-Portrait of the Artist's Sister in Law, Adele Harms, 1917-
-Portrait of the Artist’s Sister in Law, Adele Harms, 1917-
-Nude with Blue Stockings, Bending Forward-
-Nude with Blue Stockings, Bending Forward-
-Mourning Woman-
-Mourning Woman-
-Moa-
-Moa-
-Lovers-
-Lovers-
-Lovemaking-
-Lovemaking-
-Kneeling Girl, Resting on Both Elbows-
-Kneeling Girl, Resting on Both Elbows-
-Kneeling Female in Orange Red Dress-
-Kneeling Female in Orange Red Dress-
-Cardinal and Nun (Caress)-
-Cardinal and Nun (Caress)-
-Composition with Three Male Nudes-
-Composition with Three Male Nudes-
-Crouching Nude Girl-
-Crouching Nude Girl-
-Devotion-
-Devotion-
Edith with Striped Dress,Sitting-
Edith with Striped Dress,Sitting-
-Crescent of Houses II (Island Town)-
-Crescent of Houses II (Island Town)-
-Crescent of Houses (The Small City V) (Krumau Hauserbogen (die Kleine Stadt V))-
-Crescent of Houses (The Small City V) (Krumau Hauserbogen (die Kleine Stadt V))-
-Old Houses in Krumau, 1914-
-Old Houses in Krumau, 1914-
-Female Lovers, 1915-
-Female Lovers, 1915-
-Autorretrato-
-Autorretrato-

Paul Klee (1879-1940)

Paul Klee, 1911.
Paul Klee, 1911.

Cuando Kandinsky impartía clases en la Bauhaus, también lo hacía un artista suizo llamado Paul Klee. Y aunque Klee no era teosofista, si compartía, al igual que Kandinsky, un mismo ideal pictórico.

Gato y pájaro. 1928. MOMA.
Gato y pájaro. 1928. MOMA.

Una visión de este ideal la presenta Klee en su libro El ojo que piensa, escrito durante los años de profesor en la Bauhaus; acaso el manual más detallado sobre la <<ciencia>> del diseño que jamás se haya escrito, según Robert Hugues, concebido en términos de una teoría universal de las <<equivalencias>> visuales de los estados espirituales, cuya complicada elaboración rivalizaba con la de Kandinsky.

Klee, Insula dulcamara, 1938, 88 x 176 cm; Centro Paul Klee, Berna.
Klee, Insula dulcamara, 1938, 88 x 176 cm; Centro Paul Klee, Berna.

Al igual que Kandinsky, Klee valoraba lo <<primitivo>>, y especialmente el arte de los niños. Envidiaba esa libertad polimorfa que tienen los niños para crear signos.

En su afán de pintar <<como si fuera un recién nacido, sin saber absolutamente nada de Europa>>, Klee era un europeo total. Su obra indagaba en las innumerables grietas dela cultura, recogiendo pequeños trofeos y emblemas de la botánica, la astronomía, la física y la psicología. La música tuvo en él una influencia especial. Creía que el contrapunto del siglo XVIII (su forma predilecta) podría traducirse directamente en gradaciones de color y valor, repeticiones y cambios de motivo.

Schlamm Assel-Fisch, 1940.Fundación Beyeler.
Schlamm Assel-Fisch, 1940.Fundación Beyeler.

Las suposiciones de Klee eran desenfadadamente trascendentalistas. <<Antes solíamos representar las cosas visibles de la tierra>>, escribió en 1920, <<cosas que nos gustaba mirar lo que nos hubiera gustado ver. Hoy revelamos la realidad que yace detrás de las cosas visibles, expresando así la creencia de que el mundo visible no es más que un caso aislado en relación con el universo y que hay muchas otras realidades latentes…>>

Fish Magic. Oil and watercolor varnished. 76.8 x 98.1 cm, 1925
Fish Magic. Oil and watercolor varnished. 76.8 x 98.1 cm, 1925

La obra de Klee es la búsqueda de los símbolos y las metáforas capaces de hacer visible esa creencia.

Ohne Titel, 1940. Fundación Beyeler.
Ohne Titel, 1940. Fundación Beyeler.

La obra de Klee no ofrece los sentimientos intensos de Picasso, ni la maestría formal de Matisse. El trazo exacto y delgado, arrastrándose y arañando los bordes de su fantasía, se verifica en un pequeño ámbito de superposiciones, transparencias y campos de figuras contrapuestos, todos post-cubistas.

En este clip, presento una sucinta muestra de su obra, espero sea de su agrado.

Miscelánea personal: The Dark Side of the Moon. (Pink Floyd)

The dark side of the moon  -Pink Floyd
The dark side of the moon -Pink Floyd

The Dark Side of the Moon (en español: El lado oscuro de la luna) es un álbum conceptual y el octavo de estudio de la banda británica de rock progresivo Pink Floyd. Fue lanzado el 17 de marzo de 1973 en Estados Unidos y el 24 de marzo del mismo año en el Reino Unido.

The Dark Side of the Moon se construyó a partir de experimentos hechos por Pink Floyd en conciertos y en grabaciones previas, pero sin las extensas piezas instrumentales que, según el crítico David Fricke, se habían convertido en una característica de la banda desde la marcha del miembro fundador Syd Barrett en 1968. El guitarrista David Gilmour, el músico que reemplazó a Barrett, luego se refirió a estos instrumentales como «ese rollo enrevesado de la psicodelia». Gilmour y Waters citan al álbum Meddle de 1971 como un punto de inflexión hacia lo que después sería el siguiente álbum.

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La temática de las letras de las canciones incluye la avaricia, el envejecimiento, la muerte y la enfermedad mental. Este último tema tuvo como inspiración el deterioro mental de Barrett, quien había sido el principal compositor y letrista de la banda en sus primeros años. El álbum es conocido por el uso de música concreta y conceptual y las letras filosóficas, al igual que muchos otros trabajos de la banda.

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Cada cara del álbum constituye una pieza continua de música. Las cinco pistas de cada cara reflejan varios estadios de la vida humana. El álbum comienza y acaba con latidos de corazón; explora la naturaleza de la experiencia del ser humano, y según Waters, «la empatía». «Speak to Me» y «Breathe»,  que son los dos números que presento en este clip, juntos hacen énfasis en los elementos mundanos y fútiles de la vida junto con la siempre presente amenaza de la locura y la importancia de vivir cada uno su propia vida: «No tengas miedo a querer».

Sol Azul
Sol Azul

The Great Gig in the Sky (El Gran Concierto en el Cielo) es la quinta canción del álbum The Dark Side Of The Moon, de la banda Británica Pink Floyd, editado en 1973. Reconocida por la interpretación vocal de Clare Torry (similar a la de David Gilmour en A Saucerful of Secrets ).

Originalmente fue llamada The Mortality Sequence (La Secuencia de la Mortalidad), The Religion Song (La Canción de la Religión) y Ecclesiastes (este nombre es previo a la inclusión en el disco, y se debe a que durante las interpretaciones en vivo, se leían parodias del Libro de Eclesiastés, de la Biblia).

Es una canción inspirada en la tristeza y la inminencia de la muerte, enfatizada por la voz protagonista de Clare Torry, Alan Parsons había trabajado con ella previamente y la llamó para sesionar. Cuando se disponían a grabar la voz, los Floyd dieron como únicas instrucciones a Torry: “Piensa en la muerte o en algo horrible y canta” La cantante, tras acabar, salió avergonzada y pidiendo disculpas; lo que sorprendió a los miembros de la banda, a quienes encantó su improvisación.

Luego de tres tomas, se realizó la mezcla y quedó lista la edición. Pink Floyd unánimemente acordó en la inclusión de las tomas.

Aquí hago esta propuesta…Esperando sea de su agrado.

Henri Rousseau (1844-1910); Pintor Naïf.

Henri Rousseau (1844-1910), Autorretrato. (1903). Óleo sobre lienzo.  23 × 19 cm. Musé Picasso (París).
Henri Rousseau (1844-1910), Autorretrato. (1903). Óleo sobre lienzo. 23 × 19 cm. Musé Picasso (París).

Este apunte está tomado del libro de Robert Hughes: El impacto de lo nuevo. El Arte en el siglo XX.

“Puede decirse que los surrealistas se dirigieron a tres tipos de expresión que habían existido durante mucho tiempo, pero no habían sido tomadas en serio: el arte de los niños, el arte de los locos y el arte <<primitivo>>. Las tres fuentes prometían imágenes que, como procedían de niveles de baja instrucción, tampoco estaban sometidas a la censura, pero la más fructífera resultó se el arte <<primitivo>>, las obras de hombres y mujeres autodidactas, los pintores domingueros y los naïfs cuya compulsión de bosquejar sus experiencias tan directamente como fuera posible les parecía a los surrealistas más valiosa que cualquier suma de pintura profesional o académica.

Actualmente son muy pocas las personas que intentan dibujar lo que han visto o lo que les ha pasado. Pero aunque hace un siglo el pintor naïf era una rareza en Francia, no estaba extinguido en absoluto. La muerte de las tradiciones populares no había destruido esa especie, porque el naïf era un personaje urbano, convencido de su importancia como artista individual, y no estaba nada interesado en las técnicas del campesino o del pescador.

Entre los naïfs el único gran pintor fue Henri Rousseau (1844-1910). Conocido como el Aduanero debido a sus quince años de servicio como funcionario civil de menor cuantía, Rousseau ambicionaba exponer en los salones, en compañía de Manet y de Gèrôme, de Bouguereau y de Puvis de Chavannes. Si hubiera sido capaz de pintar <<mejor>> desechando sus características primitivas, seguramente lo habría conseguido; afortunadamente, pudo exponer sus cuadros anualmente, a partir de 1866, en el Salón de los Independientes, junto con los artistas modernistas profesionales que el salón oficial había excluido.No se dejó impresionar por aquellos pintores, a juzgar por el comentario que le hizo a Picasso para explicarle que ellos eran los dos pintores contemporáneos más grandes: <<Yo en el estilo moderno y tú en el egipcio>>. La primera característica que un ojo moderno encuentra fascinante en la obra de Rousseau, su intensa estilización (ver El Sueño), no era en absoluto lo que el pintor deseaba.

El sueño (1910), 204x298 cm. Óleo sobre lienzo. Museum of Modern Art, (New York).
El sueño (1910), 204×298 cm. Óleo sobre lienzo. Museum of Modern Art, (New York).

Él quería que sus visiones fueran absolutamente reales, cada figura, rostro, hoja, flor y árbol, medidos y concretos, enumerados hoja por hoja, vena por vena, pelo por pelo. Esta vocación de paciente formalidad se combinaba de extrañas maneras con su gusto por lo exótico. Rousseau solía justificar la <<realidad>> de sus escenas selváticas con una sarta de mentirijillas acerca de cómo él había visto todas aquellas cosas cuando servía en el ejército francés en México; era importante que esos espectáculos de maravillosa fantasía parecieran presenciados, no inventados. De hecho, habían sido presenciados dos veces: primero por el ojo temible de la imaginación de Rousseau, y luego en el Jardín Botánico, donde el viejo pasaba horas entre las palmeras y las aráceas tomando apuntes para sus obras, escuchando todo el tiempo los rugidos y los graznidos de los animales enjaulados en el zoológico que está al lado.

La claridad de visión de Rousseau aumentó aún más el tono compulsivo y como sonado de sus telas: ahí está la imagen, súbitamente, sin ambigüedades, tomada (como él había insistido) <<de la vida>>”.

Paso a presentar una muestra de su obra. Espero sea de su agrado.

La gitana dormida (1897), 130x201 cm. Óleo sobre lienzo, Museum of Modern Art, (New York).
La gitana dormida (1897), 130×201 cm. Óleo sobre lienzo, Museum of Modern Art, (New York).
La encantadora de serpientes (1907), 169x190 cm. Óleo sobre lienzo. Musèe d’Orsay (París).
La encantadora de serpientes (1907), 169×190 cm. Óleo sobre lienzo. Musèe d’Orsay (París).
La jungla ecuatorial (1909), 140,3 × 129,5 cm. Óleo sobre lienzo. National Gallery of Art (Washington, D.C.).
La jungla ecuatorial (1909), 140,3 × 129,5 cm. Óleo sobre lienzo. National Gallery of Art (Washington, D.C.).
Combate de un tigre y un búfalo (1891), 46 × 55 cm. Óleo sobre lienzo. Hermitage Museum.
Combate de un tigre y un búfalo (1891), 46 × 55 cm. Óleo sobre lienzo. Hermitage Museum.
Los flamencos (1907),  114 × 163.3 cm. Óleo sobre lienzo. Colección privada.
Los flamencos (1907), 114 × 163.3 cm. Óleo sobre lienzo. Colección privada.
Noche de Carnaval (1886), 117.3 × 89.5 cm. Óleo sobre lienzo. Philadelphia Museum of Art.
Noche de Carnaval (1886), 117.3 × 89.5 cm. Óleo sobre lienzo. Philadelphia Museum of Art.
Jardines de Luxemburgo, Monumento a Chopin, 38 × 47 cm. Óleo sobre lienzo. Hermitage Museum.
Jardines de Luxemburgo, Monumento a Chopin, 38 × 47 cm. Óleo sobre lienzo. Hermitage Museum.
Niño en las rocas, 55.4 × 45.7 cm. Aceite de lino. National Gallery of Art. (Washington, D.C.).
Niño en las rocas, 55.4 × 45.7 cm. Aceite de lino. National Gallery of Art. (Washington, D.C.).
Jugadores de fútbol (1908), 100.5 × 80.3 cm. Óleo sobre lienzo. Guggenheim Museum (New york).
Jugadores de fútbol (1908), 100.5 × 80.3 cm. Óleo sobre lienzo. Guggenheim Museum (New york).

En este clip presento una muestra animada y musicada por el músico minimalista Wim Mertens de su obra, espero sea de su agrado:

Pedro Olalla: ¿Por qué Grecia?

Pedro Olalla
Pedro Olalla

Pedro Olalla González de la Vega (Oviedo, España, 1966) es escritor, helenista, profesor, traductor, fotógrafo y cineasta, y en estos campos desarrolla su actividad profesional en colaboración con editoriales, universidades e instituciones culturales de diversos países del mundo. Desde hace veintiocho años, mantiene una intensa relación con Grecia, país en el que se inició en el helenismo y en el que, en 1994, fijó su residencia para dedicarse a la investigación, la creación y la didáctica. Nota de su blog personal, que puedes visitar desde aquí: (Haz click)

Con este clip nos deleita, y nos propone una espléndida visión de lo “griego”, hacer más comentarios sobre este conferencia audiovisual, sería casi agredirla, así que prefiero que sean ustedes, los lectores, los que la gocen.

Conferencia audiovisual de Pedro Olalla sobre la importancia del elemento griego en la conformación de la cultura. Pronunciada en la “X Jornada Clásica de Sagunto” (Sagunto, España, 17/11/2012), en un clima marcado por la nueva reforma educativa española, que reduce la presencia de las humanidades y, en especial, el estudio del latín y del griego.

Joachim Beuckelaer: Los cuatro elementos

Joachim Beuckelaer (Amberes, 1533–1574) fue un pintor flamenco.

Estudió con su tío, Pieter Aertsen (otro tío suyo fue el también pintor Pieter Coecke van Aelst). Muchas de sus pinturas contienen escenas de cocina y mercados, con alusiones religiosas en el fondo. Su serie sobre los Cuatro elementos, en la National Gallery de Londres, ejemplifica este tema a gran escala.

En el arte de los Países Bajos en los últimos siglos XVI y XVII, se convirtió en común esta temática para simbolizar los elementos de las referencias al mundo natural. Aquí, las representaciones de seducción de mercado de productos para la venta o para la cocina se combinan con las episodios bíblicos.

Aire

Joachim_Beuckelaer_- Aire.
Joachim_Beuckelaer_- Aire. 1570. Óleo sobre lienzo, 157 x 214 cm. National Gallery, London.

En este cuadro, ‘Aire’, diferentes tipos de aves se ofrecen para la venta, algunos todavía vivos en grandes cestos de mimbre, otros muertos y listo para arrancar. En el plato en el centro del primer plano son los conejos y los huevos a cualquiera otro en una cesta y un montón de quesos. En el centro de la composición, a la distancia, el hijo pródigo se muestra inclinado contra una mujer de una manera disoluta.

Tierra

Joachim Beuckelaer -Tierra, 1569. öleo sobre lienzo, 157 x 214 cm. National Gallery, London.
Joachim Beuckelaer -Tierra, 1569. Óleo sobre lienzo, 157 x 214 cm. National Gallery, London.

En este cuadro, ‘Tierra’, los productos de la tierra se presentan con gran fuerza: las verduras de la canasta en poder de la mujer a la izquierda, caen en cascada hacia el espectador. Dieciséis diferentes variedades de vegetales y frutas han sido identificados. Las diminutas figuras de la Sagrada Familia se puede ver cruzar un puente a lo lejos a la izquierda.

Fuego

Joachim Beuckelaer -Fuego, 1570, Óleo sobre lienzo 158 x 216 cm. National Gallery, London.
Joachim Beuckelaer -Fuego, 1570, Óleo sobre lienzo 158 x 216 cm. National Gallery, London.

El fuego, es una de las obras más ambiciosas Beuckelaer, en esta obra se combina la naturaleza muerta de los cuartos traseros de carne con aves de corral en preparación para cocinar en el fuego, se utiliza un excelente uso de  la perspectiva introduciendo múltiples puntos de fuga. Más allá de la cocina Cristo aparece sentado con Marta y María.

Agua

Joachim Beuckelaer -Agua, 1570. Óleo sobre lienzo, 158 x 216 cm. National Gallery, London.
Joachim Beuckelaer -Agua, 1570. Óleo sobre lienzo, 158 x 216 cm. National Gallery, London.

En esta obra, el Agua, se muestra un mercado de pescado vendiendo doce tipos de pescado, representando a los Doce apóstoles de Jesús. A través de un arco en el fondo vemos a Jesús caminando sobre el mar de Galilea después de su resurrección, haciendo que los peces aparezcan milagrosamente en redes vacías.