Arqueología Clásica -Cultura Material-

Lámina del libro Redescubrimiento de Grecia de Fani-María Tsigakou
Lámina del libro Redescubrimiento de Grecia de Fani-María Tsigakou

En la actualidad, podemos decir que Arqueología  (del griego «ἀρχαίος» archaios, viejo o antiguo, y «λόγος» logos, ciencia o estudio) e Historia del Arte tienen objetos de estudio que son comunes, estos son las obras de arte, porque el estudio de estas obras y sus estilos son de gran valor para el arqueólogo, sin embargo la arqueología también distingue todos los demás documentos materiales que no son artísticos, pues estos también transmiten información.

El arte antiguo es una más de las muchas facetas que estudia la arqueología de la cultura material de esta sociedad.

Coliseo, Roma
Coliseo, Roma

A partir de la Tardía Romanidad cuando los edificios clásicos comienzan a abandonarse y a destruirse, solo se salvarán algunos que fueron convertidos en iglesias cristianas. (Es el caso del Panteón de Agripa que fue convertido en el 609 en la Iglesia de “Sta Mª de los Mártires”), pero la tendencia general es el abandono; el mármol y otros materiales con los que estaban construidos estos edificios se fundirán para la obtención de cal u otros elementos para meras edificaciones.

De todos modos, desde la Edad Media, Roma es un centro de peregrinación y los peregrinos se quedarán impresionados por los monumentos antiguos conservados.

Para ellos se va a crear una guía de Roma que propone distintos itinerarios por la ciudad, el más antiguo de estos itinerarios se remonta al S.IX y propone once recorridos por la ciudad, describe sus murallas sus principales edificios y presta especial atención a las inscripciones, este interés desaparecerá en los siglos siguientes, debido al cambio de escritura que ocurre durante el Imperio Carolingio, donde con este cambio se impondrá la letra Capital Gótica, con lo que las inscripciones empezarán a dejar de saberse leer.

Estos itinerarios se conocen como “Mirabilia Urbis Romae” (Las maravillas de la ciudad de Roma) y se van a convertir en el siglo XVI en el vehículo fundamental para conocer los monumentos de la antigüedad. No obstante, alumbran cierto desconocimiento debido a que están plagados de leyendas y de tradiciones, uno de los más conocidos es el del Maestro Gregorius que intenta más o menos huir de estas narraciones fantasiosas y reconoce no saber leer las inscripciones.

Panteón de Agria, Roma
Panteón de Agripa, Roma
Mirabiia Urbis Romae
Mirabiia Urbis Romae

A principios del siglo XV Ciriaco Pizzecolli también conocido como Ciriaco d’Ancona o Ciríaco de Ancona (Ancona c.1391 – Cremona c. 1455), un viajero y coleccionista de antigüedades italiano, fue de los primeros humanistas del Renacimiento que estudió personalmente los restos físicos del mundo antiguo, y por tal motivo es a veces recordado como el padre de la arqueología.

Nacido en el seno de una familia de mercaderes se dedicó al comercio, oficio que pronto abandonó para dedicarse a los estudios de la Antigüedad clásica, de la cual investigó la historia y aprendió las lenguas. En numerosos viajes por Italia, Dalmacia, Grecia y Egipto redactó detalladas descripciones de los antiguos monumentos acompañándolas de ilustraciones realizadas por él mismo.

El Código de Partenón en Hamilton (Deutsche Staatsbibliothek de Berlín)Dibujo Ciriaco d’Ancona
El Código de Partenón en Hamilton (Deutsche Staatsbibliothek de Berlín)
Dibujo Ciriaco d’Ancona

Dotado de una gran curiosidad, descubrió varios relictos y adquirió documentos y códices, acumulando la suficiente cantidad de datos como para escribir sus “I commentarii” (“Los Comentarios”), obra en seis volúmenes que desafortunadamente fue destruida en 1514 por el incendio que se produjo en la biblioteca de Alessandro y Constanza Sforza en Pésaro; asimismo redactó una serie de manuscritos documentales que donó a la ciudad de Ancona pero que en 1532 se perdieron durante el incendio del archivo de esa ciudad.

A partir del siglo XV será cuando se mostrará mayor interés por la antigüedad debido a dos fenómenos importantes:

– Uno el afán por el coleccionismo de antigüedades.

– De otra parte, el interés por la recuperación de textos antiguos. Las obras de autores como Ovidio, Plinio, Vitrubio, hasta este tiempo solo se encontraban en Monasterios, es gracias a la irrupción de la imprenta, cuando comienzan a alcanzar un gran auge.

Uno de loslibros de Arquitectura de Vitrubio
Uno de los libros de Arquitectura de Vitrubio
Detalle de una de sus páginas
Detalle de una de sus páginas

Del impacto que supuso la existencia de estos textos sobre los artistas del Renacimiento, podemos dar varios ejemplos:

Alberti, escribió una obra sobre la descripción de los monumentos de la antigüedad en Roma. Palladio, también se interesó, pero sobre todo en el terreno de la Arquitectura. Brunelleschi y Donatello realizaron pequeñas excavaciones en la ciudad de Roma con el fin de estudiar in situ sobre los vestigios materiales las leyes arquitectónicas de los romanos.

En el siglo XVI se produce un descubrimiento importante: “Domus Áurea de Nerón”.

La Domus Aurea (literalmente, en latín, Casa de Oro) era un grandioso palacio construido por el emperador Nerón en Roma tras el gran incendio del año 64. Ocupaba, según se ha calculado, alrededor de 50 hectáreas entre las colinas del Palatino y el Esquilino.

Domus Áurea de Nerón. La Domus Aurea permanece todavía debajo de las ruinas de los Baños de Trajano (aquí visible).
Domus Áurea de Nerón. La Domus Aurea permanece todavía debajo de las ruinas de los Baños de Trajano (aquí visible).

Sus lujos incluían incrustaciones de oro, piedras preciosas y marfil, y se cuenta que los techos de algunos salones tenían compuertas por donde se arrojaban flores y perfumes durante las fiestas ofrecidas por Nerón.

Inacabada a la muerte de Nerón y dañada por el incendio del 104, la Domus Aurea fue cubierta con escombros por orden del emperador Trajano, una medida que a la larga aseguró sus conservación al evitar el habitual pillaje de materiales valiosos que afectó a otros edificios como el Coliseo.

Triunfo de Baco, copia al agua.
Triunfo de Baco, copia al agua de uno de los frescos encontrados en el Domus Áurea.

En ella se conoció por primera vez la pintura antigua; cuando fue descubierta, aún no se sabía que era la casa de Nerón, las galerías y habitaciones se denominaron “Grutas”, de ahí, que a las pinturas de las paredes se les llamasen “Grutescos”,  los que tuvieron gran repercusión en pintores de la época como Rafael Sanzio, que llegó a ser nombrado por el Papa “superintendente” o “inspector” de las antigüedades de Roma (hacia 1515).

Reproducciones al agua de algunos grutescos encontrados en la Domus Áurea.
Reproducciones al agua de algunos grutescos encontrados en la Domus Áurea.

En esta misma zona de la “Domus Áurea”, en 1506 se descubrió un grupo escultórico, famoso en la antigüedad y conocido en el Renacimiento por las descripciones de Plinio, fue Miguel Ángel quien lo identificó como el grupo del Laocoonte (ver en este blog) cuando fue llamado por el Papa Julio II para que lo viera, pensando que era el original griego el Vaticano lo adquirió para sus colecciones.

Laocoonte
Grupo escultórico del Laocoonte. S. I d.C. Copia Romana del original. Mármol. Museos Vaticanos

“Descubierto en una época en la que Roma buscaba renacer como el reflejo de lo que fuera en la antigüedad y recuperar la grandeza de su propia historia, el grupo de Laocoonte adquirió desde un primer instante un extraordinario valor simbólico. A poco más de dos meses de descubrirlo, Julio II pudo adquirir la escultura para exponerla en su patio de Belvedere, donde fue admirada por muchos artistas. Si Plinio ya la había preferido, Miguel Ángel la calificó como la obra cumbre de la escultura de todos los tiempos”.

Apolo de Belvedere. Copia romana en mármol de la época imperial que se atribuiría a Leocares después de un original griego en bronce de la época helenística. - Cortille otogonale - Museo-Clementino (Museos Vaticanos).
Apolo de Belvedere. Copia romana en mármol de la época imperial que se atribuiría a Leocares después de un original griego en bronce de la época helenística. – Cortille otogonale – Museo-Clementino (Museos Vaticanos).

La colección de esculturas fundada en Noviembre de 1503 por el recién nombrado Papa Julio II –en el patio destinado especialmente a este fin en el Vaticano, el “Cortille otogonale” o “Cortille delle staue del Belvedere- no solo contribuyó a perpetuar y difundir el coleccionismo, sino también a fomentar la producción artística de la época.

Aunque en la Italia Quattrocentista ya existían numerosas colecciones arte clásico, la creada por el nuevo Papa destacó porque subrayaba el interés por la Antigüedad pagana y sus imágenes había logrado conquistar el mismísimo baluarte de la cristiandad, el Vaticano.

El Renacimiento italiano alcanzó su cenit merced a ese intenso interés por las obras de la época clásica.

Torso de Belvedere, siglo I a.C. Mármol. Roma Museos Vaticanos.
Torso de Belvedere, siglo I a.C. Mármol. Roma Museos Vaticanos.

A la vez, esa colección hizo recuperar el interés por la escultura clásica en sí, ya que en el patio de las estatuas se reunieron exclusivamente obras escultóricas de aquel periodo originales, salvo algunas copias romanas de originales griegos, que también podían calificarse como tales.

El coleccionismo en el siglo XVI no se da solo en Italia, se extiende a otros países de Europa, Francia, Alemania… todas las cortes tienen sus colecciones.

"Pallas Pacifera" del patio principal, la única copia del tipo “Athena Medici“ que se conserva junto con su cabeza. Casa de Pilatos, Sevilla.
“Pallas Pacifera” del patio principal, la única copia del tipo “Athena Medici“ que se conserva junto con su cabeza. Casa de Pilatos, Sevilla.

Por ejemplo en la Biblioteca del Escorial, el rey Felipe II tuvo la colección típica del Renacimiento. Junto a las antigüedades se van a coleccionar los objetos más diversos que puedan ser considerados de interés, a este tipo de colecciones se les llamaba “Cámaras de las Maravillas” o “Wunder Kamer” (en Alemán).

Los nobles van a albergar en sus palacios, bien en gabinetes o o bien en galerías auténticos museos privados y, en ellos va a tener un papel fundamental las antigüedades. Un ejemplo en Andalucía lo tenemos en “La casa de Pilatos” en Sevilla, donde los Duques de Alcalá van a poseer una colección arqueológica con piezas italianas.

Este afán se extendió tanto que llegó un momento en el que las piezas italianas no son suficientes para la demanda que había y se tiene que recurrir a la creación de copias de los originales, así que nos encontramos en pleno siglo XVI a artistas italianos realizando copias de los originales que ya conocían para venderlas a toda Europa.

Este siglo XVI es un siglo de contrastes, en 1501 se encontró el Pasquino, Pasquino es el apodo que los romanos renacentistas pusieron a una estatua antigua desenterrada y colocada en 1501 cerca de Piazza Navona en Roma. Satiristas anónimos pegaban “pasquines” en la estatua criticando el gobierno y los acontecimientos de la ciudad. Sus contrarios pegaban sus respuestas sobre otras estatuas como el Marforio. Este descubrimiento se hizo durante las obras del palacio de un cardenal de Roma que lo colocó inmediatamente adosado a uno de los muros del palacio, a la vista de todo el que quisiera estudiarlo (Miguel Ángel y Bernini valoraron mucho esta pieza).

Pasquino, 1501 
Pasquino, 1501

Al mismo tiempo en Agrigento (Sicilia), en “Porto Empedocle” El emperador Carlos V ordenó construir una torre para proteger las reservas de grano en el siglo XV. Para ello utilizó como materiales los sillares del templo de Zeus que se encontraban en el mismo Agrigento. La torre luego fue convertida en una prisión y actualmente es un centro cultural.

También los Papas a pesar de ser coleccionistas de antigüedades, para realizar las reformas urbanísticas de Roma no tuvieron el más mínimo reparo en desmontar el Coliseo o el Circo Máximo para el aprovechamiento de sus materiales.

Hasta el siglo XVIII las excavaciones que existía interesaban solamente con el fin de la recuperación de objetos, siempre con un objetico coleccionista  y carente de método científico.

El interés por el estudio también se extiende al mundo etrusco y a Grecia.

A Grecia, afortunadamente en 1674 viaja el embajador francés en Constantinopla, el Marqués de Nointel, que iba acompañado por el dibujante Jacques Carrey (1649–1726), fue efectuado adquisiciones preciosas de monedas y medallas, mármoles y otras antigüedades, Jacques Carrey durante el periplo fue recogiendo en láminas, monumentos y decoraciones, entre otras la decoración del Partenón, gracias a ello hoy conocemos las decoraciones que existían antes de que en 1687 explotase el polvorín que se encontraba en el interior del Partenón en el enfrentamiento entre Venecianos y Turcos.

Jacques Carrey, Frontón occidental del Partenón, 1674
Jacques Carrey, Frontón occidental del Partenón, 1674
Jacques Carrey, Frontones occidental y oriental del Partenón, 1674
Jacques Carrey, Frontones occidental y oriental del Partenón, 1674

prueba10005

En el siglo XVII destacan las obras de Jacob Spon (1647-1685) que junto al botánico inglés George Wheler, viajó a Grecia en diversas ocasiones entre 1675 y 1676 para explorar los monumentos de la Grecia Antigua. En estos años fue uno de los descubridores del Oráculo de Delfos y de multitud de piezas arqueológicas como monedas y manuscritos, muchos de ellos legados a su muerte a la Universidad de Oxford. También viajó por Italia, fue recogiendo en grabados y dibujos todas las antigüedades que vio.

Tholos de Delfos
Tholos de Delfos

En 1676 Jacques Spon (francés) y George Wheler (inglés) llegaron al emplazamiento del santuario, convertido en un poblado llamado en ese momento Castri. En su visita por el lugar se fijaron en unas inscripciones en la iglesia de un monasterio que había sido construido justamente sobre los muros del antiguo gimnasio. En estas inscripciones leyeron la palabra Delphi. Lo mismo les ocurrió en algunas casas del poblado.

Viaje por Italia, Dalmacia, Grecia y el Levante, Jacob Spon 1675-1676, Edición de 1724
Viaje por Italia, Dalmacia, Grecia y el Levante, Jacob Spon 1675-1676, Edición de 1724

prueba10007

Jacob Spon, Miscellanea eruditæ antiquitatis, sectio III, p. 163.jpg
Jacob Spon, Miscellanea eruditæ antiquitatis, sectio III, p. 163.jpg

Aquí, en España destaca el Marqués de Valdeflores (Malagueño, 1703-1758), estudioso que recibió a mediados de siglo el encargo del Rey de recopilar todas las antigüedades, sobre todo inscripciones que hubiese por todo el reino. Hizo una labor inmensa que desafortunadamente por cuestiones políticas no vio la luz, y después de varios viajes, toda la documentación y el material escrito que se había estudiado terminó guardado en la Real Academia de la Historia.

palace marques

El Palacio del Marqués de Valdeflores es una construcción levantada en el siglo XVIII y es uno de los monumentos más importantes de Málaga. (Desgraciadamente esto es lo que fue y como fue, y esto es hoy).

palacio-marques-valdeflores

De todas las figuras del siglo XVIII destaca Johann Joachim Winckelmann (1717-1768), alemán que es considerado tanto el padre de la Arqueología como el padre de la Historia del Arte.

Johann Joachim Winckelmann (1717-1768)
Johann Joachim Winckelmann (1717-1768)

El Neoclasicismo, movimiento que se extendió por Europa en el siglo XVIII y parte del Siglo XIX, debe mucho a este autor. La idea principal de Winckelmann era que el arte clásico,  griego y romano, había conseguido la perfección, y como tal debía ser recuperado literalmente, porque según Winckelmann: «La única manera de llegar a ser grandes, si es posible, es con la imitación de los griegos.»

Geschichte der Kunst des Altertums ("Historia del arte de la Antigüedad"), publicada en Dresde en diciembre de 1764
Geschichte der Kunst des Altertums (“Historia del arte de la Antigüedad”), publicada en Dresde en diciembre de 1764

Su obra maestra, la Geschichte der Kunst des Altertums (“Historia del arte de la Antigüedad”), publicada en Dresde en diciembre de 1764, con fecha de 1763, pronto fue reconocida como una contribución importante para el estudio de las obras de arte de la Antigüedad.

En este trabajo, el arte antiguo es considerado como el producto de ciertos círculos políticos, sociales e intelectuales que fueron la base de la actividad creativa y el resultado de una sucesiva evolución. De este modo, funda su partición cronológica, desde el origen del arte griego al Imperio romano, en un análisis estilístico, pero no sin equívocos considerables.

Un error en el que Winckelmann incurre en su veneración por la escultura griega, es su valoración de la blancura del mármol como uno de sus mayores encantos. Pero desde finales del siglo XVIII se sabe, sin sombra de duda, que las estatuas de mármol griego (y también los templos) estaban completamente cubiertos de color (sobre todo rojo, negro y blanco).

El llamado "Apolo del Tíber". Mármol, copia romana después de un original griego fechado ca. 450 aC,  Museo Nacional de Roma - Palazzo Massimo alle Terme Fidias
El llamado “Apolo del Tíber”. Mármol, copia romana después de un original griego fechado ca. 450 aC, Museo Nacional de Roma – Palazzo Massimo alle Terme Fidias

Imagen9

Fani-María, Tsigkakou en su libro “El redescubrimiento de Grecia. Pintores y viajeros del siglo XIX”, Thames & Hudson, 1981, (fue el primer estudio exhaustivo sobre el tema de pintores-viajeros en Grecia y traducido a cinco idiomas. En la actualidad trabaja en el Museo Benaki como Conservadora del Departamento de Pintura, Grabados y Dibujos.) nos dice:

“El espíritu de la antigua Hellas fue evocado con más fuerza por Joham Joachim Winckelmann. “El buen gusto nació bajo el cielo de Grecia” escribió en sus “Reflexiones sobre la imitación de las obras griegas en la pintura y en la escultura” publicado en 1755. En su “Historia del Arte de la Antigüedad” publicado en 1764, Winckelmann proclamaba la “superior humanidad de los griegos” y revelaba al público europeo, con una brillante descripción, las condiciones en las que había florecido la actividad creativa en la antigua Grecia. El proceso de idealización de la Edad de Oro clásica había empezado. La opinión de Winckelmann de los ideales supremos de la vida y la cultura humanas habían tomado cuerpo en la Grecia Clásica, se extendió y fue ampliamente compartida por toda Europa.

prueba10001

En el siglo XVIII se llevan a cabo excavaciones en Italia siendo la más importante la de Pompeya y Herculano (Este tema será motivo de una futura entrada), estas dos ciudades romanas fueron sepultadas en el año 79 d.C. bajo la lava y la ceniza del Vesubio, los restos de estas dos ciudades quedaron intactos y para los arqueólogos fueron los descubrimientos de época romana que más y mejor información dieron.

En el SXVIII existen otras excavaciones por toda la península itálica, ciudades etruscas, Magna Grecia etc. Sin embargo, es el siglo XIX el siglo de las grandes misiones arqueológicas.

El precedente de ella hay que buscarlo en la actividad que realizó la figura de Lord Elgin, que fue embajador inglés en Constantinopla y consiguió que las autoridades turcas le permitieran en un principio dibujar la decoración del Partenón, y después, por medios no muy legales llevar hasta Inglaterra hasta 253 piezas entre frisos, metopas y partes de los frontones todas del Partenón (Hacia 1801).

En 1816, arruinado se las vendió a Museo Británico y allí se conservan hasta hoy.

Elgin inició así la costumbre muy extendida en el siglo XIX de realizar excavaciones (esquilmar) en Grecia para conseguir materiales que llenasen las salas de los museos de todo el mundo (no hay que el olvidar que es el siglo de los museos). Los alemanes desmontarán la decoración del Templo de Afaia en Aegina y se la llevarán al Museo de Munich y los franceses, descubierta la Venus de Milo se la llevarán al Louvre.

Charles Robert Cockerell, Excavaciones dl Templo de Afaia en Aegina, 1811.
Charles Robert Cockerell, Excavaciones dl Templo de Afaia en Aegina, 1811.
Frontones reconstruidos del Partenón
Frontones reconstruidos del Partenón
Vista Panorámica del frontón Oeste del templo de Aphaia en Aegina, Glyptothek,Munich.
Vista Panorámica del frontón Oeste del templo de Aphaia en Aegina, Glyptothek,Munich.
Mármoles de Elgin, Museo Británico
Mármoles de Elgin, Museo Británico

Imagen2

A lo largo del siglo XIX se multiplican los descubrimientos tanto en Grecia como en Italia. Esta es la época en la que el arqueólogo Heinrich Schliemann (1822-1890), un millonario prusiano que, tras amasar su fortuna, se dedicó a su gran sueño: la arqueología. Excavó el emplazamiento de Troya —a sugerencia de Frank Calvert, que había excavado en el lugar siete años antes— y excavó en otros emplazamientos como Micenas, Tirinto y Orcómeno, demostrando que la Ilíada describía escenarios históricos.

La historia de este arqueólogo es muy novelesca, curiosa es su historia sobre el tesoro de Príamo, la mayoría de ellas, fueron inventadas, y este autor en este sentido ha sido muy desacreditado. No por ello, puede dejar de reconocerse que a él importantísimo hallazgo de la Máscara de Agamenón en 1876.

Máscara de Agamenon
La llamada Máscara de Agamenón descubierta por Schliemann en Micenas (1876).

Otras excavaciones en el siglo XIX fueron las realizadas en la isla de Crea, que nos dan a conocer una civilización anterior a la griega, esta isla se la repartieron –por así decirlo- ingleses, franceses, italianos,… y cada grupo excavó un lugar diferente.

La misión inglesa estuvo dirigida por Sir Arthur Evans (1851-1941) quien descubrió el Palacio de Knossos.

Palacio de Knossos, Creta.
Palacio de Knossos, Creta.
Las Damas de Azul.  Ala este del Palacio de Knossos. Heraklion Museum
Las Damas de Azul. Ala este del Palacio de Knossos. Heraklion Museum
Los delfines de Knossos
Los delfines de Knossos
El juego del toro, fresco en el palacio minoico de Knossos en la isla griega de Creta (El original está en el Museo Arqueológico de Heraklion )
El juego del toro, fresco en el palacio minoico de Knossos en la isla griega de Creta (El original está en el Museo Arqueológico de Heraklion )

En el siglo XIX, además de las excavaciones, destaca la labor de un grupo de estudiosos que se conocen como la “Escuela Filológica”, La Filología es Historia y la Historia es Filología. Estas palabras manifestadas por Alfred Gercke en 1909 siguen manteniendo su vigencia en la actualidad de cara al debate en torno a la función de la Filología, de la Historia, e incluso de la Arqueología en el estudio y comprensión del mundo antiguo. Por lo que a la Arqueología Clásica se refiere, se continúa en el siglo XIX la herencia de Winckelmann, con la idea de ver en la Historia del Arte Griego el fundamento de una teoría de lo bello, tanto a modo de historia como en forma de ejemplo, sirviendo la Arqueología Clásica de fermento para el ulterior desarrollo de la Historia Antigua y de plasmación de los mitos ya conocidos por la literatura.

Así, el método instalado consistía básicamente en, contrastar, por un lado, las fuentes clásicas que hablaban de las esculturas y por otro las estatuas conocidas. Es decir, la identificación de las piezas por medio de las fuentes literarias.

Friedrich August Wolf (1759-1824)
Friedrich August Wolf (1759-1824)

Este proceso se iniciará con la actividad en Halle de Friedrich August Wolf (1759-1824) filólogo y helenista alemán, famoso por haber cuestionado la unidad de composición de los poemas homéricos. Entre otros descubrimientos, probó que el conocido Doriforo de Policleto, era una copia romana del original griego.

En opinión de los miembros de esta escuela, la arqueología europea era un caos y sus practicantes se limitaban a una labor empírica, descriptiva y taxonómica, científicamente desfasada y excesivamente ligada a la cronología estratigráfica. Los viejos arqueólogos no recurrían al método científico, sino que se basaban en una amplia formación humanística, diletante, sin objetivos concretos, y, por lo tanto, ajenos al Método científico.

Los arqueólogos procesuales achacan a los prehistoriadores europeos que, en lugar de contrastar hipótesis científicas, tengan una fe ciega en las afirmaciones especulativas de grandes figuras de prestigio y en los hallazgos de los yacimientos estelares.

Homero, Louvre
Homero, Louvre

La “cuestión homérica”, que durante siglos ha tratado de establecer si es que alguna vez existió realmente un poeta llamado Homero, y ¿cuál fue el proceso de composición de la ‘ Ilíada y de la ” Odisea . La cuestión de la autoría se atribuye tradicionalmente a tres  estudiosos pero sobre todo a Friedrich August Wolf ( 1759 – 1824 ).

La arqueología procesual recibe ese nombre por objetivo último que es el de reconstruir completamente, de manera virtual, los «procesos culturales» del ser humano. Para ello sostienen el empleo mucho más riguroso del método científico y de determinadas ciencias auxiliares de gran espectacularidad, hasta el punto de llegarse a achacárles cierta ostentación tecnológico-científica en sus métodos y cierto hermetismo en su lenguaje.

Imagen1

En el siglo XX, en la Universidad de Viena se desarrollaba la actividad de una importante escuela de pensamiento sobre historia del arte, la Escuela de Viena de Historia del Arte, que no conviene confundir con otras agrupaciones intelectuales de otros ámbitos que también reciben el nombre de Escuela de Viena -economía- o Círculo de Viena -filosofía de la ciencia-. La primera generación de esta Escuela de Viena estaba dominada por Alois Riegl (1858-1905) y Franz Wickhoff (1853-1909), ambos discípulos de Moritz Thausing (1838-1884), y se caracterizaba por su tendencia a rescatar del olvido periodos despreciados u olvidados de la historia del arte. Riegl y Wickhoff escribieron ambos extensamente sobre el arte de la Antigüedad tardía, que antes de ellos había sido considerado como un periodo de decadencia del ideal clásico.

La aportación de esta escuela se centra en la desvinculación de los principios de Winckelmann, reconociendo la importancia del arte romano, este interés por lo romano se produce a partir de 1895 cuando se publica el Génesis de Viena, decorado con miniaturas que podían pertenecer al siglo III d.C. Cuando estudian estas miniaturas, consideran que hay aspectos a destacar, paisaje, perspectiva,…

Hacen una revisión de la cultura material romana y ponen en evidencia la importancia del retrato realista, el relieve continuo y todos los elementos que le dan originalidad al arte romano que Winckelmann no supo ver. Así, por primera vez se le da importancia al arte romano.

Fotografía de Riegl hacia 1890.
Fotografía de Riegl hacia 1890.
Grabado con el retrato de Wickhoff.
Grabado con el retrato de Wickhoff.

En el periodo “Entreguerras” aparecen ya los primeros escritos de Bianchi Bandinelli y de Vere Gordon Childe, el primero de ellos Ranuccio Bianchi Bandinelli (1900-1975), arqueólogo e historiador del arte italiano, sus trabajos suponen una renovación importante de los estudios arqueológicos en lo que se refiere al mundo clásico por distintas razones, de las que caben destacar dos: valora las obras menores –creando el concepto de “Cultura Material”, y hace un estudio detallado de todas las corrientes que confluyeron en la creación del arte romano; profundizando en la influencia helenística.

El segundo de ellos, Vere Gordon Childe (1892-1957) fue un arqueólogo australiano. Especialista en la prehistoria europea de los milenios segundo y tercero, es destacado por su visión materialista dialéctica, o marxista, de la prehistoria, siendo el máximo representante de esta escuela historiográfica en este campo. No podemos olvidar que también fue un gran exponente de la corriente antropológica del difusionismo cultural.

Vere Gordon Childe (1892-1957
Vere Gordon Childe (1892-1957
Ranuccio Bianchi Bandinelli (1900-1975),
Ranuccio Bianchi Bandinelli (1900-1975),

Desde los años 60 hasta ahora, se han multiplicado las tendencias, apareciendo distintas formas o maneras de hacer arqueología y de interpretar el registro material.

Lo que se conoce como “Nueva arqueología” o “Arqueología Procesual” cuyos orígenes están en la publicación, en 1958, del libro «Method and Theory in American Archeology» por Gordon Willey, Philip Phillips, Sin embargo el verdadero impulso de la arqueología procesual vino diez años más tarde de la mano de dos investigadores, el estadounidense Lewis Binford  y el británico David L. Clarke. Aunque la Arqueología procesual ha tenido una gran influencia en todo el mundo, su desarrollo partió de los Estados Unidos en los años 60 y 70, habiendo recibido un importante impulso por parte de muchos arqueólogos latinoamericanos y británicos.

418HWC0P43L._SL500_SS500_a

102702

La filosofía procesual era una reacción contra la arqueología prehistórica europea, cuya base era fundamentalmente la Historia de la cultura, sobre todo de la cultura material. En palabras de David L Clarke, la arqueología europea historicista era:

«…una ciencia empírica e indisciplinada carente de un esquema de trabajo sistemático y ordenado basado en modelos y reglas de procedimiento claramente definidos y manifiestos; carecer, además de un cuerpo teórico central capaz de sistematizar las regularidades implícitas en sus datos de tal manera que los residuos excepcionales que distinguen cada paso puedan ser fácilmente aislados y fácilmente valorados»

Arqueología analítica, pág XII.

Cierro esta entrada con este didáctico clip de vídeo de Costa Gavras, donde de manera virtual nos recorre por la historia del Partenón. Interesante.

Hedy Lamarr o la belleza y el genio.

Hedy Lamarr, Viena 1914-Orlando 2000.
Hedy Lamarr, Viena 1914-Orlando 2000.

En octubre del pasado año escribí una entrada sobre Ada Lovelace, donde dejaba entrever el acierto o no de considerarla como la mujer que mejor representaba a la mujer científica, dejando sin contestar algunas preguntas al final del post que paso a recordar: ¿Pueden considerarse a Charles Babbage y Ada Lovelace pioneros de la Informática Moderna?, ¿Es Ada Lovelace el nombre más representativo de la mujer científica para asociarla al día de la mujer científica y tecnóloga?…

Con esta nueva entrada pongo en sociedad (científica) a otra mujer que, en mi opinión, aportó bastante más al mundo de la tecnología actual que la propia Ada Lovelace, ella es Hedy Lamarr la que fuera considerada más bella actriz y dama del “glamour” más exquisito durante más de dos décadas.

Hedy Lamarr
Actriz, inventora e ingeniera en telecomunicaciones austríaca. Es conocida como “la mujer más preciosa en la historia del cine” y también como la inventora de la primera versión del espectro ensanchado.

Hedwig Eva Maria Kiesler nació el 9 de noviembre de 1914 en Viena, Austria hija de Emil Kiesler, un director del Banco de Viena y Kiesler Getrude, un concertista de piano. Después de su nacimiento, sus padres decidieron no tener más hijos y su madre Gertrude “Tilly”, renunció a su carrera de concertista de piano sólo para dedicarse exclusivamente al cuidado y formación de su hija, y su padre, a pesar de estar muy ocupado como director bancario, dedicó a su hija tiempo suficiente para hacer numerosos viajes con ella y adentrarla en el mundo de la riqueza del que se rodeaba por su pudiente posición económica y social. Su familia era muy rica.

Hedy comenzó sus estudios a la edad de cuatro años. Tuvo profesores particulares que le enseñaron varios idiomas, hablaba y escribía correctamente inglés, alemán, francés e Italiano tomó clases de piano y ballet.

Hedy Lamarr, Viena.
Hedy Lamarr, Viena.

Empezó a estudiar ingeniería con 16 años  pero tres años después abandonó sus estudios  y comenzó a trabajar en un teatro de Berlín con el famoso director Max Reinhardt. Hedy pronto desarrolló una gran pasión por el teatro, pero sus padres no lo sabían. Convenció a sus padres para que la dejasen ir a estudiar a Berlín, y aprobaron su petición. Un día, logró entrar en un ensayo de la escuela dramática Max Reinhardt, ella inmediatamente llamó la atención al propio Reinhardt, que se quedó tan impresionado con su belleza que le pidió que actuara con un pequeño papel de su producción teatral. Este, puede decirse, fue el primer paso de Hedy para entrar en el mundo del teatro y la carrera de cine. Sin embargo, el tiempo que pasó en Berlín no fue todo lo bien que ella esperaba, sufría de nostalgia y de mala gana tuvo sus primeros romances, siempre de admiradores de su belleza, asi las cosas, decidió volver a su casa en Viena.

En la ópera
En la ópera vienesa.

En Viena, continuó su carrera de actriz, apareciendo por primera vez en la pantalla en la producción de director Georg Jacoby “Geld auf der Strasse (1930)”, interpretando un pequeño papel de una chica joven en un club nocturno. Trabajó en varias producciones teatrales en Viena, de “Sissi” de Noel Coward “Vidas privadas”. Su formación teatral adquirida en Berlín parecía le estaba viniendo muy bien para sus fines. Todos sus representaciones teatrales recibieron buenas críticas. Durante los años 1931 – 1932, Hedy hizo varias películas, delas que destacamos:”Die Blumenfrau von Lindenau (1931)”, “Die des Herrn DE Koffer (1931)” y “El hombre kein Geld braucht” (1932). Sin embargo, fue el año 1933, el que marcó uno de los mayores hitos de su carrera. Fue entonces, con 18 años,  cuando conoció al director Gustav Machatý, quien más tarde llegó a proponerle interpretar el personaje femenino principal de su próxima película “Symphonie Der Liebe” o “Ekstase”. Ella aceptó sin saber que ésta sería la película más polémica de su vida y que más la marcaría.

Éxtasis
Éxtasis

El rodaje de la película Éxtasis incluía una secuencia de 10 minutos en que la protagonista debía atravesar desnuda la floresta de un bosque hasta sumergirse en un lago. El director le había prometido que las cámaras la tomarían de lejos, desde el alto de una colina, con una imagen esfumada. Hedwig Kiesler después de algunas dudas aceptó, pero su cuerpo fue captado con teleobjetivo y apareció en pantalla a pocos metros de distancia. Después tuvo que interpretar la expresión de un orgasmo mientras el actor Aribert encima de ella la besaba. En esta escena el director solo consiguió un resultado aceptable apostándose debajo de la pareja y pinchándole las nalgas a la chica con un alfiler, de forma que el dolor le liberara un grito y un espasmo en el rostro que el espectador confundía con el éxtasis. Este orgasmo la hizo mundialmente famosa.

Escena en Éxtasis
Escena en Éxtasis
Imágenes de su cara en la escena orgásmica.
Imágenes de su cara en la escena orgásmica.
Detalle de una de sus caras.
Detalle de una de sus caras.

Fritz Mandl Hedy, un fabricante importante de armas y municiones, era amigo y proveedor de municiones, de aviones de combate y de sistemas de control de Adolfo Hitler y de Benito Mussolini durante la ocupación de Abisinia la actual Etiopía. (Hedy Lamarr siempre recordó que Hitler fue casi el único que le besó con delicadeza la punta de los dedos en aquellos salones donde esta inquietante judía se movía en los años treinta).

Hitler/Mussolini
Hitler/Mussolini

Fritz, su marido,.. Obsesionado por su belleza pidió la mano a su padre para casarse, aunque, de hecho “la compró mediante una descarga erótica de joyas y oro macizo”.

Su boda
Primer matrimonio de Hady Lamarr

Éxtasis pasó por el festival de Venecia, se estrenó posteriormente en Viena, ante un público cuajado de personalidades. En el patio de butacas estaban los padres de la estrella y Fritz Mandl, su flamante marido. Cuando empezó la proyección ninguno de ellos daba crédito a lo que veían sus ojos.

A partir de ese día su marido encerró a Hedwig en casa bajo llave que guardaba la criada, solo permitía que se bañara en su presencia y cuando no la llevaba de fiesta, a las reuniones sociales donde la exhibía como una pieza de caza, la dejaba atada al pie de la cama como a una perra.

En sus años de reclusión marital (1)
En sus años de reclusión marital (1)
(2)
En sus años de reclusión marital (2)

Durante los dos años que duró su soledad o casi secuestro, aprovechó para reemprender los estudios de ingeniería que había dejado. Mandl Hedy impidió  su carrera como actriz y en su lugar, la llevaba a reuniones donde pudo rodearse con los técnicos en armamento más importantes de la época.

Hedy Lamarr
Hedy Lamarr

Utilizando  su ingenio para sonsacar a los clientes y proveedores de su marido los pormenores e información de la tecnología armamentística del momento; en esas reuniones de manera, podemos decir “secreta”,  apuntaba las informaciones que obtenía en su formidable cabeza, adquiriendo un alto nivel de conocimiento de la tecnología punta de aquél tiempo, y basándose en la tecnología que se desarrollaba por entonces conocida por Spectrum Codificación, comenzó a madurar lo que posteriormente patentó en Estados Unidos: “El espectro expandido”.

Hedy Lamarr o el Glamour
Hedy Lamarr o el Glamour

Para poder huir de su secuestro, tuvo que seducir y acostarse con la criada que la vigilaba, quien le ayudó a escapar del palacio mientras su marido estaba de viaje. Llegó a París en coche, con un solo vestido, con los bolsillos llenos de joyas, perseguida por los guardaespaldas de su marido.

Consiguió ocultarse hasta llegar a Londres, allí conoció y sedujo al productor de la Metro Louis B. Mayer, embarcándose con él en el trasatlántico Normandie rumbo a Nueva York. Louis B. Mayer, la protegió y la convirtió en una estrella, la seducción fue de tal calibre que bajó del barco con un contrato por siete años con la Metro. Ambos deciden cambiar el nombre de la actriz tomando el apellido de la actriz de los años veinte Barbara Lamarr, actriz del cine mudo muerta en 1926 por una sobredosis de drogas, de la que estuvo enamorado Louis B. Mayer.

Hedy Lamarr
Hedy Lamarr

Comienza así, una nueva vida como actriz.

Hedy Lamarr
Hedy Lamarr

Empezó a destacar en Hollywood, tras breves inicios, con Lady of the Tropics (1939), y con I Take This Woman (1940). Hedy Lamarr trabajó entre otros con King Vidor (Camarada XCenizas de amor), Jacques Tourneur (Noche en el alma, 1944), Robert Stevenson (Pasión que redime, 1947) y Cecil B. DeMille (Sansón y Dalila, 1949). No tuvo, sin embargo, demasiado éxito al elegir sus películas en otras ocasiones. De todos modos éstas fueron bastante numerosas, pues hizo una treintena a lo largo de su carrera.

Hedy Lamarr o el glamour.
Hedy Lamarr o el glamour.

Filmografía:

“Entertaining the Troops” (1989)
“That’s Action” (1977)
“The Love Goddesses” (1965)
“The Female Animal” (1957)
“The Story of Mankind” (1957)
“I Cavalieri dell’illusione” (1954)
“L’Amante di Paride” (1953)
“My Favorite Spy” (1951)
“Copper Canyon” (1950)
“A Lady Without Passport” (1950)
“Samson and Dalilah” (1949)
“Let’s Live a Little” (1948)
“Dishonored Lady” (1947)
“The Strange Woman” (1946)
“Her Highness and the Bellboy” (1945)
“Experiment Perilous” (1944)
“The Conspirators” (1944)
“The Heavenly Body” (1943)
“Show Business at War” (1943)
“Tortilla Flat” (1942)
“Crossroads” (1942)
“White Cargo” (1942)
“Come Live with Me” (1941)
“Ziegfeld Girl” (1941)
“H.M. Pulham, Esq.” (1941)
“Boom Town” (1940)
“Comrade X” (1940)
“The Miracle of Sound” (1940)
“I Take This Woman” (1939)
“Lady of the Tropics” (1939)
“Algiers” (1938)
“Ecstasy” (1932)
“Die Koffer des Herrn O.F.” (1931)
“Die Blumenfrau von Lindenau” (1931)
“Man braucht kein Geld” (1931)
“Geld auf der Straße” (1930)

Hedy Lamarr, años 40.
Hedy Lamarr, años 40.

Cecil B. DeMille siempre dijo de ella que fué una de las actrices más versátiles con las que había trabajado, que era disciplinada, puntual y una belleza poco común en el cine que él filmaba. También apuntó el maestro que, Hedy Lamarr conseguía sin proponérselo eclipsar el colosalismo, el espectáculo y el colorido que sus films desprendían, bastaba con uno solo de sus primeros planos para derribar los cimientos del más cuidado decorado.

Hedy Lamarr
Hedy Lamarr

La belleza de esta actriz poseía unos cánones entre Vivien Leigh y Ava Gardner, sin parecerse a ninguna de la dos. Hedy tenía una enorme personalidad, propia de los grandes rostros que invadieron el cine de aquella época. Y sobre todo instaló el canon del glamour.

portrait_40s_23kd76623556
Hedy Lamarr

No tuvo suerte eligiendo guiones, rechazó el papel de protagonista en Luz de gas y en Casablanca, error que nunca se perdonó. También estuvo a punto de rodar Lo que el viento se llevó. Entre 1940 y 1957 trabajó en multitud de películas, pero el papel por el que siempre será recordada es por la interpretación de Dalila en la película bíblica Sansón y Dalila, rodada en 1949. Dedicó más de 17 años a la gran pantalla, que compatibilizó con sus estudios de telecomunicaciones en la ayuda al gobierno estadounidense.

Hedy Lamarr
Hedy Lamarr

Lamarr tenía un profundo rencor por el régimen nazi, así que ofreció al gobierno de los Estados Unidos toda la información confidencial que disponía gracias a los contactos de su ex-marido.

George Antheil (1900-1959).
George Antheil (1900-1959).

A mediados de 1940, Hedy conoce al compositor vanguardista George Antheil (1900-1959). Eran vecinos, pero se vieron por primera vez en una fiesta organizada por una amiga común, Janet Gaynor, a la que le pidió que se lo presentase, un espíritu bohemio del que se enamoró inmediatamente. Un artista que también había escandalizado Europa, estableciéndose en París en 1923 donde conoció, entre otros, a James Joyce, Ezra Pound (quien le dedicó el panegírico Antheil y su Teoría Armónica en 1927), Man Ray, Pablo Picasso,..y que en 1924 escribe la banda sonora para la película Ballet Méchanique concebida por el dadaísta francés Fernand Leger, una banda sonora donde hace intervenir a 16 pianolas sincronizadas, hecho que será clave en la historia del invento de Hedy Lamarr. En este enlace puede verse la película: Le Ballet Mécanique (1924, Fernand Leger).

George Antheil, 1932.
George Antheil, 1932.

Fue también columnista del Esquire Magazine, donde publicó temas sobre el romance y la endocrinología. El polifacético pianista hasta escribió un libro sobre ese tema. Hedy no estaba interesada en las habilidades pianísticas de Antheil sino en las endocrinológicas, pues quería agrandarse los senos. Por supuesto, que Antheil no tenía la menor idea de cómo resolver ese problema, en especial porque los implantes no habían sido inventados todavía. Por tanto, las conversaciones entre ambos se centraban en las armas, sobre las cuales Hedy tenía amplios conocimientos.

Hedy Lamarr
Hedy Lamarr

Tras dejarle su número de teléfono escrito con lápiz labial en el parabrisas de su coche, descubrieron que aparte de las hormonas que les llevaron a enamorarse compartían una pasión común: la Segunda Guerra Mundial. Antheil, que había trabajado de joven como inspector de municiones, acababa de perder a un hermano en el mar Báltico en el transcurso del ataque soviético a Finlandia.

Hedy Lamarr
Hedy Lamarr

Una de las principales preocupaciones de la opinión pública respecto al conflicto, como manifestaría en una entrevista años más  tarde, era el desequilibrio con que, más allá del Atlántico, combatían las aviaciones británica y germana. Así, mientras los aparatos ingleses entraban en territorio enemigo apenas habían abandonado la base y cruzado el canal, los aviones alemanes podían sobrevolar su propio territorio durante cientos de millas antes de llegar a la zona del conflicto.

Bomardero Heinkel 111H
Bomardero Heinkel 111H

A pesar de todo, Hedy no se desanimó y continuó dándole vueltas a alguna de las ideas que le rondaban por la cabeza. Hedy intuía que la fabricación de un misil teledirigido podía suponer una nivelación de la balanza, solución que el ejército americano no se atrevía a acometer, según algunos testimonios, por miedo a que las señales de control fueran fácilmente interceptadas o interferidas por los efectivos nazis.

Hedy Lamarr
Hedy Lamarr

Una tarde, mientras estaba sentada al piano con George Antheil, Hedy tuvo la idea de aplicar alguna de las técnicas musicales de George al control remoto de los misiles de guerra (las distintas versiones difieren sobre este punto, habiendo quien sitúa la anécdota del piano más adelante, cuando Hedy y George resuelven aplicar la técnica de los rodillos). Una radioseñal emitida a una determinada frecuencia por las tropas americanas para controlar un torpedo podía ser fácilmente interceptada y bloqueada por el ejército alemán. ¿Por qué no emitir entonces a distintas frecuencias, una en cada intervalo de tiempo, y según una secuencia que pudiera variar en cada ocasión? La idea que sedujo a Hedy, fue la de inventar algún dispositivo que anulara la capacidad de interceptación de esas señales. La idea, que era imple, requería sin embargo una solución práctica. Para ello En los ratos que ella y Anthail pasaban juntos, Anthail le explicó la dificultad que tuvo para mantener (sincronizar) al mismo tiempo tocando a los 16 pianos usado en su obra de Ballet  Méchanique, sin que las notas de uno coincidiera en tiempo con la de otro. La solución estaba en usar tarjetas perforadas.

Boceto (1)
Boceto (1)

Hedy y George, que pasaban largas veladas sentados en la alfombra del recibidor de la mansión de Hedy simularon distintos ingenios con cerillas y una cajetilla de plata, diseñaron un dispositivo inspirado en los rollo  perforados de las pianolas y en las cacofonías de alguno experimentos musicales de George. Así como los cilindros perforados de las 16 pianolas se sincronizaban en la obra Ballet  Méchanique de Antheil, los dos inventores diseñaron su sistema para utilizar 88 frecuencias que contienen el mismo número de claves existentes en las pianolas.

Boceto (2)
Boceto (2)

En el diseño final sendos rollos perforados eran incorporados a las estaciones de emisión y recepción, que podían así sincronizar y conmutar sus frecuencias (en inglés, frecuency hopping) de acuerdo con las instrucciones inscritas en los rollos.

De este modo, cualquier intruso que intentara interceptar (o interferir) la señal no podría detectar más que un extraño ruido, perfectamente comprensible, sin embargo, para aquellos que tuvieran en su poder los rollos perforados con la precisa información de la secuencia acordada en cada caso. El 11 de Agosto de 1942, fecha en la que los Estados Unidos habían ingresado definitivamente en el conflicto, la patente era registrada en Washington con el número de serie 2.292.387, Y poco más tarde, cedida al ejército norteamericano. En las imágenes que la documentan puede leerse la inscripción H.K Markey et al . Las iniciales H.K. son las de Hedwig Kiesler (Hedy Lamarr), siendo Markey su apellido de casada de la época. Poco tiempo después, elide Octubre de ese mismo año, aparecía en el New York Times la primera mención pública del invento, a pesar de lo cual, y aunque nadie puso en duda el interés y relevancia del ingenio, las autoridades de la época no consideraron la posibilidad de su realización práctica debido a impedimentos tecnológicos.

Página del New York Times anunciando el invento.
Página del New York Times anunciando el invento.

El primer uso conocido de dicha patente se tiene en la crisis de los misiles de Cuba.

El motivo de la tardanza era el necesario paso de un sistema mecánico a uno electrónico. Dicho paso fue realizado en 1957 por Sylvania Electronics y es de agradecer que el equipo de ingenieros reconoció en su totalidad la patente de Lamarr.

En la crisis de los misiles de Cuba,  se usó con este sistema el control remoto de boyas rastreadoras. La misma técnica se incorporó en alguno de los ingenios utilizados en la guerra de Vietnam y, más adelante, en el sistema estadounidense de defensa por satélite (Milstar) hasta que en la década de 1980 el sistema de espectro expandido vio sus primeras aportaciones en ingeniería civil.

Este sistema de espectro expandido y salto de frecuencia que inventó Hedy Lamarr es el que se usa hoy día de forma habitual en microchips y placas base de ordenador, teléfonos u otros dispositivos inalámbricos, móviles, buscas, etc. y en comunicación en general. Sin este invento no sería posible la telefonía ni Internet tal como la conocemos. Así, con la irrupción masiva de la tecnología digital en la actualidad, la conmutación de frecuencias pudo implantarse en la comunicación de datos WIFI, Bluetooth y 3G.

Hedy Lamarr
Hedy Lamarr

Al igual que muchas otras actrices de la época, Hedy se unió a las caravanas artísticas organizadas desde Hollywood, entreteniendo a las tropas y vendiendo bonos de guerra a cambio de besos. Fue proclamada la mejor vendedora de bonos de guerra, con el récord de 7 millones de dólares en una sola noche. Hedy recolectaría un total cercano a 25 millones de dólares en dichas caravanas artísticas donde era besada por los soldados.

Hedy Lamarr
Hedy Lamarr

Como recompensa a la trascendencia de su proyecto inicial, y por iniciativa y empeño de David Hughes (investigador él mismo y animador de una serie de proyectos que en el seno de la Natural Science Foundation de EE.UU. han empleado técnicas de hopping), la Electronic Frontier Foundation otorgó el prestigio o EFF Pioner A ward a Hedy Lamarr y, a título póstumo, a George Antheil en una ceremonia celebrada en San Francisco el12 de Marzo de 1997 a la que asistió, en representación de la actriz (que por entonces vivía recluida en Miami), uno de sus hijos, Anthony Logan (un comerciante orgulloso del ingenio de Hedy y dedicado precisamente al negocio de la telefonía.)

No fue éste el único reconocimiento oficial. En 1997 Lamarr y Antheil recibieron también el Bulbie Gnass Spirit of Achievement Award, así como una distinción honorífica concedida por el proyecto Milstar. Un año más tarde, en Octubre de 1998, Hedy recibió en Viena (su ciudad natal) la medalla Viktor Kaplan otorgada por la Asociación Austriaca de Inventores y Titulares de Patente. Finalmente, en el verano de 1999, el Kunsthalje de Viena organizó un proyecto rnultimediático, que incluía una retrospectiva de su carrera cinematográfica, en homenaje a una de las actrices e inventoras más singulares que ha conocido el siglo. Según se dice, cuando le comunicaron a Hedy la concesión del premio de la EFF, ésta se quedó impertérrita y exclamó, escuetamente: «it’s about time». Ya era hora.

Cartel del documental dedicado a ella
Cartel del documental dedicado a ella

Para presevar la memoria de su madre como inventora, Anthony Logan filmó con Georg Misch la cinta “Llamando a Hedy Lamarr” (Calling Hedy Lamarr), documental en el que se sugiere que ella era una espía; al periodista Colin Todhunter del Herald en Los Ángeles, expresó:

“Me siento muy orgulloso por la tecnología que ella inventó, bastante más que por su carrera como luminaria cinematográfica pues esta faceta de actriz le arruinó la existencia de muchas maneras. Hedy sintió que el tiempo le había dado la razón a su invento, en este sentido, ella se adelantó 20 años a su tiempo…”

“Sin embargo, la muerte le impidió contemplar los alcances de la alta tecnología y ya no pudo atestiguar el impacto logrado con los dispositivos electrónicos inalámbricos WiFi. Sentía una fuerte satisfacción de que su invento pudiera aprovecharse en metas útiles, perdurables y profundas… Le agradaba ser atractiva por su inteligencia y estaba muy consciente de que la belleza es una cosa efímera.”

Hedy Lamarr
Hedy Lamarr

La estrella solía afirmar: “Cualquier chica puede ser glamourosa. Lo único que tienes que hacer es quedarte quieta y parecer estúpida.”

“La mujer más hermosa de Europa”, como la bautizara originalmente el cineasta Max Reinhardt en 1931, fue retratada en libros biográficos por su fulgurante trayectoria cinematográfica de 30 a 40 cintas entre 1931 y 1989, salpicando el recuento con jugosos detalles de sus seis matrimonios. Hedy afirmaba: “Tengo que dejar de casarme con hombres que se sientan inferiores a mí. En algún lugar debe haber un hombre que pueda casarse conmigo sin sentirse inferior. Necesito un hombre que sea inferior superior.”

Hedy Lamarr
Hedy Lamarr

Al acercarse la década de los sesentas e ir muy a la baja su caché en candilejas, la actriz fue desechada por los productores de Hollywood tras haberse sometido a una cirugía plástica que arruinó la belleza de su rostro.

Hedy Lamarr, elegancia, glamour y genialidad.
Hedy Lamarr, elegancia, glamour y genialidad.

Se recluyó en soledad y murió pobre. En palabras de su hijo:

“Si Estados Unidos le hubiese pagado todos los derechos de la patente y las regalías por su gran invento, Hedy Lamarr se habría convertido en la mujer más billonaria del universo, por encima de Bill Gates.”

El Día del Inventor se celebra el 9 de noviembre (fecha de su cumpleaños), en su honor.

Yo, me he atrevido a realizar este pequeño clip como tributo a su genio a partir de su rostro, espero sea de vuestro agrado.

El Magreb, (Tan cerca y tan lejos)

Me he encontrado con esta joya cinematográfica en la página del cineasta Enrique Pacheco y no me resisto a compartirla con todos. Una maravillosa visión del Magreb, a gozarlo.

Visión nocyurna
Visión nocturna
Curtidores
Curtidores

Aquí dejo el vídeo, espero que sea de vuestro agrado.

]

Este es el enlace a la página oficial de Enrique Pacheco

Odilon Redon (1840-1916)

Autoretrato
Autoretrato

Pintor de la imaginación y del subconsciente en plena hegemonía del naturalismo, contemporáneo de los impresionistas, con los que expuso en 1886, pero con los que no compartió la misma estética, Odilon Redon (Burdeos, 1840-París, 1916) fue un artista al margen. A pesar del papel fundamental que ha desempeñado en la génesis del arte moderno, así como de su innegable celebridad y de haber producido una obra, a día de hoy, presente en casi todos los grandes museos, sigue siendo uno de los artistas menos conocidos del cambio de los siglos XIX y XX.

Henri Fantin-Latour (1836–1904) -Mesa de la esquina, 1872. 160 × 225 cm , óleo sobre lienzo- Musée d'Orsay
Henri Fantin-Latour (1836–1904) -Mesa de la esquina, 1872. 160 × 225 cm , óleo sobre lienzo- Musée d’Orsay

Colectivo de Simbolistas; De izquierda  derecha, sentados: Paul Verlaine, Arthur Rimbaud, Léon Valade, Ernest d’Hervilly y Camille Pelletan ; De pie en segundo plano: Pierre Elzéar, Emile Blémont et Jean Aicard.”

Odilon Redon y el Simbolismo.

El Simbolismo es un movimiento literario y de artes plásticas que se originó en Francia en la década de 1880, paralelo al post-impresionismo, y que surgió como reacción al enfoque realista implícito en el Impresionismo. Tanto el Impresionismo, como el idealismo y el naturalismo académico se habían identificado con los problemas contemporáneos, políticos, morales e intelectuales. Los artistas de 1885 disgustados por la incapacidad de la sociedad para resolver estos problemas buscaron nuevos valores basados en lo espiritual. Desean crear una pintura no supeditada a la realidad de su momento, rechazan lo que trae consigo la vida diaria, la aglomeración, la actividad industrial y la degradación.

The Smiling Spider, 1891.

Los simbolistas consideran que la obra de arte equivale a una emoción provocada por la experiencia. Tratan de exteriorizar una idea, de analizar el yo. Les interesa la capacidad de sugerir, de establecer correspondencias entre los objetos y las sensaciones, el misterio, el ocultismo. Sienten la necesidad de expresar una realidad distinta a lo tangible y tienden hacia la espiritualidad. El símbolo se convierte en su instrumento de comunicación decantándose por figuras que trascienden lo material y son signos de mundos ideales y raros. Hay una inclinación hacia lo sobrenatural, lo que no se ve, hacia el mundo de las sombras.

The Golden Cell, 1892

En Odilon Redon, el interés por el inconsciente, lo onírico y lo fantástico se hace patente en su temática. Su obra se puede dividir en dos partes, una en blanco y negro y otra en color. Para él, el negro era el príncipe de los colores. La araña sonriente, El sueño acaba con la muerte o El ojo como un globo extraño se dirige hacia el infinito son algunos ejemplos. Esta última es un precedente claro del surrealismo. El tema del ojo permite la conexión con los surrealistas, aunque también es una actitud simbolista. En sus litografías aparecen metáforas a obras de escritores como Edgar Alan Poe, Baudelaire o Flauvert.

Caliban, 1881. 49×36 cm, Carboncillo. Musée d’Orsa
Tears (Les Pleurs), 1878. 44,5×35,6 cm, Carboncillo con toques de acuarela sobre papel blanco. Museo de Bellas Artes de Boston.
Eye-Balloon, 1898.
Guardian Spirit of the Waters, 1878.
Spirit of the Forest, 1890.
El ojo,1880 – 1885.
The Raven, 1882.
The Crying Spider, 1881.
Cactus Man, 1881.
Centaure et Centauresse, 1885-1890.
Head of Orpheus Floating in the Water, 1881.
Old Knight by Odilon Redon, 1896, lithograph, Honolulu Museum of Art.
Primitive Man (Seated in Shadow), 1872.
L’intelligence fut a moi! Je devins le Buddha. 1896.
Maertyrer anagoria, 1877.
Die Ursprünge, Data desconocida.
From the Cycle “The Temptation of Saint Anthony”, 1896.

En esta primera fase hemos visto que todo son dibujos, grabados… en negro, ya que estuvo 40 años desarrollando su obra en este camino. Hemos visto “Araña sonriente” donde muestra emociones y al mismo tiempo cómo pueden ser pesadillas de muchas personas. En la pareja, “Araña llorando”,  podemos ver la relación con “Hombre cactus” y la gran influencia de sus visitas al museo de Historia Natural.

Los textos de Poe le fascinan, como El cuervo o El ojo delator que tienen mucha relación con algunas de estas imágenes. Su relación con la literatura le llevaría a ilustrar varios libros de su amigo Baudelaire.

Así, vemos como la obra de Odilon Redon se inicia en curiosa oposición a la corriente impresionista dominante en su época. Mientras los impresionistas experimentan con el color, Redon trabaja en una extraordinaria serie de dibujos y litografías que él mismo llamaría “Los Negros”.

Toda mi originalidad consiste en dar vida, de una manera humana, a seres inverosímiles y hacerlos vivir según las leyes de lo verosímil, poniendo, dentro de lo posible, la lógica de lo visible al servicio de lo invisible

Redon da rienda suelta a su fantasía, entremezclando mitos paganos con materialismo científico, animales imaginarios con maquinaria de la Revolución industrial. En su iconografía poética de lo corriente derivado en extravagante y místico se halla la clave tanto del entusiasmo suscitado por su trabajo en contemporáneos, como de su futura consideración como precursor del surrealismo. Fue, como se sabe, un pintor que confesó siempre su admiración por Goya (que murió en Burdeos, ciudad natal de Redon). Al pintor español le dedicó algunos de sus trabajos más inquietantes, inspirados en las series de Los caprichos, Los desastres de la guerra y las pinturas negras.

Hasta 1890 su trabajo fue casi exclusivamente en blanco y negro, pero poco a poco, y rondando ya los cincuenta años, sus litografías se tornan más luminosas, hasta alcanzar finalmente el color. Es entonces cuando las litografías y dibujos al carbón son sustituidos por acuarelas y óleos. Sus temas siguen siendo los mismos: mitos clásicos, orientales, bíblicos, literarios y científicos adaptados a su particular y un tanto alucinada visión interior.

El mundo en blanco y negro del artista empieza a ver la luz, como hemos dicho,  a partir de 1890, cuando empieza a trasladar al color la temática onírica. Es la obra Yeux clos (Ojos cerrados, 1890), que tiene una versión pintada y otra litografiada, la que marca un punto de inflexión y lleva a Odile Redon a dedicarse con absoluta originalidad a la pintura al pastel, del que sigue siendo, junto con Degas, uno de los mayores maestros.

Los ojos cerrados, 1890. 44×36 cm, óleo sobre lienzo. Musée d’Orsay.

En esta época se convierte en uno de los protagonistas del simbolismo y se le relaciona con Mallarmé y Gauguin.

En esta nueva fase, aparecerá el Odilon Redon del siglo XX,  tras abandonar por completo la litografía y el carboncillo y sumergirse en un color rutilante que cada vez traslada a formatos mayores.

Redon, sigue cultivando temas mitológicos, literarios y científicos, pero desde una perspectiva colorista, realiza durante este periodo algunas de sus grandes pinturas decorativas, como las de la Abadía de Fontfroide y el castillo de Domecy, consagradas a la flora.

Para entonces, los Nabis: Bonnard y Vuillard y fovistas como Matisse (Discípulo de Redon), se habían rendido por completo a la obra de un artista que vivió en blanco y negro durante medio siglo.

Pasamos a exponer el resto de su obra.

La Voile jaune, hacia 1905. Pastel en papel. Indianapolis Museum of Art.
La Voile jaune, hacia 1905. Pastel en papel. Indianapolis Museum of Art.
Mujer en una arcada gótica: Mujer con flores, 1905. Óleo sobre lienzo. Van Gogh Museum.
Vase of Flowers, 1916?
Vision: vase of flowers, 1900.
The Buddha, 1904. Van Gogh Museum.
Roger y Angélica, 1910. Pastel (papel/leinzo). Museo Arte Moderno, Nueva York
Misterio, 1910. Óleo sobre lienzo. La Colección Phillips
Large Green Vase with Mixed Flowers, 1910-1912. Pastel sobre papel, 74,3×62,2 cm. Museum of Fine Arts, Boston.
Figure under a blossoming tree, 1904-1905. Van Gogh Museum.
Devotion near a red bush, 1905. Van Gogh Museum.
Closed eyes, 1889. Van Gogh Museum.
Butterflies, 1910. 73,9×54,9 cm, óleo sobre lienzo. Museum of Modern Art.
Buddha, 1906-1907. 90×73 cm, pastel. Musée d’Orsay.
Bell-Tower Keeper, 1905-1910. 143,4×62 cm, óleo sobre lienzo. Ohara Museum of Art.
Beatrice, 1897. Chine colle lithograph on paper. The Phillips Collection.
Baronne Robert de Domecy, 1900. 74×68 cm, óleo sobre lienzo. Musée d’Orsay.
Baronne de Domecy, 1900. 61×42,4 cm, Pastel and graphite on light brown laid paper. The J. Paul Getty Museum.
The Chariot of Apollo, 1905. Metropolitan Museum of Art.
Pandora, 1914. Metropolitan Museum of Art.
Anemones and Tulips, 1902-1903. 54.8 × 46.4 cm, pastel sobre papel. Brooklyn Museum.
Fleurs dans un vase, 1909. 54.9 × 41.9 cm, pastel sobre papel. Brooklyn Museum.
Composition: Flowers,” oil on panel, by the French artist Odilon Redon. 21.13 in. x 19.5 in. Private collection.
Evocation” (also known as “Head of Christ” or “Inspiration from a Mosaic in Ravenna”), pastel, by the French artist Odilon Redon.
Flowers in a Vase, oil painting by Odilon Redon, 1905, Cleveland Museum of Art.
Le Silence, 1895-1900. Palais des Beaux-Arts de Lille.
Bain de Venus, 1900. 35 × 28 cm, óleo sobre tabla. National Museum of Fine Arts in Buenos Aires.
Lady of the Flowers, 1890-1895. Óleo sobre lienzo, Honolulu Museum of Art.
Der Wagen des Apolls, Data desconocida.
Panneau décoratif, 0729 Panneau Décoratif, Odilon Redon, 1902, detail.
Panneau décoratif, 0729 Panneau Décoratif, Odilon Redon, 1902, detail.
Panneau décoratif, 0729 Panneau Décoratif, Odilon Redon, 1902, detail.
Saint Sebastian, 1910-1912. Óleo sobre lienzo. National Gallery of Art.
Woman with a Yellow Bodice, 1899.
Ophelia, 1902.
Profile and Flowers, 1912.
Flowers, 1903.
Flower Clouds, 1903. 44.5 × 54.2 cm, pastel. Art Institute of Chicago.
The Cyclops, 1914. 64 × 51 cm, oil on cardboard mounted on panel. Kröller-Müller Museum.
Le coquillage, 1912.
Beatrice, 1855.
Red Boat with Blue Sail, 1907.
The Druidess, 1893.
Deux jeunes filles en fleurs, 1908.eux jeunes filles en fleurs, 1908.
La Barque Mystique, 1890,1895.
Ophelia Among the Flowers 1905-1908 Odilon Redon, Pastel on paper, 64 x 91 cm, National Gallery, London.
Muse auf Pegasus, 1900.
Die Türkisvase, 1911.
The Two Graces, 1900. Columbus Museum of Art.
Orpheus, Data desconocida.
Silence, 1900. 54.6 × 54 cm, pastel. The museum of Modern Art, New York.
Frau mit Schleier, Data desconocida.
Paandora, 1910-1912. National Gallery of Art.
The red poppy, 1895.