MUSEO ARQUEOLÓGICO DE ESTAMBUL (Parte I)

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Algo de historia y breve descripción

Es viernes 6 de noviembre de 2015, el día es gris y fresco, todo huele a MAR entre las callejas que bordean los muros del palacio Topkapi y el Parque Gülhane y que nos llevan veladamente a uno de los más importantes museos del mundo en su género.

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Puerta de entrada al Museo Arqueológico de Estambul.

 

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Ticket de entrada al museo. 15 Liras turcas equivalentes a 3 euros aproximadamente.

El Museo Arqueológico de Estambul fue fundado por el polifacético Osman Hamdi Bey (1881-1910), arqueólogo, pintor, matemático, director del museo y aquel que tuvo la inmensa suerte de hallar el más impresionante conjunto de sarcófagos antiguos en la Necrópolis real de Sidón, actual Líbano, que se constituyen en las joyas más preciadas de la colección, en 1891. El objetivo del fundador fue reunir artefactos de todas las civilizaciones que co-existieron dentro del Imperio otomano. El nombre original de este museo era Museo Imperial (Müze-i Hümayun).

 

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Café en Gülhane.

 

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Osman Hamdi Bey (1881-1910)

Para conocer con algo más de profundidad la personalidad de Osman Hamdi Bey, puede visitarse este artículo que firma Ana Morales (Haz clic)

Los orígenes del museo se remontan a una reducida colección de antigüedades que se instaló en 1846 en el Palacio Topkapi. En 1869 se convirtió en el museo de la corte.

Es en 1891, cuando el Museo Arqueológico abrió sus puertas convirtiéndose en el primer museo de Turquía.

Colección

La colección del museo está repartida en tres edificios, aunque cabría destacar (desde mi humilde punto de vista) que tanto las calles y solares de los aledaños como los patios interiores del complejo, pudieran considerarse como otra parte expuesta sin catalogación aparente.

  • Museos Arqueológicos:
  • Colección de Arte Oriental (Museo del Antiguo Oriente):
  • Colección de cerámicas y joyas: Esta colección está alojada en el Pabellón de los Azulejos, un edificio que ordenó construir Mehmed II. Hay muy pocas salas que albergan fundamentalmente cerámica del siglo XVI y está cerrado indefinidamente, al menos el día de nuestra visita; tal vez lo más interesante es el propio edificio. No hay mucha información sobre el kiosco esmaltado, que se sabe que fue construido dentro de las fortificaciones de Sarayburnu y Topkapı en 1472. La estructura construida con la influencia de los selyúcidas es el único ejemplo de arquitectura civil otomana en Estambul. El quiosco esmaltado, se convirtió en un museo bajo el nombre del Museo Imperial a partir de 1880. La razón para la conversión del quiosco en un museo fue la necesidad de un espacio especial para exhibir artefactos arqueológicos e islámicos. En 1939, el edificio fue transferido al Museo del Palacio de Topkapi y los artefactos fueron distribuidos a diferentes museos. Por lo tanto, el Museo del quiosco esmaltado perdió su función como museo.
  • Pero no se debe terminar la visita sin hacer una pausa en otro de los atractivos de este lugar: su cuidado y exquisito jardín arqueológico, en donde esculturas, cipos, frisos y capiteles acompañan al visitante bajo una bóveda de inmensos árboles, en un paseo en donde las viejas culturas salen al paso desde esos hermosos vestigios. Lugar para descansar, meditar y disfrutar de una naturaleza sembrada de siglos.

Plano y Distribución de todo el complejo

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Museo de Arqueología y plantas:

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Museo del Antiguo Oriente

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Patios y jardines: Sarcófagos, torsos, cabezas, columnas…

Tanto en las calles aledañas como en los patios del complejo, nos encontramos una ingente cantidad de “obra” que, en cualquier otro país o museo, serían obras de primerísimo orden.

Aquí una muestra sin clasificar.

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Cabeza de Medusa. En la mitología griega, Medusa (en griego antiguo Μέδουσα Médousa, ‘guardiana’, ‘protectora’) ​ era un monstruo ctónico femenino, que convertía en piedra a aquellos que la miraban fijamente a los ojos. Fue decapitada por Perseo, quien después usó su cabeza como arma​ hasta que se la dio a la diosa Atenea para que la pusiera en su escudo, la égida. Desde la antigüedad clásica, la imagen de la cabeza de Medusa aparece representada en el artilugio que aleja el mal conocido como Gorgoneion.

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Tres sarcófagos de pórfido se encuentran ubicados fuera del Museo Arqueológico de Estambul. En éste, la cubierta es un techo inclinado con acroteria angular, en cuyo frente la cruz está tallada con un monograma cristiano incluido en una corona de laurel y flanqueado por letras alfa y omega.
El pórfido es un tipo de roca ígnea, más concretamente una roca filoniana. Su nombre se deriva del latín (porphyra) y el griego antiguo πορφύρα (porphúra), que significan ‘púrpura’, debido a su color. El pórfido ha sido utilizado en la construcción desde la antigüedad por su dureza y aspecto decorativo.

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Las colecciones del Museo Arqueológico de Estambul

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Edificio principal

El edifico principal del Museo Arqueológico, de estilo neoclásico, fue diseñado por Alexandre Vallaury (Alexander Vallaury pasó su tiempo entre 1869 y 1878 en París, donde estudió arquitectura en la École nationale supérieure des Beaux-Arts . Al regresar a Estambul en 1880, conoció a Osman Hamdi Bey. Los dos artistas trabajaron estrechamente en los campos de la arqueología, el trabajo museístico y la educación en bellas artes…)

El edificio principal del Museo Arqueológico de Estambul, además de su gran sección de sarcófagos alberga en tres plantas colecciones del periodo bizantino, que denominan “Estambul a lo largo del tiempo”. Comparten espacio también Anatolia y Troya mas culturas adyacentes a Turquía (Chipre, Siria y Palestina). Alberga algunos objetos mundialmente conocidos. Lo más importante del museo es la gran colección de sarcófagos, entre los que destacamos el Sarcófago de Alejandro (S. IV) y el de Las plañideras. Cabe igualmente destacar entre otras innumerables obras, la estatua de Marsias, la estatua y busto de Alejandro Magno, Sapho…y una buena colección de Tracia, Bitinia y Bizancio, y algunas piezas del tesoro de Schliemann, procedentes de Troya.

Muy notable es sin duda la colección de escultura clásica que va de los tiempos de la Grecia Arcaica, hasta los del periodo romano, pasando por el más puro clasicismo griego y el afectado estilo helenístico.

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Estatuas del periodo helenístico

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Detalle de Cornelia Antonia -Pudicita-; Siglo II. dC.

 

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Cornelia Antonia -Pudicita-; Siglo II. dC.
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Marsias

En la mitología griega, Marsias (en griego antiguo Μαρσύας) es un sátiro que desafió a Apolo en un concurso musical. Se creía que había nacido en Celenas (Frigia), en la fuente principal del río Meandro. Marsias era un experto tocando el aulós, una especie de flauta doble. Había hallado el instrumento en el suelo, donde lo había dejado su inventora: Atenea, después de ver sus mejillas infladas reflejadas en él mientras tocaba.

Apolo y Marsias se enfrentaron en un concurso musical en el que el ganador podría tratar al perdedor como quisiera. Los jueces fueron las Musas, por lo que naturalmente Marsias perdió y fue desollado vivo en una cueva cerca de Celenas por su hibris al desafiar a un dios. Apolo clavó entonces la piel de Marsias en un árbol (un pino que sobresalía de los demás en la versión del Pseudo-Apolodoro1​), cerca del lago Aulocrene, y su sangre formó el río Marsias (afluente del Meandro, que desemboca en éste cerca de Celenas).

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Marsias (Detalle)
Marsias y Hermafrodito
Marsias y Hermafrodito
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Hermaphroditus. Siglo 3 aC, de Pérgamo.

Hermafrodito o Hermafrodita (en griego antiguo, Ἑρμαφρόδιτος) es un personaje de la mitología griega. Era hijo de Afrodita y de Hermes, en honor de los cuales recibió el nombre, una mezcla de los de sus padres. Pero Afrodita, al sentirse culpable de adulterio, se separó de su hijo y lo dejó en el monte Ida (Frigia) al cuidado de las ninfas del monte, por quienes fue criado.

Con el paso del tiempo, el niño se convirtió en un joven de gran belleza. Un buen día, Hermafrodito decidió salir a recorrer las tierras griegas. Yendo de camino a Caria, en Halicarnaso, el exceso de calor de aquel día soleado le hizo aproximarse a un lago para refrescarse, y se lanzó a nadar desnudo. La náyade Salmacis —o Salmácide—, espíritu de aquel lago, al notar su presencia y observar su cuerpo desnudo, sintió una atracción inmediata hacia él y no tardó en desnudarse y acercársele para tratar de conquistarlo, pero el joven se resistió.

Aun así, la ninfa no cejó en su empeño y, poco después, desde la fuente cercana a la que Hermafrodito se había acercado, Salmacis se abrazó a él fuertemente, lo arrastró al fondo y, mientras forcejeaba con él, suplicó a los dioses que no separaran sus cuerpos, diciendo: ¡Te debates en vano, hombre cruel! ¡Dioses! Haced que nada pueda jamás separarlo de mí ni separarme de él”. Los dioses, atendiendo su súplica, le concedieron su deseo y ambos cuerpos se fusionaron para siempre en un solo ser, de doble sexo.

Hermafrodito suplicó a sus padres, los dioses, que cualquier joven que se bañara en aquel lago corriera su misma suerte. De esta forma, el lago arrebataría la virilidad a todo aquel que se bañara en él, tal como así se lo concedieron los dioses.

Cabeza de Apolo
Apolo y la Cítara. (Cabeza de Apolo, Detalle)
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Apolo y la Cítara

En la mitología clásica, Dioniso (en griego antiguo Διώνυσος Diônysos o Διόνυσος) es “hijo de Zeus” (“Διός” en griego antiguo, es el genitivo de Ζεύς, que significa “de Zeus”) y (“νυσος” en lengua tracia-frigia, significa “hijo”),​ es el dios de la vendimia y el vino, inspirador de la locura ritual y el éxtasis, y un personaje importante de la mitología griega, como hijo del dios principal Zeus (Ζεύς en griego antiguo). Aunque los orígenes geográficos de su culto son desconocidos, casi todas las tragedias lo presentan como «extranjero».

Fue también conocido por los romanos como Baco (del griego antiguo Βάκχος Bakkhos) y el frenesí que inducía, bakcheia. Es el dios patrón de la agricultura y el teatro. También es conocido como el ‘Libertador’ (Eleuterio), liberando a uno de su ser normal, mediante la locura, el éxtasis o el vino. ​ La misión divina de Dioniso era mezclar la música del aulós y dar final al cuidado y la preocupación. ​ Los investigadores han discutido la relación de Dioniso con el «culto de las almas» y su capacidad para presidir la comunicación entre los vivos y los muertos.

Cabeza de Agripina
Cabeza de Agripina
Cabeza Diocleciano
Cabeza Diocleciano
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Cabeza de mujer. 69-96_d.C. Áptera, Creta
Cabeza de Hermes
Cabeza de Hermes
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Hermes
Cabezas (1)
Cabezas (1)

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Coephora

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Statue of Zeus, Istanbul Archaelogy Museum
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Cabeza de Alejandro Magno, mármol, Pérgamo, helenístico, 1ª mitad del siglo II aC.
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Alejandro Magno
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Cabeza de la poetisa Sappho, Escultura de época romana, Museo de Arqueología de Estambul. Mármol de Smyrna.

Safo de Mitilene, también conocida como Safo de Lesbos o simplemente Safo, (en griego, Σαπφώ; en eolio, Ψάπφω) (Mitilene, Lesbos, ca. 650/610 – Léucade, 580 a. C.) fue una poetisa griega. Más tarde los comentaristas griegos la incluyeron en la lista de los «nueve poetas líricos». Platón la catalogó como “la décima Musa”.

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Subida desde la Sala 5.
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Efebo con clámide. Da Tralles. Secolo I aC.

Es del siglo I aC y representa a un chaval de unos doce años al que durante mucho tiempo se tomó por un pastor dado que se cubría con una manta de fieltro al estilo de éstos.

Sin embargo, ahora se sabe que representa a un atleta niño, cansado después de los ejercicios, y que se apoya en un pilar que en su momento debió estar coronado por un busto de Hermes. El chico tiene piernas musculosas y el gesto de su cara es tranquilo y orgulloso. En origen debía formar parte de la decoración de un Gimnasio.

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Efebo con clámide. Da Tralles. Secolo I aC.
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Oceanus de Éfeso, siglo II D.C.

En la antigüedad clásica, Océano (en griego antiguo Ώκεανός Ōkeanós u Ωγενος Ōgenos, literalmente ‘océano’​ en latín Oceanus u Ogenus) se refería al océano mundial, que los griegos y romanos pensaban que era un enorme río que circundaba el mundo. Más precisamente, era la corriente de agua marina del ecuador en la que flotaba la ecúmene (οἰκουμένη oikoumene, conjunto del mundo conocido por una cultura).

En la mitología griega este océano mundial era personificado como un Titán, hijo de Urano y Gea. En los mosaicos helenísticos y romanos (por ejemplo, en Océano y Tetis, de Zeugma, siglo III) se representa con frecuencia a este Titán con el torso y brazos de un hombre musculoso con barba larga y cuernos (a menudo con pinzas de cangrejo), y con la parte inferior del cuerpo de una serpiente (compárese con Tifón). En fragmentos de una vasija arcaica fechada sobre 580 a. C.,4​ entre los dioses que acuden a la boda de Peleo y la ninfa marina Tetis aparece un Océano con cola de pez, llevando un pez en una mano y una serpiente en la otra, dones de recompensa y profecía. En los mosaicos romanos, como el de Bardo, puede aparecer llevando un timón y meciendo un barco.

Algunos estudiosos creen que originalmente Océano representaba a todos los cuerpos de agua salada, incluyendo el mar Mediterráneo y el océano Atlántico, las dos mayores masas acuáticas conocidas por los antiguos griegos. Sin embargo, a medida que la geografía se hizo más precisa, Océano pasó a representar las aguas más desconocidas y extrañas del Atlántico (también llamado «Mar Océano»), mientras el recién llegado de una nueva generación, Poseidón, gobernaba el Mediterráneo.

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Detalle Sarcófago de Alejandro

Se trata de una obra escultórica exenta realizada en mármol del Pentélico que todavía conserva restos de policromía, mide casi dos metros veinte de anchura y más de un metro noventa de altura. La obra dataría del siglo IV a.C. encuadrándose en el periodo helenístico de la cultura griego.

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Sarcófago de Alejandro

La pieza procede de la necrópolis de Sidón, junto con otros tres de factura parecida, pero de inferior calidad. El hallazgo, como ya hemos mencionado es producto de las excavaciones llevadas a cabo por Osman Hamdi Bey en 1887. Tras su hallazgo, F. Winter lo atribuyó a Abdalónimo, rey de Sidón. Se trataba de un monarca impuesto por Alejandro tras la batalla de Issos. Posteriormente, en la segunda década del siglo XX, esta hipótesis fue revisada y Karl Schefold demostró, más allá de cualquier duda razonable que este sarcófago se esculpió mucho después 311, año de la muerte del rey de Sidón mencionado. Su ejecución bien pudo ser hacia el 330, fecha que coincidiría con la muerte del monarca macedonio. Pero nada se sabe con seguridad.

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Detalle

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Al igual que el resto de la escultura helenística, los artefactos funerarios adquirieron durante esta época cierto carácter arquitectónico que las configuraba como elementos monumentales, así es común que los sarcófagos como este que aquí analizamos adquieran las formas de los templos con la tapa a modo de tejado. La obra, tallada en mármol representa un templo griego, con un magnifico frontón. En una de sus caras, se puede observar al propio Alejandro en la famosa batalla de Issos, cuando derrotó a Darío III. El rey macedonio va a caballo, con una piel de león en la cabeza; está atacando con una lanza a un persa que ha caído del caballo. En la otra cara nos encontramos con una cacería de leones en la que se ve a Alejandro junto a Abdalónimo; finalmente, en los laterales se observa al mismo Abdalónimo cazando una pantera y en el otro lateral una batalla desconocida, quizás Gaza.

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Sarcófago de las plañideras.

No cabe duda de que el estilo praxitélico tiñó el ámbito ateniense de su época: las obras que lo ostentan, aun sin poder ser atribuidas con seguridad al maestro o a su taller, alcanzan en ocasiones un nivel que impide pasarlas por alto: es el caso, por ejemplo, del Sarcófago de las Plañideras, encargado por un monarca fenicio de Sidón y encontrado en su lejana necrópolis. “Es verosímil que el Sarcófago de las Plañideras sea el del rey sidonio Estratón, muerto hacia el 358, y que las mujeres dispuestas en los intercolumnios de un edificio jónico simulado representen el numeroso harén del difunto. Hábilmente variadas, pero con un estilo convencional que se inspira en modelos áticos, estas figuras no están unidas por un ritmo capaz de darles vida” (J. Charbonneaux).

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Sarcófago de Hipólito y Fedra

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Sarcófago de Sidamara.

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Museo de las Antigüedades Orientales.

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El edificio que ocupa desde 1974 la colección del antiguo oriente, corresponde al antiguo edificio construido en 1883 por orden de Osman Hamdi Bey como Escuela de Bellas Artes (Sanayi-i-Nefise Mektebi), por el arquitecto Vallaury Alexander, quien también construiría más tarde el edificio clásico del Museo Arqueológico que alberga hoy la colección de arte Griego, Romano y Bizantino.

En este edificio podemos encontrar sepulcros otomanos y hallazgos de las culturas egipcia, sumeria y acadia. También puede admirarse uno de los vestigios más interesantes para el estudio de la historia de la diplomacia: la tablilla original en acadio, del célebre tratado de paz de Qadesh, suscrito el año 1270 antes de Cristo por el faraón Ramsés II y el soberano hitita Muwatalli II. Además, se conservan aquí, entre otras piezas raras, algunos espléndidos bajorrelieves del palacio de Asurnasirpal II procedentes de la hoy destruida Nimrud (Irak); sin olvidar algunos estupendos ejemplares del fantástico animalario en ladrillo vidriado que adornaba la avenida de las procesiones en la antigua Babilonia (Irak), y otras piezas procedentes de Nínive (Irak).

La colección del antiguo oriente fue clasificada y organizada en 1917 y en 1933 por el experto alemán Eckhard Unge, aunque sufrió varios cambios al ser vaciado durante la Segunda Guerra Mundial, y vuelta a colocar de la mano de Osman Sümer, para finalmente ser trasladado, en 1963, al edificio de la Escuela de Bellas Artes separándola del resto de colecciones.

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Obra de Eckhard Unge

La colección comprende piezas desde el arte pre-griego hasta el pre-islámico, pasando por Egipto, Anatolia, península arábiga, sudeste Asiático y Levante, que fueron obtenidas de las excavaciones hechas desde finales del siglo XIX hasta el inicio de la primera guerra mundial, y llevadas a Estambul la capital del imperio Otomano.

Comprenden objetos de la cultura egipcia, acadia, mesopotámica, urartiana, mitánica, hattiana y preislámica. Las obras más destacadas son la estela Acadia de Naram-Suen, la tablilla cuneiforme del Tratado de Kadesh y partes de la puerta de Ishtar, así como un archivo de 75.000 documentos cuneiformes en los fondos del museo.

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Tratado de Kadesh, descubierto en Boğazköy, Turquía. Museo del Oriente Antiguo. Museo de Arqueología de Estambul.

El tratado egipcio-hitita, también llamado tratado de Qadesh o tratado de Kadesh, fue un tratado de paz suscrito entre el faraón egipcio Ramsés II y el rey hitita Hattusili III, el cual —de acuerdo con la mayoría de los egiptólogos— fue celebrado c. 1259 a.C.​ El tratado marcó el fin de las negociaciones que siguieron a algunos importantes conflictos armados que culminaron con la famosa batalla de Qadesh, librada entre quince y dieciséis años antes entre las dos potencias de la época. El acuerdo tenía como objetivo el establecimiento de relaciones pacíficas entre ambas partes.

Es el acuerdo diplomático y el tratado de paz más antiguo que se conozca en el Medio Oriente y,3​4​5​ a menudo es considerado el más antiguo del mundo, aunque esto no esté totalmente comprobado. Sin embargo, es el tratado más antiguo sobreviviente en el mundo hasta la actualidad. El nombre común del tratado de Qadesh está relacionado con la batalla del mismo nombre, pero los historiadores modernos creen que esta batalla no fue el catalizador para el intento de paz, puesto que egipcios e hititas continuaron siendo enemigos muchos años luego de dicho conflicto.

Hoy en día, éste tratado, símbolo del primer “movimiento para la paz perpetua”, adorna las paredes de la Sede en Nueva York de la Organización de las Naciones Unidas.

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Puerta en Balawat con bajorrelieves cincelados.

Balawat (en siríaco: ܒܝܬ ܠܒܬ, beṯ labat) es un yacimiento arqueológico y aldea moderna en la provincia de Nínive (Irak). Se encuentra a 25 kilómetros al sudeste de la ciudad de Mosul y a 4 kilómetros al sur de la moderna ciudad de Bajdida. Se corresponde con la antigua ciudad neoasiria de Imgur-Enlil, cuyo significado es “Enlil ha sido favorable”. Nótese que también había un muro en la antigua Babilonia llamado Imgur-Enlil

Dentro de sus murallas, los edificios que datan de este período incluyen el palacio de Salmanasar III y un templo dedicado al dios de los sueños Mamu. Sin embargo, Balawat es conocida sobre todo por la obra maestra de los bajorrelieves cincelados situados en bandas de bronce en sus grandes puertas de madera que medían aproximadamente 7 metros de altura con 2 metros de anchura en cada hoja. Las bandas de bronce unidas mediante clavos a la madera representan escenas diversas como sacrificios, tributos o escenas de las campañas y expediciones del rey neoasirio Salmanasar III, que han podido identificarse por inscripciones cuneiformes. Son también las primeras representaciones de elementos paisajísticos (como árboles o montañas) del arte asirio.

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Shamsh-res-usur, gobernador de Mari y Suhi, actitud de oración frente a los dioses (Adad e Ishtar). Estela con inscripción y relieve. Siglo VIII AEC. Caliza.

La inscripción dice que el gobernador reinó durante 13 años y durante su reinado erigió la ciudad de Gabarri-ibni, mientras también restablecía los canales y fomentaba la plantación de palmeras datileras en diferentes ciudades, y trabajaba en el desarrollo de la agricultura en la ciudad. de Suhi.

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Estatua de basalto del rey Salmanasar II, 858-824 a. C. (Período Neoasirio).

Encontrado en Assur (Qala’t Sharqat). Hoy se exhibe en los Museos Arqueológicos de Estambul, en la sección del Museo del Antiguo Oriente. Este texto es de una exhibición en esta estatua, una traducción de guión en la estatua real:

El rey da un breve recuento de sus títulos y características genealógicas de la siguiente manera:

“Salmanasar, el gran rey, el rey poderoso, rey de todas las cuatro regiones, el poderoso y poderoso rival de los príncipes de todo el universo, los grandes, los reyes, hijo de Assur-Naşirapli, rey del universo, rey de Asiria, nieto de Tukulti-Ninurta, La inscripción continúa con la descripción de sus campañas y hechos de las tierras de Urartu, Siria, Namri, Que y Tabal, y termina con esto: “En ese momento reconstruí las murallas de mi ciudad Ashur desde sus cimientos hasta sus cumbres. Hice una imagen de mi yo real y lo coloqué junto a la puerta de los trabajadores del metal”.

BREVE RESUMEN EN FORMA DE VÍDEO

NOTA: SEGUIRÁ EN NUEVA ENTRADA PARTE II

 

 

Desde la amura

“Sobre el deseo, el destino y la realidad”
Pretender que las cosas sean como las deseamos y no desearlas como son es, a veces, una errónea ambición que se instala en el equipaje de nuestro viaje de vida y que nos proporciona, en más de una ocasión, un estado de duda y desconcierto que solo ayuda a generar una ansiedad inmotivada, que condiciona nuestro tiempo vital y nos hace rechazar la realidad para cobijarnos en la soledad de lo que hoy llaman “zona de confort”, alejándonos más y más del disfrute sereno de lo cercano y real y que sí está al alcance de nuestro deseo. Y es que no podemos pasar la vida a la espera de lo azaroso, a la espera del gusto de los otros, no podemos caer en la creencia de que valemos tanto como nos aplaudan los demás, pues ese aplauso (likes), a veces, enmascara otras intenciones, otros intereses (de todo tipo) a cambio. El sabio Cervantes ya nos alumbraba que el hombre mismo es el dueño de su destino y que nada esencial de su vida debiera ponerse en manos de lo ajeno (menos aún, en manos de las redes). 
De ahí, que los deseos deben estar acordes a la realidad; sólo desde la inmadurez podemos desear lo que no se conoce pero, menos aún, lo que no existe o es literalmente imposible. 
A veces tenemos tendencia a confundir destino con azar -eso que, no sin razón, llamaba el insigne H. Poincaré como la medida de la ignorancia del hombre-; en más de una ocasión proponía esta cuestión a debate en mis clases cuando tenía que presentar (explicar) los fenómenos deterministas y no deterministas. Y destino y azar no solamente no son sinónimos, sino que son absolutamente antónimos. Poner nuestro tiempo al pairo del azar es perderlo absolutamente y sin remisión.
El destino no es un final, como pudiera parecer, el destino está conviviendo a diario con nosotros mismos; el destino lo vivimos en cada momento que es esencial en nuestra vida y no se concentra, en lo que los predicadores (nuevos sanadores del alma en las redes) de moda, llaman final feliz.
De este modo, el deseo (los deseos) y el destino esculpen nuestro existir y lo hacen en base a la realidad, de manera que todo aquello que basemos en el imaginario virtual estará condenado a convertirse en una frustración más, y nos embaucará en un bucle emocional que no sirve más que para alimentar los “DESEOS” (entrecomillo adrede) de los grandes TRUST de la comunicación y redes sociales que manejan esta sociedad inerme y obediente, por no decir dependiente, y que nos llevan a encadenarnos a una pantalla, donde creemos encontrar y satisfacer (con una creencia ciega) nuestros imposibles deseos. 

Nunca la sociedad ha sido tan enfermiza de narcisismo.
Y, es la edad, y no otra cosa, la que me lleva a este estado de aceptable nihilismo, en el que solo creo y deseo lo que realmente vivo y siento, lo que encuentro en lo cercano, lo sencillo, no lo que me insinúan, los medios de comunicación ni las más hábiles redes (nunca mejor dicho lo de redes) sociales, conductoras a la más atroz de las soledades, pues, la soledad -quedarse solo un tiempo- puede ser una buena herramienta para descansar nuestra mente, para desintoxicarnos de tanto bullicio estresante, pero la soledad no es el mejor lugar para quedarse a esperar que se cumplan los deseos que utópicamente nos obligan a obtener como si de trofeos se tratara.
C.R. Ipiens.

Museo Automovilístico de Málaga

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El Museo Automovilístico de Málaga es un museo dedicado a la automoción ubicado en el antiguo edificio de la Real Fábrica de Tabacos de la ciudad de Málaga.

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El conjunto expuesto forma parte del catálogo del coleccionista portugués don João Manuel Magalhaes.

Los más de noventa vehículos en exposición pertenecen a diferentes etapas desde el año 1898, constituyendo una representativa variedad de modelos de las grandes marcas: Hispano Suiza, Bugatti, Delage, Packard, Auburn, Rolls Royce, Bentley, Jaguar, Mercedes, Ferrari, Lancia, etc. así como de motores. Además, el museo alberga una sección de moda con sombreros vintage, sombrereras y maletas de época.

Dentro de sus siete mil metros cuadrados, el museo queda dividido en diez espacios diferenciados: “Energías Alternativas”, “Belle Époque” -hasta 1914-, “Años 20”, “Art Déco”, “La Dolce Vita”, “Excentricidad”, “Coches de Ensueño”, “Coches Populares”, “Tradición Inglesa” y “Tuning”.

BELLE EPOQUE

Período que comprende desde finales del siglo XIX  hasta el comienzo de la I Guerra Mundial en 1914. En sus primeros tiempos el automóvil fue la continuación de los coches tirados por  caballos, con los que competían con dificultad ya que muy pocas personas creían en la evolución de este medio de transporte.
Sin embargo, esos rudimentarios pioneros de la carretera progresaron rápidamente.
En esta sala se pueden encontrar los siguientes vehículos: Winner (USA), Minervette (Bélgica-1904), Dion Bouton (Francia-1903), Richmond (USA-1908), Delage (Francia-1910), Renault AX (Francia-1911), Charron (Francia-1910), Buick (USA-1916), Jackson (USA-1906), Hupmobile (USA-1912), American LaFrance Simplex (1918) y un Barron Acroyd (Inglaterra-1912).

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DORADOS AÑOS 20

Período iniciado en 1920, es conocido también como “los locos años 20” debido a la euforia originada por el final de la I Guerra Mundial y la excepcional prosperidad económica. Esta década aportó cambios de comportamiento como la liberalización de la moda y la creciente emancipación de la mujer, que empieza a adaptar el automóvil como expresión de elegancia y seducción. El 25 de Octubre de 1929, el llamado viernes negro, marcó el  final de esta época.
En esta sala se pueden encontrar un total de ocho vehículos: Lancia (Itali-1921), Minerva (Bélgica-1923), Paige (USA-1927), Hispano Suiza (España-1917), Nash (USA-1930), Studebaker (USA-1931), Unic (Francia-1920) y Ballot (Francia-1928).

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ART DECÓ

La edad de oro del automóvil.  Esta década coincide y se identifica con la expresión artística conocida como Art Decó, término que se aplicó con motivo de la celebración en París de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas.
Este nuevo estilo de diseño altamente reformista, creativo e innovador, alcanza su máxima expresión servido por los mejores artistas que llenan los vehículos de estética, lujo y elegancia creando auténticas obras maestras. Es un nivel de calidad nunca alcanzado con anterioridad.
Esta sala está formada por los modelos: Mercedes 540k (Alemania-1937), Bugatti (Francia-1936), Rolls-Royce Phantom III (Inglaterra-1936), Packard (USA-1939), Minerva (Bélgica-1916), Delage (Francia-1938), Pierce Arrow (USA-1930), Lancia (Italia-1934), Talbot (1937), BMW (Alemania-1938).

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DOLCE VITA y OTROS DISEÑOS

En esta década los potentes coches deportivos con sus bellas líneas aerodinámicas se ponen de moda. Ilustran la prosperidad económica de la postguerra y la mejoría  espectacular del nivel de vida. Se transforman en los “juguetes” de los exitosos actores y actrices de cine,  los famosos playboys y la juventud dorada. El director de cine Federico Fellini, tras el estreno de su película dijo: “La Dolce Vita sólo significa que a pesar de todo la vida tiene su dulzura profunda de la que no se puede renegar”.

Entre otros modelos, pueden ser visitados en esta sala: Lancia Astura (Italia-1938), Tatra (Checoslovaquia-1947) Renault (Francia-1930), De Sotto (USA-1934), Peugeot (Francia-1937), Cord (USA-1937), Auburn (USA-1936 ), Allard (Inglaterra-1949), Panhard und Levassor (Francia-1938), Kaiser Darrin (USA-1954), FN Fabrique Nationale (Bélgica-1930), Citroen (Francia-1963) y Cord (USA-1936). Maserati (Italia-1950), Porsche (Alemania-1955), Jaguar (Inglaterra-1952), Alfa Romeo (Italia-1946), Ferrari (Italia-1956), Mercedes SL300 (Alemania-1956), Aston Martin (Inglaterra-1959), Delahye (Francia-1952), Aston Martin (Inglaterra-1952), Jaguar (Inglaterra-1954) y Jaguar E-Type (Inglaterra-1962).

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