Shunga (春画) «Imágenes de primavera» Arte erótico Japonés (Parte I)

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Kitagawa Utamaro; Una página del libro erótico shunga Utamakura, 1778. Museo Británico.

A través del tiempo, los grabados eróticos japoneses se han conocido bajo diferentes nombres ― shunga, makura-e, warai-e. Uno de estos términos fue también el de higa, que significa «imágenes secretas». El shunga (春画  lit. «Imágenes de primavera») es un género de producción visual japonés que tiene como tema principal la representación del sexo. Está vinculado, principalmente, con la producción gráfica conocida como «estampas del mundo flotante», o xilografía ukiyo-e, del período Edo (1603-1867), a partir de imágenes de álbumes o de ilustraciones de textos de la literatura popular de entonces, así como con la producción pictórica de la época. A pesar de que su producción estuvo marcada por regulaciones y prohibiciones por parte del gobierno, la realización de este tipo de obras continuó prácticamente hasta finales de la era Meiji, con la prohibición de material «obsceno» en el Código penal japonés del año 1907.

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Autor: Chōbunsai Eis (1756-1829). Pintura sobre seda por Chôbunsai Eis: uno de cuatro similares kakemonos de las series “Competencia del Placer en las cuatro estaciones. Esta pintura específica describe el ‘Verano’, como lo demuestra el mosquitero y las flores del árbol de calabaza, que se puede ver desde la ventana a la izquierda. Fecha: entre 1794 y 1801.

La traducción literal del vocablo japonés (de origen chino) shunga significa «imágenes de primavera», siendo «primavera» una metáfora común para el acto sexual. Las escenas describían relaciones sexuales de todo tipo, incorporando en ellas a los más variados actores de la sociedad japonesa de entonces, como a los miembros de la clase comerciante, samuráis, monjes budistas e inclusive seres fantásticos y mitológicos.

La gran mayoría de los ilustradores de ukiyo-e realizaron este tipo de imágenes debido, entre otras razones, a que tanto artistas como editores obtenían buenas sumas de dinero de la venta del material, incluso a pesar de estar vigente alguna prohibición, por lo que existe una gran cantidad de imágenes que fueron realizadas por ilustradores de renombre. Por otro lado las mismas prohibiciones llevaban a sus creadores a no firmar sus trabajos, pero a modo de que la gente supiera el autor, desarrollaron una serie de artimañas, como poner en las imágenes sobrenombres o señales apenas perceptibles, que eran fácilmente identificables para el público de la época.

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Kitagawa Utamaro (1753-1806). Preludio del deseo. Fecha: 1799.

Tras la apertura de Japón a Occidente, a mediados del siglo XIX, el arte japonés contribuyó al desarrollo del movimiento conocido como japonismo. Diversos artistas europeos coleccionaron shunga, entre los que destacan Aubrey Beardsley, Edgar Degas, Henri de Toulouse-Lautrec, Gustav Klimt, Auguste Rodin, Vincent Van Gogh y Pablo Picasso, contando este último con una colección de 61 estampas de artistas japoneses reconocidos, que le sirvieron de inspiración durante los últimos años de su vida. (Véase Situación actual y legado en este documento). Seguida de esta publicación, aparecerá un Anexo a ella donde se contemple la influencia de la Estampa Japonesa en estos autores de principio de siglo.

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Tipologías


Las tipologías más comunes de shunga que se produjeron son tres.

  • Los shunga emaki (春画絵巻) eran rollos con formato horizontal, muy populares entre los sacerdotes, la aristocracia y la clase samurái. A lo largo del período Edo tuvo que competir con la popularidad y rentabilidad de otras tipologías como los álbumes y los libros ilustrados. Es importante remarcar que estas pinturas circulaban en círculos más restringidos debido a su coste y disponibilidad, a causa del enorme trabajo y tiempo empleado en su producción.
  • Los soroimono (揃物) y kumimono (組物) eran álbumes ilustrados que se imprimían a partir de la misma técnica xilográfica que el resto de las impresiones ukiyo-e, por lo que su producción comenzó a partir del período Edo. Dado que la superficie dedicada a la imagen era mayor que en los libros, y que éstas no se plegaban, permitían un nivel de cualificación técnica mucho mayor, que, por ende, incrementaba también su coste. Casi siempre contenían doce imágenes, y mientras que los kumimono tenían una escena introductoria para el resto de las estampas, los soroimono tenían un título común que era impreso en todos los grabados.
  • Los enpon (艶本) o shunpon (春本) eran libros eróticos y, dentro de estos tres tipos, los más populares. Se produjeron a lo largo del período Edo y hasta comienzos de la era Taishō. Muchos de ellos se imprimían en blanco y negro, y otros se llevaban a versiones en color, utilizando el mismo desarrollo técnico que experimentó la historia del ukiyo-e. Casi siempre combinaban una sección de imágenes al principio con una sección de texto después que, por regla general, era alguna historia erótica de alguno de los escritores populares del momento, o en ocasiones del mismo ilustrador.

A diferencia del común de la xilografía ukiyo-e, el shunga no acostumbraba a producirse en láminas sueltas. Sólo algún surimono puede encontrarse así, pero en contadas ocasiones. Las láminas sueltas que conocemos hoy como shunga, y que se encuentran en muchas colecciones, se subastan o se venden en tiendas o galerías especializadas de arte, originalmente pertenecían a algún álbum que fue desmontado y sus imágenes separadas.

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Artista de escuela, anónimo, Shunga. Circa. 1900 .Fuente: Ohmi Gallery.

Algo de Historia


Primeras obras eróticas:

Durante la prehistoria de Japón, la religión nativa, hoy conocida como sintoísmo, estaba marcada por la libertad sexual, ya que sus creencias se basaban en la fertilidad, tanto del ser humano como de la Tierra. Por ejemplo, según el mito de la creación de Japón relatado en el Kojiki y el Nihonshoki, los dioses Izanagi e Izanami crearon ocho grandes islas al practicar el coito. Por tanto, el sexo no tenía una connotación vergonzosa, pecaminosa ni era un tabú, a diferencia de la concepción occidental. De este modo eran comunes en las expresiones artísticas las representaciones fálicas e imágenes sobre fertilidad. Al día de hoy, aún se conservan en Japón algunas festividades relacionadas con este antiguo culto.

Durante el siglo VI llegó el budismo a Japón a través de China, acontecimiento que marcó el fin del período Kofun. Esta nueva religión se asentó en el país, y sus seguidores fundaron diversos templos en el territorio. Algunas fuentes señalan que las primeras formas de shunga surgieron precisamente en estos templos, en la forma de grafitis que hacían los monjes en las bases de las estatuas del siglo VII. Uno de estos grafitis se encontró en una estatua en el templo Hōryū-ji, en el cual se observa la figura de una mujer en la parte superior y un falo debajo de ella.

Durante los períodos Nara (712-793) y Heian (794-1186) surgió un tipo de dibujo conocido como osukuzu-no-e, que se centraba en explicaciones médicas,  aunque con tendencia a exagerar las proporciones de los genitales con la intención de mantener el interés visual (midokoro). Durante finales del período Heian, uno de los principales exponentes del arte japonés fue Toba Sōjō, un monje budista de la rama shingon. Se le atribuye generalmente uno de los rollos más antiguos que se conservan, llamado Yōbutsu kurabe, donde se observa una competencia entre cortesanos por el tamaño de sus penes, deformes y exagerados de forma cómica. Por otro lado, a partir del siglo XII comenzaron a producirse los shunga emaki, probablemente estableciéndose como una forma de arte entre los sacerdotes, la aristocracia y la clase samurái.

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Shunga Emaki: Escuela de Sugimura Jihei; Descripción: Rollo horizontal ( Sugimura jihei Fuzoku emaki ) (detalle), Honolulu Museo de Arte.

Durante el período Muromachi (1392-1573), siguiendo la tradición de los doce karmas y los doce animales del calendario chino, los libros se hacían a partir de doce estampas o un número múltiplo: veinticuatro, treinta y seis, cuarenta y ocho, tradición que posteriormente retomarían artistas dedicados al shunga.

Surgimiento de los chōnin y el ukiyo-e

Japón pasó por un período de constantes guerras entre los años 1467 y 1568, período de la historia de Japón que es conocido como período Sengoku (戦国時代 «período de los estados en guerra»). Las guerras de poder entre los distintos daimyō, o señores feudales, terminó después de que el país fuera unificado por tres personalidades importantes, conocidos como los «tres grandes unificadores de Japón»: Oda Nobunaga, Hideyoshi Toyotomi y Tokugawa Ieyasu. Ieyasu, quien resultó victorioso durante la decisiva batalla de Sekigahara del año 1600, estableció entonces el shogunato Tokugawa, gobierno feudal que duraría por más de 250 años. Una de las primeras medidas que tomó fue la de trasladar la capital de Kioto a Edo (hoy Tokio), ordenando a sus vasallos que se trasladaran a la ciudad, por lo que diversos templos, palacios, santuarios y mansiones se construyeron allí. En el año 1635 un descendiente de Ieyasu, Iemitsu, instauró un sistema llamado sankin kōtai o «presencia alterna», con el que buscaba prevenir posibles traiciones al shogunato. Según este sistema, los daimyō estaban obligados a permanecer un año en una mansión (yashiki) en Edo y otro año en sus respectivos feudos, permaneciendo la familia en la capital. Este ir y venir de gente dio nacimiento a una nueva clase social, llamada chōnin, formada principalmente por comerciantes y artesanos.

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Modelo a escala 1:30 del área de viviendas de los chōnin al norte del puente Nihonbashi, en Edo, durante mediados del siglo XVII.

Los chōnin, quienes en teoría constituían la clase social más baja, crecieron rápidamente e incluso superaron en número a los samuráis y granjeros, asentándose en la periferia de la ciudad-castillo de Edo. Algunos chōnin se volvieron sumamente prósperos, y su riqueza les permitió crear su propia cultura, llamada chōnin bunka. Fue entonces cuando en Edo, así como otras ciudades (como Kioto, Osaka y Sakai), surgió un estilo de vida que se conocería posteriormente como ukiyo, «el mundo flotante», el cual contaba con su propia literatura y formas artísticas distintivas. Fue el novelista Asai Ryōi quien en el año 1661 definió al movimiento en su libro Ukiyo-monogatari: «viviendo sólo para el momento, saboreando la luna, la nieve, los cerezos en flor y las hojas de arce, cantando canciones, bebiendo sake y divirtiéndose simplemente flotando, indiferente por la perspectiva de pobreza inminente, optimista y despreocupado, como una calabaza arrastrada por la corriente del río».

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Hishikawa Moronobu – Escenas del Teatro Nakamura Kabuki –

Durante este período surgió el ukiyo-e (浮世絵? lit. «pinturas del mundo flotante»), una técnica de estampa japonesa a partir de planchas de madera. Esta técnica se introdujo en Japón en el siglo VIII procedente de China, siendo su fin principal la ilustración de textos budistas y, a partir del siglo XVII, la ilustración de poemas y romanceros. Con la nueva cultura chōnin, movimientos como la literatura ukiyo y los grabados comenzaron a reflejar lo ocurrido en los distritos de placer (siendo el más importante Yoshiwara, en Edo), el kabuki, festivales y viajes. Estos últimos dieron nacimiento a guías turísticas que describían lo más destacado tanto de ciudades como del campo.

Shunga en el período Edo

El primer shunga fechado data del año 1660 y se trata de un enpon (libro impreso) titulado Yoshiwara makura. El libro, creado por un artista anónimo, es una combinación de un manual del sexo junto con una crítica de las cortesanas de Yoshiwara. Como manual ilustraba las cuarenta y ocho «posiciones estándar», mientras que la crítica ofrecía un resumen de las cortesanas, sus características, donde podían ser localizadas y los precios.

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Shunga Periodo EDO. Autor desconocido.

Alrededor de 1670 surgió el primero de los grandes maestros del ukiyo-e: Hishikawa Moronobu, quien además de reproducir grabados de una sola hoja en donde representaba flores, pájaros y figuras femeninas (bijin-ga (美人画?)), realizó grabados de tipo shunga. Durante las décadas de 1670 y 1680 tuvo lugar el primero de los grandes auges del shunga, liderado por las obras de Moronobu y Sugimura Jihei en Edo, y Yoshida Hanbei en Kamigata (la región de Kioto y Osaka). Las obras de Moronobu son representativas de esta etapa, con álbumes compuestos de doce estampas y donde generalmente se representaban cortesanas, doncellas y funcionarias, personalidades a las cuales generalmente no podía acceder el grueso de la población debido a que sus ingresos no eran suficientes.

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Shugenobu, Japón tarde Edo. Siglo XIX, Gouache. 38.0 x 28.0 cm.

Una nueva ola creativa tuvo lugar entre 1711 y 1722 de la mano de Nishikawa Sukenobu, artista de Kioto cuyo apellido se convirtió en sinónimo de estampa erótica con el término Nishikawa-e (西川絵? «estampas de Nishikawa»). Nishikawa se vio afectado por los primeros intentos por regular la publicación y venta de shunga: fue precisamente en ese año de 1722 cuando un machibure (regulaciones del magistrado de Edo) y parte de las Reformas Kyōhō, prohibió los libros eróticos (kōshokubon (好色本?)), aunque no fue así con las estampas.

La producción de shunga cesó casi completamente por casi diez años, aunque durante los años 1740 Okumura Masanobu estuvo activo en Edo. La mayoría de sus trabajos no estaban fechados, quizá con la intención de burlar las regulaciones. La obra de Masanobu se caracteriza por retomar la tradición de poner grandes cantidades de texto junto con las imágenes. Durante los años 1750 y 1760 pocos nuevos trabajos fueron realizados, aunque la producción de este tipo de obras resurgió después de la introducción en 1765 de nuevas técnicas de xilografía, las cuales permitían producir estampas en color (conocidas como nishiki-e (錦絵 «estampa brocada»?)). Se estima que entre 1766 y 1790 se crearon un total de 120 títulos.

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Una nueva ola creativa tuvo lugar entre 1711 y 1722 de la mano de Nishikawa Sukenobu, artista de Kioto cuyo apellido se convirtió en sinónimo de estampa erótica con el término Nishikawa-e (西川絵? «estampas de Nishikawa»). Nishikawa se vio afectado por los primeros intentos por regular la publicación y venta de shunga: fue precisamente en ese año de 1722 cuando un machibure (regulaciones del magistrado de Edo) y parte de las Reformas Kyōhō, prohibió los libros eróticos (kōshokubon (好色本?)), aunque no fue así con las estampas. La producción de shunga cesó casi completamente por casi diez años, aunque durante los años 1740 Okumura Masanobu estuvo activo en Edo. La mayoría de sus trabajos no estaban fechados, quizá con la intención de burlar las regulaciones. La obra de Masanobu se caracteriza por retomar la tradición de poner grandes cantidades de texto junto con las imágenes. Durante los años 1750 y 1760 pocos nuevos trabajos fueron realizados, aunque la producción de este tipo de obras resurgió después de la introducción en 1765 de nuevas técnicas de xilografía, las cuales permitían producir estampas en color (conocidas como nishiki-e (錦絵 «estampa brocada»?)). Se estima que entre 1766 y 1790 se crearon un total de 120 títulos.

En el año 1790 se establecieron nuevas regulaciones para la producción de material erótico como parte de las Reformas Kansei. Dichas reformas incluyeron la regulación de la prostitución, así como la separación de hombres y mujeres en contextos que pudieran levantar la libido. Por ejemplo, toda persona mayor de seis años estaba obligada a entrar en los baños públicos con los de su mismo sexo, siendo anterior a esta fecha común que hombres y mujeres estuvieran juntos. Esta regulación ocasionó que escenas eróticas en baños públicos se hicieran frecuentes en el shunga. Las nuevas reformas prohibían además la publicación de temas «no ortodoxos», aquellos firmados bajo seudónimos, aquellos escritos en kana, además de que un representante del gremio debía revisar y registrar las publicaciones estando aún en estado de borrador. Prácticamente de 1790 a 1820 cesó la producción de este tipo de material, con la excepción de los trabajos de Kitagawa Utamaro, activo en la escena del shunga entre 1798 y 1803, y Katsushika Hokusai, activo durante los años 1810.

Alrededor de 1820 tuvo lugar el tercer y último auge del shunga, liderado por artistas como Utagawa Toyokuni y Keisai Eisen, aunque este movimiento terminó con la supresión del año 1841 como parte de las Reformas Tenpō, donde se especificó que cada publicación debía ser aprobada por el nanushi, o jefe de la aldea, prohibiendo además imágenes de geishas, cortesanas y actores de kabuki. (Ver en esta publicación Shunga por autores en lo que sigue).

Era Meiji

En julio de 1853 el comodoro Matthew Perry llegó a la bahía de Edo con una flota de barcos, llamados por los japoneses «Barcos Negros» (黒船 kurofune?), y dio un plazo de un año a Japón para que rompiera su aislamiento, con la amenaza de que si negaban su petición Edo sería bombardeado por los sofisticados cañones Paixhans de las embarcaciones. A pesar de que los japoneses empezaron a fortificarse ante el regreso de los estadounidenses, cuando la flota de Perry regresó en 1854, fueron recibidos sin ninguna resistencia por el oficial del shogunato, Abe Masahiro, quien decidió unilateralmente aceptar las demandas de Perry y permitir la apertura de varios puertos y la llegada de un embajador estadounidense en Japón, con la firma de la Convención de Kanagawa de marzo de 1854, dando por terminada de manera formal la política de sakoku que rigió Japón por más de dos siglos. Se permitió entonces el comercio con las potencias extranjeras y se firmaron una serie de tratados, conocidos como «Tratados desiguales» (Tratado de amistad Anglo-Japonés, Tratado Harris, Tratado de amistad y comercio Anglo-Japonés) sin el consentimiento de la casa imperial, lo que ocasionó un fuerte sentimiento anti Tokugawa. Los conflictos internos derivaron en el derrocamiento del último shōgun Tokugawa, Yoshinobu, la abolición de la figura del shogunato y el ascenso del Emperador Meiji como máxima figura política y militar del país.

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Shunga del período Meiji.

Durante los primeros años del nuevo gobierno Meiji el país adoptó la moralidad victoriana, y se estableció una prohibición explícita en el shunga (shunga no kinshi) y «el obsceno nishiki-e» en la prefectura de Tokio en 1869. Sin embargo, el shunga continuó produciéndose, asimilando algunos de los cambios estéticos de la época, que estuvieron marcados por los procesos de importación de patrones y técnicas occidentales. A nivel temático y de personajes representados, también se observa la incorporación de nuevos elementos representativos de la nueva sociedad. A partir de este momento, por ejemplo, son frecuentes las escenas de hombres uniformados al estilo occidental y con barba manteniendo relaciones con enfermeras. Yoshida Teruji asegura que durante este período el consumo de estampas baratas aumentó, pues se las consideraba una especie de amuletos para la buena suerte, especialmente entre las geishas.

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Artista: Tomioka Eisen , 1864-1905. Shunga durante la guerra ruso-japonesa. Fecha: 1904. Grabado en madera; tinta y color en el papel, 16,7 × 23,5 cm.

El shunga del período Meiji gozó de dos oleadas importantes de popularidad: entre 1894 -1895 y 1904-1905, que coincide con las fechas de las guerras Sino-Japonesa y Ruso-Japonesa. Durante estos conflictos bélicos los soldados japoneses llevaron álbumes de shunga a los frentes de batalla dentro de sus pertenencias, siendo conocidos como kachi-e, mismo término que se utilizaba para las supuestas estampas que portaban los samuráis en sus cascos.

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Ilustración del libro “Promesas de Izumo”, 1899. Izumo sin Chigiri; Autor: Terazaki Kogyo.

El Código penal japonés de 1907, en su artículo 175, estableció penas de cárcel contra la obscenidad, en el que se estipulaba:

Artículo 175. (Distribución de objetos obscenos)

«Cualquier persona que sea hallada culpable de distribuir, vender o exhibir en público un documento obsceno, imágenes u otros objetos, será castigado hasta con dos años de trabajo en prisión, una fianza de no más de 2.500.000 yenes […] Lo mismo aplicará para la persona que posea lo mismo con fines de venta».

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(Retrato de Nakatani Tsuru) por Hashiguchi Goyo, Japón, c. 1920, dibujo; grafito en el papel. circa 1920. Honolulu Museo de Arte.

Contenido


Según algunos reportes de prensa, tres estaciones de policía en Tokio confiscaron 143.000 estampas y 5.680 álbumes durante ese año. Esta restricción prácticamente marcó el final de la producción del shunga, aunque al mismo tiempo ocasionó la aparición de un mercado negro. Por otro lado, los avances tecnológicos en Occidente impulsaron la industria de la pornografía por medio de fotografía o vídeo, con los que el shunga no podía competir.

Las escenas describían relaciones sexuales de todo tipo, incorporando en ellas a los más variados actores de la sociedad japonesa de entonces. Personajes comunes eran los chōnin, samuráis, las cortesanas y sus clientes, actores de kabuki, recién casados, jóvenes amantes, así como matrimonios. Algunos otros personajes incluyen a monjes budistas quienes, a pesar de que en teoría renunciaban al sexo, aparecen disfrazados de doctores, pues quienes ejercían esta profesión también tenían que raparse la cabeza. Existen obras que además parodiaron antiguos cuentos chinos y japoneses, mientras que en otras aparecen deidades, demonios, animales y otras criaturas en los actos sexuales.

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Shunga por Keisai Eisen, c. 1825.

La mayoría de los trabajos contenían escenas explícitas donde parejas mantenían relaciones sexuales, representando principalmente escenas heterosexuales. En este tipo de escenas es importante destacar que las mujeres no están sujetas a un rol pasivo ni a los deseos del hombre, sino que son representadas como sujetos con deseos. A pesar de que en ocasiones aparecen en posiciones de sumisión, generalmente ninguno de los dos toma un rol dominante.

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Amor desbordante por Yanagawa Shigenobu I, de la serie Tormenta del sauce ( Yanagi no arashi ), c. 1832, Museo de Arte de Honolulu.

Las mujeres aparecen como sujetos activos, evitando ser dominante o sumisa en extremo. Poses características en la erótica occidental, donde la mujer aparece acostada con sus manos detrás de la cabeza, no estaban presentes en Japón sino hasta después de tener contacto con las culturas occidentales. Incluso en ilustraciones donde los senos son expuestos, en raras ocasiones aparecen como puntos de interés sexual. Así mismo los senos tuvieron un rol secundario en la práctica sexual y las fantasías eróticas por lo menos hasta antes de la Guerra del Pacífico. Una muestra de ello es que durante esta época no existían eufemismos o léxico extravagante para referirse a los senos, a diferencia de los existentes para la vagina. Antes del siglo XX, los senos eran vistos como símbolo de la maternidad, no como símbolo sexual.

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Japanese antique woodblock print shunga hokusai school, 19th century Meiji period.

Otras representaciones, con menos frecuencia, muestran relaciones homosexuales, ya sea entre hombres o mujeres. Las relaciones entre dos hombres tienen su antecedente en Japón en el wakashudō (若衆道? «camino del hombre joven»), donde la parte activa y protectora de la pareja era el de mayor edad y la parte pasiva, el aprendiz, era el más joven, basando su relación en obligaciones y lealtades mutuas.62 Durante el período Edo dicha tradición, junto con la actitud marcial propia del samurái, comenzó a menguar y en su lugar aparecieron prostitutos vestidos como mujeres (lo que no ocurría en la tradición original). Ihara Saikaku al respecto llegó a asegurar: «En el pasado el camino del joven significaba algo fuerte[…] los chicos de hoy en día sólo son afeminados planos» (yowa-yowa).63 En el shunga la feminidad de los prostitutos es exagerada, con los genitales cubiertos o reducidos de forma importante, siendo estos la única prueba de que se trata de alguien del sexo masculino.64 En este tipo de escenas se puede observar a los protagonistas besándose, masturbándose o practicando sexo anal, aunque es importante destacar que no hay evidencia de que los hombres estuvieran interesados en practicar la felación. Por otro lado, en relaciones lésbicas se puede observar a la pareja besándose, frotándose los genitales, practicando cunnilingus o manteniendo relaciones por medio de un harikata (una clase de dildo) o por medio de una máscara de hombre. Este tipo de escenas son muy valoradas por los coleccionistas.

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Mujeres teniendo relaciones por medio de un harikata (consolador/dildo), por Utagawa Kunisada.

Finalmente, se pueden encontrar imágenes de tríos (generalmente una mujer, un hombre y un chico), o algunas escenas fantásticas donde aparecen animales como pulpos, gatos o perros (generalmente en forma de parodias), demonios y deidades, así como mujeres masturbándose como señal de su amante ausente. Escenas de voyeurismo son frecuentes, generalmente para darle un énfasis cómico a la imagen.

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Shunga por Katsushika Hokusai, 1821. Masturbación y Voyaeurismo.

En la gran mayoría de las obras los personajes aparecen total o parcialmente vestidos. Durante el período Edo los baños mixtos eran algo común, por lo que en cuanto a la desnudez femenina como muestra de autorización para el observador masculino, no sólo era innecesaria, sino que no era deseable. Por lo general, en el shunga los genitales son mostrados con un tamaño exagerado.

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Katsushika Hokusai , La Planta Adonis (Fukujuso) , Bloque de madera, juego de 12, Oban, ca. 1815. 25,8 x 39,8 cm. Colección privada.

Es importante destacar que las obras de este tipo desarrollaron distintos niveles en cuanto a su composición. El primer nivel sería la imagen erótica misma, el segundo el lugar de la imagen dentro de la serie, el tercero el texto que acompaña a la imagen y el cuarto algunos simbolismos escondidos dentro de la imagen. Por ejemplo, las ostras simbolizaban los órganos femeninos y los hongos los masculinos, lo mismo que el shakuhachi, una flauta japonesa.

Situación actual y legado


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Katsushica Hokusai; El sueño de la esposa del pescador. Grabado en madera (Xilografía) 1814. Biblioteca Británica, Londres.

Tras la apertura de Japón a Occidente durante la Restauración Meiji el arte japonés llegó a Europa. La visión artística del Lejano Oriente era totalmente nueva y rompía con las convenciones en pintura de la época. De este modo surgió el japonismo. Artistas como James McNeill Whistler, Manet, Monet, Van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec o Paul Gauguin se vieron influenciados por artistas japoneses, entre los principales Hokusai, Hiroshige y Utamaro. Obras de tipo shunga fueron coleccionadas por artistas occidentales como Aubrey Beardsley, Edgar Degas, Henri de Toulouse-Lautrec, Gustav Klimt, Auguste Rodin y Pablo Picasso. Específicamente este último llegó a contar con una colección de 61 estampas de artistas como Nishikawa Sukenobu, Isoda Koryūsai, Torii Kiyonaga, Katsukawa Shunchō, Kitagawa Utamaro o Kikukawa Eizan. Durante sus últimos años de vida, Picasso representó escenas sexuales con plena libertad, hallando en su colección de shunga una fuente de inspiración. Por otro lado, el shunga (así como también el ukiyo-e) proveyó inspiración para las imágenes contemporáneas conocidas en Occidente como hentai, y formalmente en Japón como jū hachi kin (sólo para adultos), anime y manga. Al igual que el shunga, el hentai es sexualmente explícito en su descripción.

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Escuela Kikukawa; Descripción: Álbum erótico de la Escuela Kikukawa, c. 1820, tinta y color sobre seda, Honolulu Museo de Arte;

A día de hoy continúa la restricción contra material obsceno, pero la concepción del shunga ha ido cambiando en la última década, de modo que este tipo de obras son toleradas al ser clasificadas como eróticas gracias a la publicación de obras de estudio del tema en Japón y Occidente sin censura alguna. En Occidente la publicación de estudios relativos al shunga comenzó en 1975 con el libro Shunga, The Art of Love in Japan de Tom y Mary Evans, seguido por Art of the Japanese Book de Jack Hillier en 1987.

He editado este pequeño clip de vídeo a modo de resumen de lo expuesto anteriormente, espero sea de vuestro agrado.

Otros enlaces de interés relacionados con el tema en este blog:

Museo de Arte Adachi y el Jardín Japonés.
Pinturas sobre seda: Un libro de bocetos de sakura (flores del cerezo).
Una Colección de pinturas japonesas.
Colores del triple amanecer.
朝顔三十六花撰: Campanillas
Ocho lugares de interés en los alrededores de Edo.
https://euclides59.wordpress.com/2012/02/26/katsushika-hokusai-1760-1849-la-gran-ola-de-kanagawa/
https://euclides59.wordpress.com/2017/03/04/mariano-fortuny-los-hijos-del-pintor-en-el-salon-japones/

Seguiremos en próximas entradas con la obra de Shunga por autores.

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Manet y Monet: “Le Déjeuner sur l’herbe (Almuerzo en la hierba)” e “Impression, soleil levant (Impresión, sol naciente)”. Dos obras desencadenantes del Impresionismo.

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Édouard Manet (1832-1883). Le Déjeuner sur l’herbe (Almuerzo en la hierba), 1863; Óleo sobre lienzo, 208 x 264,5 cm. Museo de Orsay.

Sobre la obra:

“Manet reivindica en el Almuerzo sobre la hierba el legado de los maestros antiguos y se inspira en dos obras del Louvre. El Concierto campestre de Tiziano, entonces atribuido a Giorgione, le brinda el tema, mientras que la disposición del grupo central se inspira en un grabado según Rafael: El juicio de Paris.Pero en el Almuerzo sobre la hierba, la presencia de una mujer desnuda en medio de hombres vestidos no está justificada por ningún pretexto mitológico o alegórico. La modernidad de los personajes hace obscena, a los ojos de sus contemporáneos, esta escena casi irreal.

El estilo y la factura chocaron casi tanto como el tema. Manet abandona los habituales degradés para entregar contrastes abruptos entre sombra y luz. Por ello, se le reprocha su “manía de ver por manchas”. Los personajes no parecen perfectamente integrados en este decorado de maleza más esbozado que pintado, en el que la perspectiva es ignorada y la profundidad ausente. Con el Almuerzo sobre la hierba, Manet no respeta ninguna de las convenciones admitidas, sino que impone una libertad nueva con respecto al tema y a los modos tradicionales de representación”

Sobre lo que significó su exposición:


Esta obra fue presentada por Manet al Salón de París de 1863. Fue expuesta por Manet con el título Le Bain (El Baño). El jurado elegido al efecto la rechazó, junto a otras 2.000 obras de diferentes artistas, considerando vencedora al Nacimiento de Venus de Cabanel. Pero, en un acto propagandístico de Napoleón III, se creó con estos cuadros (los rechazados por el jurado) el Salon des Refusés – de los Rechazados – precisamente para que el público pudiera dar fe de por qué habían sido defenestrados. Los críticos fueron muy tajantes con la escena de Manet, mientras que los jóvenes artistas – quienes, más tarde, conformarán el grupo impresionista – consideraron la obra como una muestra de vanguardismo, animando a Manet a crear imágenes de esas características y agrupándose en torno a él. Por lo tanto, El Baño se considera punto de ruptura con el arte académico y tradicional.

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Alexandre Cabanel, 1863. Óleo sobre lienzo. Academicismo; 225 cm × 130 cm. Museo de Orsay, París.

Los pintores que se reunían en el Café Guerbois en torno a Manet decidieron crear un foro de exposición diferente a los oficiales, en el que pudieran mostrar sus obras todos los artistas independientes. Así surge la I Exposición de la sociedad anónima de artistas pintores, escultores y grabadores que tuvo lugar entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874 en las salas que el fotógrafo Nadar les prestó. Intervinieron, entre otros, artistas como Monet, Pissarro, Renoir o Cézanne. Acudieron 3500 visitantes, que se rieron de la pintura tan moderna que contemplaban. A esa exposición Monet presentó nueve cuadros, entre los que destacó esta obra que aquí presentamos: Impresión, sol naciente. El crítico Louis Leroy, inspirado por el título del cuadro, tituló su hostil crítica en el periódico Le Charivari, “Exhibición de los impresionistas”, dando nombre inadvertidamente al movimiento.

“Para entender el rechazo a la obra hay que tener presente que la palabra impresión era equivalente a boceto en aquella época. La Academia pedía a los pintores un boceto (impresión) inicial sobre la que trabajar posteriormente. Por esto, presentar un cuadro que es solamente una impresión o boceto fue tomado como una provocación; mandar al Salón una obra sin terminar era más de lo que podían admitir los miembros del jurado”.

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Claude Monet (1840, 1926), 1872. Óleo sobre lienzo; Impresionismo. 48 cm × 63 cm. Museo Marmottan-Monet, París.

“Impresión, sol naciente (en francés: Impression, soleil levant) es un cuadro del pintor francés Claude Monet, que dio su nombre al movimiento impresionista. Se conserva en el Museo Marmottan Monet de París. Representa el puerto de El Havre, ciudad en la que Monet pasó gran parte de su infancia”.

Para crear la atmosférica belleza de Impresión, sol naciente (un momento visual perfecto capturado como en un abrir y cerrar de ojos), Monet usó breves pinceladas, dando a entender que no había demasiado tiempo para pintar nada que no fuera un esbozo inmediato y apresurado. Fue este carácter de esbozo lo que enojó a los críticos cuando la pintura se expuso por primera vez. Sin embargo, pese  su apariencia de imagen apresurada e incompleta Impresión, sol naciente no es un esbozo, es una obra acabada por un pintor profundamente detallista.

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Detalle

Las pinceladas breves y plumosas proporcionan a la pintura un aspecto suave y desenfocado para que los espectadores contemplen la escena como a través del velo de una bruma matinal que se eleva desde el mar. Monet eligió principalmente azules y violetas para componer la escena, con matices de grises y negros para resaltar las barcas y un naranja vivo para para el Sol y su reflejo. Con el azul y el naranja complementarios se aseguraba de que cada color adquiría más fuerza que si lo empleaba de manera aislada.

La obra muestra un enorme interés por la llamada teoría del color (Ver en este blog: El “Temeraire”, Turner y la Teoría de los colores de Goethe). Si bien parece que el sol perfora la neblina matutina a causa de su intenso color naranja, en realidad posee la misma luminosidad de su entorno; si se hace una fotografía en blanco y negro, el sol casi no se distingue.

Nota: Monet viajó a Londres entre 1870 y 1871, y allí pudo conocer la obra del paisajista Joseph Mallord William Turner, pintor del romanticismo inglés que destacó por su estilo avanzado y vaporoso, estilo que copiará Monet y después el resto de impresionistas.

Fréderick Cayley Robinson y el Simbolismo Británico de principios del Siglo XX

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“El aspecto de las pinturas de Cayley Robinson, tan distintivo, tan claro, resulta ser mucho más que una síntesis del arte del pasado, es precisamente lo que permite que la subversión se esconda a simple vista”

Con la exposición “Actos de la Misericordia” de la Galería Nacional creada en colaboración con Tate Britain en 2010, se ha hecho visible la obra de uno de los pintores e ilustradores más interesantes y desconocidos del Simbolismo británico de principios del siglo XX. Aun así, puede decirse que Frederick Cayley Robinson sigue siendo una figura relativamente oscura al día de hoy. Su obra no ha sido objeto de una monografía, ni ha habido ninguna exposición retrospectiva importante de sus pinturas desde 1977; De hecho, durante su vida sólo se le concedieron tres exposiciones.

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Frederick Cayley Robinson (Brentford, 18 de agosto de 1862 – Londres, 4 de enero de 1927)

Nacido en Brentford-on-Thames, hijo de un corredor de bolsa, Robinson comenzó su formación artística en la St John’s Wood Academy y entró en la Royal Academy Schools en 1885. Después de un tiempo navegando por la costa inglesa, continuó sus estudios durante tres años en la Escuela de Arte de St. John’s Wood entre 1883 y 1885, y posteriormente en las Escuelas de la Real Academia. Completó sus estudios en la Académie Julian de París entre 1891 y 1894. Allí entró en contacto con la obra de Pierre Puvis de Chavannes y los pintores Nabis, que tendrían una fuerte influencia en su estilo, Aunque también se inspiró mucho en la obra de Sir Edward Burne-Jones y los pintores del Renacimiento temprano en Italia. Aunque su primer trabajo fue naturalista, la influencia –fundamentalmente- de Puvis de Chavannes y Burne-Jones hizo que su obra se enmarcara en el simbolismo.

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The Two Sisters, 1908 (pencil & chalk on paper)

Ya en 1896, el crítico Alfred Lys Baldry señaló del joven Cayley Robinson que: “Ya se ha establecido como un artista que ocupa un lugar por sí mismo, y es notorio porque llena ese lugar con una verdadera distinción. Si continúa como ha comenzado, no puede dejar de marcar su marca en el registro artístico de nuestros tiempos”. Gran parte de la primera parte de la carrera de Cayley Robinson se realizó en el extranjero. Vivió varios años en Florencia, donde estudió el arte de Giotto, Mantegna y Miguel Ángel, y comenzó a practicar la pintura a tempera. Después de un período de cuatro años en París, se estableció en Cornwall en 1906. Comenzó a exhibir sus acuarelas en 1911 en la Royal Watercolor Society y continuó enviando dos o tres trabajos a cada una de las exposiciones anuales de la Sociedad hasta 1926. Gran parte del trabajo de Cayley Robinson se caracteriza por un sentido de la meditación, de la quietud y la calma. De hecho, como observó James Greig en una apreciación del trabajo de acuarela de Cayley Robinson, publicado poco después de la muerte del artista, «ni el medio ni el método cuentan en gran medida para atraer la obra de Cayley Robinson. Su influencia se ejerce principalmente a través de la emoción espiritual transmitida en el movimiento rítmico y tonos tiernos de belleza seductora. El ritmo siempre se controla dentro de un diseño bien pensado, Pero es lo elusivo del motivo interior de sus cuadros lo que les da su encanto indefinible>>.

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Cartel anunciador de “The blue Bird” de Maurice Maeterlinck en el Teatro de Haymarket en 1909, por Cayley Robinson.

Cayley Robinson exhibió regularmente en la Royal Watercolor Society, la sociedad real de artistas británicos y el instituto de Glasgow de las bellas artes. Simultáneamente a su trabajo pictórico comenzó a recibir encargos para los diseños de vestuario, atrezos y tramoyas de producciones teatrales, el más notable posiblemente el encargo del diseño de la puesta en escena del pájaro azul de Maurice Maeterlinck en el teatro de Haymarket en 1909; Un trabajo que sirvió para consolidar su reputación como lo que un estudioso reciente ha descrito como “un pintor sensible de la vista del niño”. El artista también proporcionó los dibujos de una edición ilustrada de The Blue Bird, publicada en 1911, los dibujos fueron exhibidos en las Leicester Galleries de Londres el mismo año, que dio paso a una producción muy generosa como ilustrador.

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Cover. — F. Cayley Robinson Illustrations: THE BLUE BIRD by Maurice Maeterlinck.

Nota: Ver en este documento Cayley Robinson (Ilustrador)

Aparte de sus cuadros de caballete, Cayley Robinson fue considerado como un pintor mural. Tal vez sus mejores obras en este campo son una serie de cuatro enormes pinturas al óleo sobre lienzo conocido colectivamente como “Los Hechos (Actos) de la Misericordia”, pintado para el hall de entrada del Hospital Middlesex en Londres. Comisionado por el artista en 1910 y pintado entre 1915 y 1920, las pinturas permanecieron in situ hasta que el Hospital fue demolido en 2008, y fueron adquiridas al año siguiente por la Wellcome Library de Londres. En 1914 Cayley Robinson también ganó una comisión para pintar un mural de La venida de San Patricio a Irlanda para la galería de arte de Dublín. Por este tiempo se había establecido en Londres, establecido en un Centro (Residencia) de estudios en Lansdowne Road, que también albergó a los artistas Charles Ricketts y Charles Shannon, Glyn Philpot y James Pryde. Vivió allí desde 1914 hasta su muerte, Aunque él pasaba tres meses cada año hasta 1924 en Glasgow, como profesor de composición,  figura y  dibujo en la escuela de Glasgow de arte. Elegido miembro de la Royal Watercolor Society en 1919 y Asociado de la Real Academia en 1921, también fue miembro del New English Art Club.

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The Old Nurse, 1926, de Frederick Cayley RobinsonFrederick Cayley Robinson: Actos de Mercy Sunley Room, Galería Nacional, Londres.

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Cayley Robinson Muralista

La obra maestra de Frederick Cayley Robinson, “Actos de la Misericordia” (1916-20), comprende cuatro obras alegóricas a gran escala, que exploran de manera memorable las fuerzas positivas del espíritu humano ante la destrucción. Las cuatro obras fueron encargadas para adornar el nuevo Hospital de Middlesex, reconstruido entre 1928 y 1935. Combinando la modernidad con la tradición con un efecto notable, el artista emula la integridad espiritual Y los métodos de los antiguos maestros que encontró en la Galería Nacional.

Los Hechos de la Misericordia se consideran como uno de los trabajos murales decorativos más importantes de la primera parte del siglo XX, sobre todo, entre las obras más singulares del arte británico moderno. Su mensaje subyacente pone en valor el altruismo humano expresado a través de la curación médica y el cuidado de los niños huérfanos.

Estas cuatro obras pueden estructurarse en dos pares. Los dos pares se titulan “El Doctor” (1916, 1920) y “Huérfanos” (ambos 1915). En el primero, un panel representa los efectos traumáticos del conflicto en los inválidos de la Primera Guerra Mundial. Soldados heridos y marineros se reúnen en silencio a la entrada de un hospital. En la pieza de acompañamiento, un médico es agradecido por una madre arrodillada – repitiendo imágenes tradicionales de la adoración o crucifixión – y la hija que ha tratado.

Los paneles titulados “Huérfanos” representan el refectorio de un orfanato, bajo el patrocinio del hospital. En un cuadro, las niñas se sientan en una mesa que recuerda a la “Última Cena” de Leonardo, mientras que su quietud y sus constantes miradas recuerdan la pintura holandesa del siglo XVII.

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Frederick Cayley, -Actos de la Misericordia-: El Doctor I, 1916; Óleo sobre lienzo, 200 x 340 cm. Galería Nacional, Londres.

La pintura muestra a hombres que asisten al hospital. Incluyen a soldados que habían regresado de la Primera Guerra Mundial y se les impidió trabajar por heridas de guerra o trauma psicológico. A la izquierda es por la mañana y una enfermera dobla la hora del día (como en las casas religiosas) mientras que en la derecha cae la noche derecha cae en una terraza de casas de Fitzrovia (Barrio del centro de Londres cerca del West End). La estatua ecuestre representa el servicio del hospital al estado (una posible interpretación).

¿Cómo leer el tono de estas pinturas, hechas entre 1915 y 1920? Aquí los heridos de la Primera Guerra Mundial están dispuestos en los escalones de sus “azules convalecientes” – vestidos de regulación aborrecibles – como figuras en un fresco renacentista, excepto que están en blanco y despreocupados.

¿Qué sienten, qué piensan? Todas las respuestas están frustradas. ¿Por qué hay una estatua ecuestre grandiosa a la derecha? ¿Quién es la figura demacrada en el vestido de noche? No cabe duda de que Cayley Robinson ha estado viendo el Bautismo de Cristo de Piero della Francesca -que la Galería Nacional ha introducido en los procedimientos como si fuera una prueba-, pero esa obra maestra silenciosa no ofrece pistas para que nadie intente entrar en el pensamiento del artista. Más comentarios sobre las obras, pueden leerse en la Wellcome Library Collection.


Detalles

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Detalle 1.

En el extraño equilibrio de esta pintura, tanto peso se da a un paciente como a sus zapatillas de alfombra, y cada hombre es un prototipo. Es una representación, puesta en escena, distanciada, casi ajena en su claridad ascética: una actuación vacía de la vida real.

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Detalle 2.
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Detalle 3
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Detalle 4.
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Detalle 5.
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Detalle 6.
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Frederick Cayley, -Actos de la Misericordia-: El Doctor II, 1916; Óleo sobre lienzo, 200 x 340 cm. Galería Nacional, Londres.

La pintura muestra a representantes de la población civil en un patio fuera del hospital. Incluyen a una madre que cuida a un bebé, niños, y gente madura incluyendo a un hombre con porte de erudito que lleva una capa marrón, izquierda. La arquitectura tradicional ofrece a un anciano una repisa donde sentarse en una actitud de serena observación. A la derecha una mujer pide ayuda para su hija joven de un médico en la entrada al hospital. En el centro un árbol muerto con una serpiente en sus ramas lleva un mensaje pesimista para los seres humanos como los descendientes de Adán y Eva: “Polvo eres y en polvo te convertirás”. A la izquierda, un cometa pasa a través del cielo sobre la terraza de casas de Fitzrovia (la terraza que continúa de la pintura anterior en el par).

Se ha sugerido que el médico es un autorretrato, aunque no puede asegurarse.  Levanta la mano en bendición sobre un niño vendado y su madre arrodillada, como si estuviera elevada a mesías secular. ¿Es esto sardónico o sincero, esta visión de un mundo en el que la religión ha sido usurpada por la medicina? El significado sigue siendo elusivo.


Detalles

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Detalle 1. (Cometa y pájaros)
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Lateral derecho de Doctor 1 Lateral Izquierdo Doctor 2
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Detalle 3.
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Detalle 4.
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Detalle 5.
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Detalle 6.
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Actos de la Misericordia: Huérfanos I, 1915 por Frederick Cayley Robinson; Óleo sobre lienzo, 200 x 340 cm. Galería Nacional, Londres.
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Actos de la Misericordia: Huérfanos II, 1915 por Frederick Cayley Robinson; Óleo sobre lienzo, 200 x 340 cm. Galería Nacional, Londres.

Dos paneles divididos muestran una procesión de huérfanos, todos de ojos tristes e idénticos vestidos con uniformes azules y blancos, serpenteando por el refectorio del orfanato para recibir idénticos cuencos de leche. Podrían ser pequeñas monjas – o pequeñas enfermeras – en sus delantales almidonados. Tranquilo, limpio, ordenado, sereno: la visión ideal, las condiciones ideales, para un hospital.

Pero uno de los huérfanos rompe el marco, volviéndose para mirar directamente al espectador. Ella es toda la tristeza pensativa. Enfermeras en el Middlesex, agotadas y asustadas por el espectáculo de la muerte en las salas. Otro huérfano inclina la cabeza, desconsolada; Los que salen en la escalera (¿Influencia de Edward Cole Burne-Jones? Ver detalles) pueden descender a una tumba, así que sepulcral es la habitación con sus paredes masivas. El panel de la izquierda recuerda la Última Cena de Leonardo en su composición: el panel de la derecha está lleno, por así decirlo, de vacío – pared en blanco, mesa desnuda, suelo vacío. La calidad de la misericordia parece extremadamente tensa.


Detalles (Huérfanos I)

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Detalle 1. Huérfanos I.
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Edward Burne-Jones (1833–1898), La escalera de oro, 1880. Óleo sobre lienzo. Tate Britain. Detalle Huérfanos I.
Detalle 2, Huérfanos I. ¿Influencia de Edward Burne-Jones?
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Detalle 3. Huérfanos I.
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Detalle 4. Huérfanos I.
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Detalle 5. Huérfanos I.
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Detalle 6. Huérfanos 1.

Detalles (Huérfanos II)

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Detalle 1, Huérfanos II.
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Detalle 2, Huérfanos II.
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Detalle 3, Huérfanos II.
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Detalle 4, Huérfanos II.
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Detalle 5, Huérfanos II.

Cayley Robinson (Pintor, Acuarelista y dibujante)

En este apartado exponemos escuetamente una selección de su obra pictórica, acuarelas y dibujos. Lamento no poder glosar más las obras que se exponen en esta publicación pues no he encontrado información suficiente sobre formatos, calidades, dimensiones y ubicaciones.


Algunos temas marineros o pertenecientes al agua.

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El límite hacia el exterior, Frederick Cayley Robinson (1862-1927); Leeds Art Gallery.
Robinson, Frederick Cayley, 1862-1927; The Outward Bound
Detalle
Robinson, Frederick Cayley, 1862-1927; The Outward Bound
Detalle 2.
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The Three Brothers (Los tres hermanos), (c.1897); Óleo sobre lienzo. Colección Privada.
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Detalle
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“Transporte en común”. Frederick Cayley Robinson; Óleo sobre lienzo.
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La llamada del Mar. Alrededor de 1900. Frederick Cayley Robinson; Óleo sobre lienzo.
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Evening Idyll by Frederick Cayley Robinson (1862-1927), England, c1910
Robinson, Frederick Cayley, 1862-1927; 'And straightway they forsook their nets and followed Him'
“Y luego dejaron sus redes y le siguieron”, Frederick Cayley Robinson
Robinson, Frederick Cayley, 1862-1927; The Landing of Saint Patrick in Ireland
El aterrizaje de San Patricio en Irlanda, Frederick Cayley Robinson (1862-1927). Tullie House Museo y Galería de Arte.
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Frederick Cayley Robinson To Pastures New, or Dawn (1904) Watercolor, graphite, and bodycolor on board. 28 by 35 1:2 in.
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Detalle
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Pastoral, 1923-24 por Frederick Cayley: Actos de la Sala Mercy Sunley, Galería Nacional, Londres. Óleo sobre lienzo. 903 x 1164 mm.

Tres figuras se paran en el borde de un lago con un rebaño de ovejas. Ellos representan claramente tres generaciones, como lo hacen también las ovejas. Pero el niño te mira fijamente como si no estuviera en una alegoría, el sol moribundo está echando una mirada de neón sobre el agua tan fuerte que rompe el silencio y una de las ovejas está a punto de golpear su nariz en la superficie del lago. A lo lejos, un molino de viento aparece como si este ciclo de la vida se llevara a cabo en algún lugar de los Países Bajos.


Serie: “Los Cuatro Vientos”.

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Viento del Norte
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Viento del Este
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Viento del Oeste
Frederick Cayley Robinson Tutt'Art@ (9)
Viento del Sur.

Vida Doméstica e Interiores

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La captura

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El aspecto de las pinturas de Cayley Robinson, tan distintivo, tan claro, resulta ser mucho más que una síntesis del arte del pasado, es precisamente lo que permite que la subversión se esconda a simple vista”

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Lo que resta de día
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The Long Journey
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Childhood
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Evening in London
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The Foster Mother
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The Word
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Mother and Child
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A Winter Evening
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A Winter’s Evening
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The Foundling
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In The Depth Of Winter
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Loud Blows the Winter Wind
Robinson, Frederick Cayley, 1862-1927; Two Girls by a Table Look out on a Starry Night
Dos niñas en una noche estrellada.
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Childhood
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Evening in London. Charcoal.
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Interior, Evening
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Study for Twilight
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Childhood (Study)

Serie: La despedida

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The Farewell 1
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The Farewell 2-1 (Sketch)
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The Farewell 2-2
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The Farewell 2-2 (Detalle)

Naturaleza y Otras

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In a Wood So Green
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The Forest
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The Oak Addresses the Spirits of the Trees
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El Picnic, Alrededor de 1900.
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Dos hermanas.
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Reminiscence
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El Puente

Cayley Robinson (Ilustrador)

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Industrias británicas – algodón. 1923. Ilustración realizada para la portada de la revista de Industrias Británicas promovida por el Ministerio de Industria Británico.
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Industrias británicas – algodón. 1923. Ilustración realizada para la portada de la revista de Industrias Británicas promovida por el Ministerio de Industria Británico.

En esta presentación nos centraremos en las tres obras literarias más destacadas que ilustró: El libro del Génesis, The blue bird (El pájaro azul) y Santos y otras historias.


El Libro del Génesis

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Captura

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Juventud, colección privada, Fecha 1923.
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A Young Shepherdess Playing a Pipe Seated below a Tree
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The Little Child Found
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La guardia nocturna
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Time Opens the Gates of Dawn, 1911

The Blue Bird (El Pájaro Azul)

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The Blue Bird -Portada-
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The Blue Bird Dreamships, El sueño de las aves azules, 1900.
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“Tyltyl gira el diamante”, ilustración de Frederick Cayley Robinson del pájaro azul, por Mauricio Maeterlinck (48.o ed .: 1923).
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El pájaro azul
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The Blue Bird – Children By The Fire
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Transformation of the Palace of Luxury.
Frederick Cayley Robinson Tutt'Art@ (33)
El reino del futuro. El pájaro azul.
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The Blue Bird – The Children Enter The Palace Of Luxury

Santos y Otras Historias

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St. Helena
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St. Helena
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St. George.
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St. George.

El Esclavo Moribundo (Miguel Ángel)

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Miguel Ángel: El Esclavo Moribundo (Detalle). Museo del Louvre.

“Las estatuas de Miguel Ángel poseen una inquietante carga erótica. En su obra más conocida, el David, la figura es independiente y el mármol posee un tacto suave  con un lustre verosímil, sin embargo, en esta escultura la forma  emerge desde la piedra en bruto.

Representa la furia que corroe el alma del cautivo, cuya expresión trasluce cierta satisfacción erótica con la situación en la que se encuentra. Las formas de los músculos y los tendones en tensión parecen infundir vida al mármol”.

Apenas había concluido Miguel Ángel su gran obra de la Capilla Sixtina, en 1512, cuando afanosamente se volvió a sus bloques de mármol para proseguir con el mausoleo que en 1505 el Papa Julio II le encargó crear para la decoración de su tumba.

Se propuso adornarlo con estatuas de cautivos, tal como había observado en los monumentos funerarios romanos, aunque es posible que pensara dar a estas figuras un sentido simbólico. Una de ellas es El Esclavo Moribundo.

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Miguel Ángel: El Esclavo Moribundo, h. 1513. Mármol, 229cm de altura; Mueseo del Louvre, París.

Si alguien pudo llegar a creer que, tras el tremendo esfuerzo realizado en la Capilla Sixtina, la imaginación de Miguel Ángel se habría secado, pronto advertiría su error. Cuando volvió a enfrentarse con sus preciadas materias, su poderío pareció agigantarse aún más.

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Miguel Ángel: El Esclavo Moribundo (Detalle). Museo del Louvre.

Mientras que en Adán Miguel Ángel representó el momento en el que la vida entra en el hermoso cuerpo de un hombre lleno de vigor, ahora, en El Esclavo Moribundo eligió el instante en que la vida huye y el cuerpo es entregado a las leyes de la materia inerte.

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Miguel Ángel: El Esclavo Moribundo (Detalle). Museo del Louvre.

Hay una indecible belleza en este último momento de distensión total y de descanso de la lucha por la vida, en esta actitud de laxitud y resignación.

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Miguel Ángel: El Esclavo Moribundo (Detalle). Museo del Louvre.

Es difícil darse cuenta que esta obra es una estatua de piedra fría y sin vida cuando nos hallamos frente a ella en el Louvre de París. Parece moverse ante nuestros ojos, y, sin embargo, está quieta. Tal efecto es, sin duda, el que Miguel Ángel se propuso conseguir.

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Miguel Ángel: El Esclavo Moribundo (Detalle). Museo del Louvre.

Uno de los secretos de su arte que más han maravillado siempre es que cuanto más agita y contorsiona a sus figuras en violentos movimientos, más firme, sólido y sencillo resulta su contorno. La razón de ello estriba en que, desde un principio, Miguel Ángel trató siempre de concebir figuras como si se hallaran contenidas ya en el bloque de mármol en el que trabajaba; su tarea en cuanto que escultor, como él mismo dijo, no era sino la de quitarle al bloque lo que le sobraba, es decir, suprimir de él lo necesario hasta que aparecieran esas figuras contenidas en sus entrañas. De este modo, la simple forma de un bloque quedaba reflejada en el contorno de las esculturas, y éstas, encajadas dentro de un lúcido esquema por mucho movimiento que el cuerpo pudiera tener.

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Miguel Ángel: El Esclavo Moribundo (Detalle). Museo del Louvre.
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Miguel Ángel: El Esclavo Moribundo (Detalle). Museo del Louvre.
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Miguel Ángel: El Esclavo Moribundo (Detalle). Museo del Louvre.
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Miguel Ángel: El Esclavo Moribundo (Detalle). Museo del Louvre.
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Miguel Ángel: El Esclavo Moribundo, h. 1513. Mármol, 229cm de altura; Mueseo del Louvre, París.

Alberto Giacometti: Una mirada

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Alberto Giacometti Paris 1958 Photo: Robert Doisneau

Alberto Giacometti (Stampa, Suiza, 1901-Chur, id., 1966) Escultor y pintor suizo. Nació en un ambiente artístico, ya que su padre, Giovanni, era un pintor impresionista. Se inició en el dibujo y la plástica en la Escuela de Artes y Oficios de Ginebra, antes de trasladarse a París para seguir los cursos de escultura de E. A. Bourdelle en la Academia de Grand Chaumière.

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En la capital francesa entró en contacto con el ambiente cubista, y más tarde con el grupo surrealista, del que formó parte de 1930 a 1935. En las obras de este período, muy personales, se reconoce la idea surrealista del simbolismo de los objetos.

El abandono del surrealismo y la vuelta al arte figurativo constituyen el preludio de la llegada de Giacometti a su estilo más singular y característico, el que desarrolló a partir de comienzos de la década de 1940. Aparecen entonces sus figuras humanas alargadas y de apariencia nerviosa, muy delgadas y de superficie áspera, a menudo de tamaño natural, que pueden estar representadas solas o en grupo.

Son estas obras las que han hecho de Giacometti uno de los artistas más originales del siglo XX, también en pintura, donde sus obras se caracterizan por figuras rígidas y frontales, simbólicamente aisladas en el espacio. En estas creaciones que representan la soledad y el aislamiento del hombre se ha querido ver un trasunto de la filosofía existencialista, y de hecho Jean-Paul Sartre, el máximo representante de la tendencia, reconoció en la obra de Giacometti algunas de sus ideas y escribió sobre ella.

“Si la mirada –es decir, la vida– se convierte en lo esencial, no hay duda de que lo esencial es la cabeza […] La única cosa que quedaba con vida era la mirada. El resto, la cabeza que se transformaba en cráneo, se convertía más o menos en el equivalente al cráneo de un muerto. […] Lo que lo hace vivo es su mirada, eso era lo que quería esculpir».

Lo que confiere vida a la representación es la mirada. No obstante, una amenaza se cierne sobre esa sensación fugitiva de la mirada que en un retrato es el elemento más difícil de captar. La Cabeza cráneo (fig. 4) creada en 1933, un año después de la muerte de su padre, recuerda la importancia que para los surrealistas tenía el funesto tema de la enucleación (extirpación de un órgano, glándula, quiste, etc., extrayéndolo de donde está alojado), tratado de forma sorprendente por Dalí y Buñuel en 1929, en Un perro andaluz. Este cráneo geometrizado que presenta una única órbita, vacía y perfectamente circular en medio de ángulos acerados, es efectivamente una evocación de la muerte: «…la única cosa que quedaba con vida era la mirada. El resto, la cabeza que se transformaba en cráneo, se convertía más o menos en el equivalente al cráneo de un muerto. Texto tomado del Dossier de Prensa editado con motivo de la exposición “Giacometti el hombre que mira” Fundación Canal en  Madrid 2015.

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Semejanza y proporciones. Mural trasladado a lienzo.
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La familia y los amigos del artista fueron sus modelos preferidos, en particular su hermano Diego, al que reprodujo en numerosas esculturas, pinturas y dibujos.

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– ¿Esculpe usted por los ojos? – Por los ojos. Únicamente por los ojos. Tengo la impresión de que si consiguiera copiar un ojo, aunque solo fuera un poquito, tendría la cabeza completa. Sí, sin ninguna duda. Lo único es que eso parece completamente imposible. ¿Por qué? ¡No tengo ni idea! – ¿Podría decirse, Giacometti, sin exagerar, que sus esculturas de cabezas tienen como único objetivo sostener la mirada, intentar comprenderla y circunscribirla? – No pienso directamente en la mirada, sino en la propia forma del ojo… en la apariencia de la forma. Si captase la forma del ojo, el resultado sería algo que se parecería a la mirada. Sí, tal vez todo el arte consiste en conseguir situar la pupila… La mirada está hecha por el entorno del ojo. El ojo siempre tiene un aspecto frío y distante. Lo que determina el ojo es el contenedor. Pero la dificultad para expresar realmente ese “detalle” es la misma que hay para traducir, para comprender el conjunto. Si yo lo miro a usted de frente, me olvido del perfil. Si miro el perfil, me olvido de la cara. Todo se vuelve discontinuo. El hecho está ahí. Nunca consigo captar el conjunto. ¡Demasiadas etapas! ¡Demasiados niveles! El ser humano se vuelve complejo. Y, en ese sentido, ya no consigo aprehenderlo. El misterio se espesa sin cesar desde el primer día… Fragmento de entrevista con André Parinaud, 1962.

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Cabeza que mira. 1929. Yeso recubierto Con Un agente de desmoldeo, Los Rastros de lápiz, 40 x 36,4 x 6,5 cm. Fundación Alberto y Annette Giacometti, París. © Alberto Giacometti Raíces (Fondation Giacometti, París + ADAGP, Paris)

En ese momento  de vanguardia la escultura intenta librarse de su condición de estatua. Giacometti comienza entonces a mirar en su interior, lo que le lleva a influirse por el arte primitivo, muy vigente en todos los movimientos de vanguardia, y por la escultura antigua de Egipto, Summer y la civilización de las Cícladas. Realiza en este momento una parte de su obra que podemos denominar como objetos surrealistas como la Cabeza de 1927 (1) que sólo posee dos leves incisiones una vertical y otra horizontal para formar en nuestra mente la idea de un rostro, recuerda además de al arte tribal africano a la obra de un genio como Brancusi.

El aspecto escultórico de Giacometti lo abordaremos si es posible en otra nueva entrada.

Quiero cerrar este breve apunte con una obra pictórica, como dejando una pincelada de la innumerable actividad creadora de este extraordinario artista: Annette en el estudio 1961.

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Annette en el estudio, 1961. Óleo sobre lienzo 136x97cm. Museo Kunsthalle, Hamburgo, Alemania.

Annette no sólo fue la esposa de Alberto Giacometti, también fue su modelo para innumerables pinturas y esculturas. Esta obra no es un retrato al uso, sino más bien un dibujo pintado, monocromático salvo por una cálida zona de ocre en la pared del fondo.

Giacometti pintó a su esposa sentada, distorsionando drásticamente la perspectiva tradicional; Las piernas y los pies de Annette están muy cerca y el espectador retrocede en su mirada en profundidad hacia sus manos y su torso, y finalmente a su cabeza. La distancia entre las rodillas y la cabeza se muestra exagerada, ya que esta última parece flotar sobre los hombros.

Füssli, Johann Heinrich

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Artista: James Northcote (1746-1831); Retrato de Henry Füssli, Fecha 1778; Óleo sobre lienzo, 77,8 × 64,5 cm. National Portrait Gallery.

Johann Heinrich Füssli (Zúrich 1741-Putney Hill, cerca de Londres, 1825), hijo del pintor Joan Caspar Füssil, se dedicó desde su primera juventud a la literatura y a la ilustración. En un principio se orientó hacia la Teología, pero en 1763 tuvo que abandonar Zurich por motivos políticos. Al año siguiente se estableció en Inglaterra. Hasta 1768 se dedicó a escribir, y sólo más tarde se interesó por la pintura bajo la influencia de Joshua Reynolds; de 1770 a 1778 estudió Bellas Artes en Italia. En 1799 ingresó como miembro en la Royal Academy, y alcanzó el rango de inspector en 1804. Su clasicismo romántico manifiesta la influencia de Miguel Ángel, del manierismo y de modelos literarios. Intensificó sus escenas teatrales, llenas de fantasía, mediante formas muy rítmicas y cargadas de tensión, así como a través de dramáticas figuras en movimiento.

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Füssli, autorretrato, 1790. Victoria and Albert Museum, Londres

Temáticamente, pese a su establecimiento en Inglaterra, Füssli representa un sentido del romanticismo plenamente alemán: su mundo nocturno y terrorífico es paralelo al del «romanticismo oscuro» de Novalis, Hölderlin, Jean Paul y Hoffmann. Todo ello sitúa a Füssli como una figura fundamental para la transición entre el neoclasicismo y el romanticismo, y como uno de los artistas pioneros en la exploración de lo irracional, hecho por el que algunos historiadores del arte lo comparan con Goya. Aunque poco después de su muerte su obra cayó en un relativo olvido, su figura fue reivindicada por los expresionistas y surrealistas, que lo consideraron un predecesor.

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Henry Füssli por Edward Hodges Baily, 1824, National Portrait Gallery, London.

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Titania acaricia a Bottom, 1793-1794 (1)

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Titania acaricia a Bottom, 1793-1794. Óleo sobre lienzo, 169x135cm. Kunsthaus, Zúrich.

Füssli reprodujo en numerosas ocasiones secuencias de la obra de Shakespeare El sueño de una noche de verano. En este cuadro el pintor plasma el momento en el que el rey Oberón se venga de su esposa Titiana, con la que se había peleado. Por medio de un encantamiento, logró que ella se enamorara del primer hombre que le saliera al paso, y a la víctima, un tejedor, le puso cabeza de asno para que todo el mundo se burlara de su amor. Füssli incrementa la teatralidad de esta absurda situación mediante la incorporación al lienzo de diversos seres imaginarios y con una reproducción muy realista de los personajes principales. El detalle de la siguiente imagen se centra en el amor ciego, como el que brinda Titania al monstruo, que en su parte inferior muestra la apariencia más bien grotesca y ajena del tejedor. Esta contradicción le sirve para hacer hincapié en la parábola de los efectos de los hechizos.

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Tatiana y Bottom, 1790 (2)

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Henry Füssli, Titania y Bottom, 1790. Óleo sobre lienzo, 217,2×275,6cm. Tate Britain.

La Pesadilla (El Incubo), 1781 (1)

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Johann Heinrich Füssli, 1781. Óleo sobre lienzo, 101 cm × 127 cm. Detroit Institute of Arts, Detroit, Estados Unidos.

Füssli hizo esta obra, probablemente,  inspirándose en el Sueño de Hécuba de Giulio Romano.  En él vemos una mujer dormida poseída por un íncubo, demonio que se presenta en sueños de tipo erótico, apareciendo en segundo plano la cabeza de un caballo de aire fantasmal que contempla la escena. La fisonomía de la mujer pintada corresponde a Anna Landoldt, sobrina de su amigo Johann Caspar Lavater, por la que el pintor sentía una gran pasión. Cabe remarcar que en el reverso del cuadro figura una composición titulada Retrato de una mujer joven, posiblemente Anna.

Es una de las obras más emblemáticas de este pintor, reflejando los temas preferidos a lo largo de su obra: satanismo, horror, miedo, soledad, erotismo. Füssli recrea en esta obra un mundo nocturno y teatral, con fuertes contrastes lumínicos, que inspirará toda la imaginería satánica del siglo XIX. Su título en alemán, Nachtmahr, era el nombre del caballo de Mefistófeles.

La Pesadilla (El Incubo), 1781 (2)

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Henry Fuseli. La pesadilla, entre 1790 y 1791. Óleo sobre lienzo, 77 cmx64 cm. Casa de Goethe

En esta otra Pesadilla (1790-1791) muestra a la mujer desde un punto de vista oblicuo. Predomina la contorsión, el desorden, y se subraya la voluptuosidad de ella. De nuevo el trasgo o íncubo indica la posesión demoniaca sexual y pierde, hasta cierto punto, su carácter pecaminoso anterior para producirnos una mezcla de atracción y repugnancia. Esa ambivalencia está presente en la máxima de Baudelaire Yo soy el cuchillo y la herida.

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Henry Fuseli. La pesadilla, entre 1790 y 1791. Óleo sobre lienzo, 77 cmx64 cm. Casa de Goethe
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Travesura, 1781

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Henry Füssli. La muerte de Dido (Travesura), 1781; Óleo sobre lienzo, 244,3×183,4cm. Yale Center for British Art.

Virgilio: La muerte de Dido

Eneida IV, 692 – 705

“…. buscó en el cielo de luz, y se quejó de encontrarlo.

Entonces poderosa Juno, por piedad de dolor a largo

y un alma difíciles de morir, enviado Iris para desenlazar la

de la lucha en sus extremidades anudadas, locos

por el dolor, ardor de dolor antes de su hora.

Y puesto que no se trataba de la muerte merecida o predestinado,

Proserpina aún no había cortado con tijeras un mechón de pelo rubio,

ni asignado a la reina a su estación de debajo.

Por lo tanto, cubierto de rocío, el azafrán de alas Iris, detrás de una oleada

de colores opuestos al sol, a través del cielo,

posa junto a la cabeza de Dido. “Santificaré

este símbolo para Dis y se suelta de su carne,”

ella habla, y se agarra y cizallas una trenza. Y aquí —

calor mengua en nada, se desvanece la vida y adelgaza al aire.”

Tekemessa y Eurysakes, entre 1800 y 1810

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Henry Füssli; Tekemessa y Eurysakes, entre 1800 y 1810. Óleo sobre lienzo, 1038 cmx 82,9 cm. Yale Center for British Art.

TeKemessa era la hija de Teutrante, rey de Teutrania en Misia , o Teleutas, rey de Frigia . Durante la guerra de Troya, Telamonian Ajax mata al padre de Tekemessa y la toma cautiva; su razón para hacerlo, puede haber sido, la que en el siglo primero antes de Cristo el poeta romano, Horacio , escribió: Ajax fue cautivado por la belleza de Tecmesa. (Ver más en los Mitos de Robert Graves.)

Theodore se reúne en la madera con el fantasma de su antepasado Guido Cavalcanti, 1783

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Henry Füssli;. Óleo sobre lienzo, 276cmx317cm. Museo Nacional de Arte Occidental. Tokyo.

Pintado dos años después de La pesadilla, este trabajo puede ser considerado uno de los más grandes de sus primeras obras. Füssli cita con frecuencia en las obras de estos autores británicos como Shakespeare, y este trabajo se inspira en el poema de Dryden Teodoro y Honoria, una adaptación de la “historia del degli Onesti” de Decamerón de Boccacio. La escena de Theodore y Honoria, que se muestra aquí, cuenta la historia de Teodoro, un joven de Rávena, que, rechazada por una fría recepción de su amada Honoria, se dispone a caminar a través de los bosques en el borde de Rávena. Allí se encuentra con el fantasma del suicidio Guido Cavalcanti, que también había sido recibida con frialdad por su amante.

Ezzelin y Meduna, 1779

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Henry Füssli; Ezzelin y Meduna, 1779; Óleo sobre lienzo, 45,7 cmx50,8 cm. Museo de Sir John Soane.

El conde Ezzelin Bracciaferro  -“Brazo de hierro”- reflexionando sobre el cadáver de su esposa Meduna asesinada por él por deslealtad durante su ausencia en Tierra Santa haciendo Las Cruzadas.

Edipo acusando a su hijo Polínices, 1776-1778

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Edipo maldiciendo su Hijo, Polinices, por Henry Fuseli, 1786, pintura británica, óleo sobre lienzo.

Pintura dramática de Henry Fuseli, representa el clímax de tensión de Edipo en Colono, un drama de Sófocles. Auto-ciego Edipo Rey, condena a su hijo, a morir. Las alusiones al enfrentamiento padre-hijo son constantes. Aquí Edipo, con los brazos extendidos, maldice a su hijo Polínices, que frena el brazo de su progenitor para evitar dicha maldición.

Ambos personajes forman una composición en aspa reforzada por el eje que forman las mujeres: no se reflejan lo masculino y lo femenino en un ámbito doméstico, sino en una tragedia griega y las figuras no aparecen en un espacio abarcable, sino sobre ese fondo irracional y nocturno que tanto interesaba a Füssli.

Las figuras, otra vez, son alargadas; sus expresiones, tremebundas, y utiliza el pintor una luz manierista de pálpito luminoso difuso que hace que las figuras parezcan fosforescentes.

El hombro desnudo de la hija de Edipo llorando sobre el muslo de su padre ofrece un erotismo de carácter fantasmal. Mediante distorsiones, se exageran los rasgos y miembros de los personajes en una manipulación de lo corporal que rompe todo canon y supone un latigazo erótico, expresivo por sus excesos. Füssli da misterio a una imagen nueva.

Ariadna Observación de la lucha de Teseo con el Minotauro, 1815-1820

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Henry Füssli; Ariadna Observando la lucha de Teseo con el Minotauro; Dibujo, 1815 a 1820; Técnica mixta: aceite, gouache blanco, tiza blanca, goma y grafito sobre papel lavado beige. 61,6 cmx50,2 cm. Yale Center for British Art.

En la mitología griega, Ariadna (en griego Ἀριάδνη, de la forma greco-cretense arihagne, ‘la más pura’) era hija de Minos y Pasífae, que eran los reyes de Creta que atacaron Atenas tras la muerte de su hijo Androgeo. A cambio de la paz, los atenienses debían enviar siete hombres jóvenes y siete doncellas cada año para alimentar al Minotauro. Un año, Teseo, hijo de Egeo, rey de Atenas, marchó voluntario con los jóvenes para liberar a su pueblo del tributo.

Copa de Esón (c. 425–410 a. C., M.A.N., Madrid) en la que Teseo arrastra al Minotauro desde un laberinto parecido a un templo.

Ariadna se enamoró de Teseo a primera vista, como otros personajes femeninos que ayudaron a provocar el nuevo orden (un mitema que fue caracterizado como «de los desertores» por Ruck y Staples), y le ayudó dándole un ovillo del hilo que estaba hilando o, según otras fuentes, una corona luminosa para que pudiese hallar el camino de salida del Laberinto tras matar al Minotauro. Ariadna huyó entonces con Teseo, pero según Homero «no pudo lograrla, porque Artemisa la mató en Día, situada en medio de las olas, por la acusación de Dioniso».3 Homero no explica la naturaleza de la acusación de Dioniso.

En Hesíodo y la mayoría de las demás fuentes, Teseo abandonó a Ariadna dejándola dormida en Naxos y Dioniso la redescubrió y se casó con ella. Con él fue madre de Enopión, Toante, Estáfilo y Pepareto. La corona que recibió Ariadna como regalo de bodas fue ascendida a los cielos como la constelación Corona Borealis.

Ariadna permaneció junto a Dioniso hasta que más tarde Perseo combatió contra Dioniso en Argos y mató a Ariadna al petrificarla con la cabeza de Medusa o tras arrojar una lanza que iba dirigida a otro guerrero. En otros mitos Ariadna se ahorcó tras ser abandonada por Teseo. Sin embargo Dioniso descendió al Hades y la trajo de vuelta junto con su madre Sémele. Juntos se unieron entonces a los dioses del Olimpo. Ref: Wikipedia.

Escena de las brujas, de “La máscara de Queens”, de Ben Jonson, 1875

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Henry Fuseli; Escena de las brujas, de “La máscara de Queens”, de Ben Jonson, 1785. Óleo sobre lienzo, 762 cmx87,6 cm.Yale Center for British Art.

Percival liberando a Belisane del encantamiento de Urma

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Henry Fuseli; Percival liberando a Belisane del encantamiento de Urma; Óleo sobre lienzo, 991 cmx1.257 cm. Tate Britain.

En Percival liberando a Belisana del encantamiento de Urma (1785), el suizo contrapuso lo nórdico y lo mediterráneo. Hasta entonces la mitología nórdica era conocida pero despreciada, ahora el mundo gótico y nórdico viven en plena pujanza. Las figuras son, como siempre, alargadas, y sus gestos exacerbados; la escena es terrible y nocturna, presidida por la dualidad amor-muerte.

El sueño de Belinda, 1780-1790

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Henry Fuseli; El sueño de Belinda, 1780-1790. Óleo sobre lienzo, 100,5 × 125,5 cm. Vancouver Art Gallery

Por su parte, en El sueño de Belinda (1780-1790), el pintor toma a Shakespeare como fuente, al Shakespeare más mágico y nocturno. Incorpora extraños seres de apariencia fantasmal y adopta el muy romántico tema del sueño, representando figuras entre monstruosas e imaginarias surgidas de mitologías distintas a la clásica.

Belinda tumbada recuerda a las Venus dormidas, pero el sueño (estado de suspensión de la conciencia) lo identifica Füssli con la pesadilla, el tormento y lo sublime –ya decía Goya que producía monstruos.

Lady Macbeth Con Los Puñales, 1812

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Henry Fuseli; Lady Macbeth Con Los Puñales , 1812. Óleo sobre lienzo, 101,6 cmx127 cm. Tate Britain, Londres.

De 1812 data otra escena nocturna y fantasmagórica de Füssli basada en el Macbeth de Shakespeare. Lady Macbeth incita a su esposo a asesinar al rey, y él termina haciéndolo, pese a sus primeras dudas, antes de entrar en una espiral de enajenación y violencia. Aquí Lady Macbeth le pide que no haga ruido.

Lady Macbeth sonámbula, 1784

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Lady Macbeth sonámbula, 1784. Óleo sobre lienzo, 211x160cm. Museo del Louvre, París.

Los dramas de William Shakespeare fueron la fuente de inspiración más importante de Füssil en los inicios de su carrera. En esta obra presenta una escena del cuarto acto de Macbeth, con una acentuada teatralidad. Füssli pintó con frecuencia visiones fantasmales y terroríficas, con las que intentaba captar de forma expresiva el subconsciente humano.

Falstaff en la cesta de la ropa. 1792.

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Henry Fuseli; Falstaff en la cesta de la ropa, 1792. Óleo sobre lienzo, 137 × 170 cm. Kunsthaus de Zurich.

El Silencio, 1799-1801

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Henry Fuseli; El Silencio, 1799-1801; Óleo sobre lienzo, 63,5 × 51,5 cm . Kunsthaus, Zürich.

La Noche-Hag Visita las brujas  de Laponia, 1796

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La Noche-Hag Visita las brujas de Laponia, 1796

La visión de Catalina de Aragón,  1781

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La visión de Catalina de Aragón, 1781

La visión de Catalina de Aragón (RA 1781) es una pintura de historia se cree que está inspirado en Shakespeare Rey Enrique VIII, acto IV, escena II. En este momento de la obra, Katherine acaba de pedir a su asistente, Griffith para decirle sobre la muerte del cardenal Wolsey. Aunque Katherine detesta Wolsey por su gran ambición, su aceptación de sobornos de favores eclesiásticos, y sus acciones duplicidad, el elogio de Griffith ha hecho Katherine le deseamos la paz en el más allá. Después de su conversación con Griffith, Katherine se duerme y tiene una visión.

El sueño del pastor, 1793

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Henry Fuseli; El sueño del pastor, 1793. Óleo sobre lienzo, 154,5 cmx215,5 cm. Tate Britain .

Sin intercesión entre Satanás y la muerte, 1799-1780.

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John Henry Fuseli; Sin intercesión entre Satanás y la muerte, 1799-1800. Óleo sobre lienzo, 67,31 x 58,42 cm. Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.

El juramento de Rütli (1780)

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Henry Fuseli, El juramento de Rütli (1780); Óleo sobre lienzo, 267 × 178 × 105,1 cm. Deutsch: Kunsthaus, Sammlung, Zürich.

En El juramento de Rütli (1780) reconstruye Füssli un episodio histórico de la Confederación Helvética, un tema de carácter nacional, elemento muy característico del Romanticismo. El género de la pintura de historia es el género mayor de la pintura occidental moderna, por la trascendencia tradicional de su contenido, protagonizado por figuras legendarias.

Un pintor tan moderno como Füssli lleva a cabo pinturas sublimes de ruinas o temas históricos nacionales como este empleando figuras de aspecto vigoroso y alargado características del Manierismo. Los cuerpos son exageradamente musculados y monumentales, de gran energía física. También es un rasgo manierista el espacio irracional: el fondo neutro que palpita con la luz que procede del fondo e impide ubicar racionalmente las figuras. Sabemos que nos encontramos en un exterior y en un paisaje, pero no lo vemos, no sabemos si la iluminación es natural o sobrenatural.

Vemos la obra de abajo arriba, como es propio, también, del Manierismo, lo que da un carácter aún más alargado a las figuras.

El episodio remite a una conspiración, un juramento con intención política (revolucionario, porque jurar había sido siempre un signo sagrado de consagración al martirio y aquí su intención es secular). Quien jura levanta los brazos en un lenguaje gestual que transforma, por tanto, signos de carácter religioso en signos paganos.

La obra refleja las ideas liberales de Füssli, por las que acabaría en el exilio.

El artista desesperado ante la grandeza de las ruinas antiguas (1778-80)

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Henry Füssli; El artista desesperado ante la grandeza de las ruinas antiguas (1778-80), 415 mm x355 mm. Kunsthaus, Zúrich.

En El artista desesperado ante los fragmentos de una ruina clásica (1770-1780) retrató con elocuencia a un artista desnudo, de gesto melancólico, que remite al Manierismo. A Füssli le interesó la desestabilización del Renacimiento en el s XVI con aquel movimiento, sus figuras alargadas y el inicio de la estilización.

Hacia los maestros manieristas volvió, por tanto, su mirada, fascinado por la irrealidad y la subjetividad que manejaron. Como ellos, él alargó y deformó sus figuras en esta obra cuyo dibujo podríamos calificar de manierista; el brazo y el pie del coloso son mucho más grandes que toda la figura del artista, aplastado por esa grandeza.

Se establece una proporción desigual, como en Los viajes de Gulliver de Dafoe. Cada bloque de piedra del muro solo concertaría con un gigante.

En aquellos años, Piranesi defendía la superioridad del arte romano sobre el griego y llevaba a cabo sus igualmente sublimes cárceles: la grandeza de la Antigüedad se convertía en algo mitológico.

La escena es aparentemente clásica, pero aquí el clasicismo se nos muestra convertido en algo inaccesible y monstruoso; la melancolía del artista procede de la grandeza de las ruinas, objeto de una exaltación elegíaca.

Thor golpeando la serpiente de Midgard 1790

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Henry Fuseli; Thor golpeando la serpiente de Midgard, 1790. Óleo sobre lienzo, 133 cm x 95,6 cm. Real Academia de Artes Colecciones , Londres.

En esta pintura, Fuseli se centró en el macho desnudo heroico, respondiendo tanto a las estipulaciones académicos, que dan prioridad a los expertos en el tratamiento de tales figuras, y el culto de primitivismo, que encontró su expresión a través de la re-evaluación de las fuentes literarias antiguas , particularmente fuerte en este periodo. Esta pintura fue el precursor en el trabajo de una serie de pinturas y dibujos que ilustran poetas nórdicos y leyendas de Fuseli.

Esta pintura de Fuseli fue el trabajo de Diploma, presentado a la Real Academia de las Artes por su elección como académico completo en 1790, en respuesta a la exigencia de que una vez elegido un académico real debe presentar una obra, representativa de su obra a la colección de la Academia. Esta pintura es un buen ejemplo de temas favoritos de Fuseli basado en la mitología de hadas sobrenatural y la superstición demoníaca. Se ilustra un episodio de las sagas de Islandia de la Edda anciano que se conoce en Inglaterra desde la traducción de PH Mallet de Thomas Percy Introducción a l’histoire du Dannemarc, (1755) publicado como Norte Antiquitie s en 1770 (II, p. 134ff.).

La Soledad en el amanecer 1794-1796

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Henry Fuseli; La Soledad en el amanecer 1794-1796.Óleo sobre lienzo, 95 × 102 cm. Deutsch: Kunsthaus, Zürich.

Desnudo echado mientras una mujer toca el piano (1800), Colección Ganz, Chicago.

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Henry Fuseli; Desnudo echado mientras una mujer toca el piano (1800), Colección Ganz, Chicago. Óleo sobre lienzo, 71 × 99 cm. Kunstmuseum de Basilea.

Ibn Al-Jatib: el último gran ulema y médico de Al-Ándalus; El tratado sobre la Peste y La salud en las estaciones del año.(I)

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La Alhambra (Granada), vista desde el Sacromonte. Fotografía: C. R. Ipiéns

Breve reseña biográfica

Ibn al-Jatib (1313-1375) nació en la localidad granadina de Loja el 15 de Noviembre de 1313. De familia acomodada yemení de la tribu de Salman, que se asentó en la península ibérica (Córdoba) en el siglo VIII, tras la conquista árabe. Llegó a Granada donde desempeñó destacables funciones políticas como la de jefe de la Secretaría Real, ministro y mandatario militar, primero en la corte nazarí de Yusuf I y posteriormente durante el mandato de su hijo Muhammad V, con quien tuvo una estrecha relación. Con este sultán también ejerció como historiador, visir (tras la muerte del visir Ibn al-Yayyab) y diplomático en importantes misiones, destacando la realizada en la corte meriní de Abu Inan Faris (1331-1358, sultán de Fez y Marruecos), donde marchó para solicitar el apoyo de este príncipe contra las armas extranjeras de los castellano-leoneses. Gracias a una virtuosa petición poética frente al príncipe, gozó de su admiración y de altos favores siendo además elevado al cargo de doble visir en la corte nazarí.

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Ibn al-Jatib, Obra Pública | César de las Heras – El Expurgatorio.

Abu ‘Abd Allah Mwhammad ibn Sa’id ibn al-Jatib Lisan ad-Din as-Salmani, que así se llamaba, es -con mucho- el autor más biografiado por la historiografía moderna y contemporánea. Recibió su primera educación de la mano y el conocimiento de su padre -y de otros eruditos de la época-, haciendo el tradicional aprendizaje primario, compuesto de la enseñanza de las ciencias del Islam, gramática , poesía y ciencias naturales.

Ya en Granada, ciudad a la que se trasladaron sus padres, Ibn al-Jatib (el hijo del predicador) hizo sus estudios bajo la dirección de sus más importantes educadores, cultivando las ciencias filosóficas y adquiriendo importantes conocimientos en medicina. Gran aficionado a las letras, nuestro personaje desarrollaría una excelente habilidad literaria, evidenciando grandes dotes como poeta y epistológrafo.

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De Ibn al-Jatib se conservan los poemas que realizó para las dos tacas del arco central del Salón de Comares, ambos escritos en primera persona del singular femenino (como si la propia taca hablara) honrando al sultán Muhammad V y al lugar donde están.

En la taca de la derecha del arco se desarrolla uno de los poemas, escrito en los tres frisos que la enmarcan:

Con mis alhajas y mi corona a las más bellas aventajo,

y hasta mí descienden los astros del zodíaco.

El jarrón del agua parece en mí un devoto

de pie ante la alquibla del mihrab orando.

Mi generosidad en todo momento

sacia la sed y atiende al necesitado.

Es como si yo tomara los beneficios de la dadivosidad

de la mano de mi señor Abu l-Hayyay.

Luna llena permanezca él brillando en mi cielo

como en las tinieblas resplandece el plenilunio”

Y en la taca de la izquierda, también en diez estrofas y en sus tres frisos correspondientes, otro diferente:

Los dedos de mi artífice mi tejido bordaron

después de engarzar las joyas de mi corona.

A un trono nupcial me asemejo, incluso lo supero,

y a los novios la felicidad aseguro.

Quien a mi viene quejándose de sed,

mi fuente le da agua dulce, clara y sin mezcla.

Soy como cuando aparece el arco iris

con el sol de nuestro señor Abu l-Hayyay.

Que siga siendo lugar de reunión protegido,

mientras la casa de Dios reúna peregrinos.”

 

Nicho o taca. Marmol y yeso- Patio de los Arrayanes - Alhambra Granada Spain. Con poema de Ibn al-Jatib. Siglo XIV
Nicho o taca. Marmol y yeso- Patio de los Arrayanes – Alhambra Granada Spain. Con poema de Ibn al-Jatib. Siglo XIV

Fue profesor y tuvo un papel muy importante en la construcción de dos de los edificios más importantes de su tiempo: el Maristán, primer hospital islámico del que se tiene noticias y del cual el Museo de la Alhambra conserva varias piezas muy destacadas; y la Madraza, universidad donde probablemente ejerció como profesor.

Paralelo a su vida política, Ibn al-Jatib fue un gran polígrafo que escribió más de 60 obras de diversas disciplinas: poesía, jurisprudencia, crónicas, farmacología o medicina, destacando en ésta última su tratado de higiene  (que será objeto de esta publicación), muy avanzado a su tiempo, y su tratado sobre la peste y las consecuencias del contagio. Defendió la idea del aislamiento de los enfermos y la eliminación del vestuario y de las sabanas de estos, algo que se defendió y fomentó posteriormente en el S. XIX.

Este médico, poeta, escritor, historiador, filósofo y político, dejó en España (Al-Andalus en su época) en general y en Granada en particular un valioso legado intelectual del que entresacamos en esta publicación su aportación a la ciencia de la medicina.

Se le ha calificado justamente como el último gran ulema, historiador y científico de la historia de Al-Ándalus, ya que tras su muerte y hasta la definitiva conquista cristiana de Granada no hay ninguna figura que pueda equiparársele ni en su valía como intelectual ni en su influencia política y social.

Para una más amplia reseña biográfica, puede consultarse:

“Avenzoar, Averroes e Ibn Al-Jatib, Médicos de Al-Ándalus, perfumes, ungüentos y jarabes por Cristina de la Puente, en la editorial NIVOLA”.

“Saber y poder en al-Andalus. Ibn al-Jatib (s. XIV)”, ha sido editado por los miembros del Grupo Ciudades Andaluzas bajo el Islam (HUM 150) María Dolores Rodríguez Gómez, Antonio Peláez Rovira, y Bárbara Boloix Gallardo (Córdoba, El Almendro-Biblioteca Viva de al-Andalus. Fundación Paradigma Córdoba).

“El último Hayib de la Alhambra (Memorias de Ibn Al-Jatib, Antonio Rodríguez Gómez, Edt. Port Royal”.

Webgrafía

Página WEB de la Fundación Ibn Al-Jatib; en esta página puede encontrarse una buena base bibliográfica sobre Ibn Al-Jatib.: http://www.ibnal-jatib.org/

Wikipedia: https://es.wikipedia.org/wiki/Ibn_al-Jatib

Legado Nazarí: http://legadonazari.blogspot.com.es/2013/11/ibn-al-jatib.html

Ruta de Ibn Al-Jatib y otros: http://www.legadoandalusi.es/fundacion/principal/rutas/ruta-ibn-aljatib

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Una cura en público: Un médico atiende a una persona herida en la espalda mientras lo contempla una multitud. Miniatura perteneciente a las Maqamat de al-Hariri. Siglo XIII.

Ibn Al-Jatib Médico

En la Granada Nazarí se produjo una decadencia considerable del interés por las ciencias de los antiguos, que no tuvo lugar en otras ramas del saber pertenecientes a las ciencias religiosas. El número de sabios dedicados a astronomía matemáticas o filosofía en los dos últimos siglos de la historia de Al-Ándalus fue muy inferior al que había existido en épocas pretéritas. A pesar de esto en los estudios médicos hubo continuidad y puede afirmarse que fue esta ciencia la que mejor parada salió del imparable retroceso territorial y del aislamiento del reino.

Se conserva sobre todo textos de médicos empíricos de gran valor documental, pero que contrastan con la obra erudita de Ibn Al-Jatib. Éste se destaca en su tiempo por la composición de una medicina libresca en la línea de lo que había sido la medicina hasta comienzos del siglo XIII, aunque sin el carácter innovador y descubridor de aquella. Puede mencionarse al médico Muhammad al-Shafra por ser el autor de la segunda obra sobre cirugía escrita en Al-Ándalus, ya que desde el siglo X en que Abulcasis redactó la suya, ningún autor había dedicado una monografía al tema.

La cirugía conoció un notable desarrollo en el mundo islámico. Abajo, instrumental dibujado en una copia manuscrita de al-Tasrif, del andalusí Abulcasis, uno de los grandes cirujanos de todos los tiempos.

Su maestro en Medicina más conocido fue el filósofo Ibn Hudayl que desempeñaba el oficio de médico del sultán y que al final de su vida enseñó en la Madraza. Ibn Al-Jatib tuvo ocasión de estudiar con él y dejó testimonio escrito de lo que supuso una figura del peso intelectual de Ibn Hudayl en un momento de ausencia de grandes pensadores como el que se vivía en al-Ándalus a comienzos del siglo XIV. Ibn Al-Jatib es consciente del papel como transmisor de ciencia que desempeñó este personaje entre las generaciones anteriores y la suya. Asu lado dice haber aprendido también geometría, aritmética (Matemáticas) y astronomía aunque fueron disciplinas a las que Al-Jatib no dedicó después un esfuerzo personal.

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Instrumental quirúrgico. Abulcasis.

Los lugares: La Madraza y el Maristán

La fundación de la Madraza ha de ponerse necesariamente en relación con la creación del primer hospital de Al-Ándalus al que necesariamente hay que hacer referencia al estudiar la labor médica de Ibn Al-Jatib. Las funciones que cumplían madrazas y hospitales no eran nuevas, ya que  habían sido suplidas anteriormente por medio de otros sistemas sociales. En el primer caso mediante una tupida red de maestros y discípulos que ejercían la enseñanza en la mezquita o en sus propios domicilios y en el caso de los hospitales, a través del beneficio general que proporcionaban las farmacias de los alcázares.

Las instituciones de la Madraza y el Maristán, u hospital, habían nacido siglos antes en oriente y durante el siglo XIV se difundieron enormemente en el norte de África. Su fundación en Al-Andalus está relacionada con la imitación que se hacía en la Granada nazarí de este periodo de las decisiones políticas y administrativas que se tomaban en la corte meriní. Cabe destacar las dos diferentes orientaciones de la Madraza y el Maristán ya que mientras que la primera se dirigía a estudiantes de todos los estratos sociales, el hospital o Maristán se consideraba benéfico y se construyó pensando en los grupos sociales más desfavorecidos, quienes no podían acceder a las consultas privadas de los médicos. También se concibió como lugar de aislamiento de enfermedades infecciosas que solían ser endémicas entre los pobres.

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La Madraza, una escuela universitaria de ciencias en la granada nazarí.

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Fachada actual del Palacio de la Madraza. Granada. Fotografía: C. R. Ipiéns

El año en que Ibn Al-Jatib alcanza el visirato es también la fecha de fundación de la mencionada Madraza de Granada. Parte de su edificio se conserva todavía, hoy restaurado próximo a la lo que fue la antigua mezquita aljama de la ciudad, en la calle de los Oficios frente a la Capilla Real.

La Medicina de época nazarí recoge el testigo de la que se enseñó en época califal en Córdoba y en los Reinos de Taifas entre Zaragoza, Valencia y Almería.  Todo el saber científico se traslada a Granada,  y alcanzará su punto culminante en el siglo XIV bajo Yusuf I y  Muhammad V  que patrocinaron la construcción del único hospital público en la Granada nazarí y la Madraza, especie de Universidad donde se enseñaban ciencias y religión. Ambas funcionaron hasta una fecha tan tardía como 1492 e incluso tiempo después del edicto de Cisneros para los mudéjares (1502).En el caso de los médicos nazaríes, su formación se realizaba en la Madraza (del árabe Madrasa, escuela) que equivaldría hoy en día a una Escuela Universitaria o propiamente Universidad concentrada en un único edificio. Según Ibn al-Játib en el siglo XIV había en el reino otras dos más: en Málaga y Ceuta, pero de fundación privada. También esa formación podían llevarla a cabo mediante lecciones privadas de manos de un médico insigne.

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Ventanal en el Palacio de la Madraza. Granada. Fotografía: C.R. Ipiéns

El edificio,  del que como hemos dicho anteriormente,  nos han quedado restos, se construyó entre 1340 y 1349 a instancias del visir Reduán b. Abd Allâh aunque su construcción efectiva lo fue con Yusuf I. Se la conoció en árabe como Madrasa Yusufiyyah o Nasriyyah.  Se sufragaba su mantenimiento por musulmanes donantes y por rentas propias (procedentes de los beneficios que daban una tienda, tierras de labor y un sitio que suministraba agua) que pagaban los gastos de estancia y clases a alumnos y maestros.

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Oratorio de la Madraza. Detalle.
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Oratorio de la Madraza. Detalle.

En la Madraza enseñaban diversas disciplinas: Teología, Derecho Islámico, así como medicina, cálculo, álgebra, geometría, mecánica y astronomía.  En el caso de la medicina, los maestros dispensaban a los estudiantes una enseñanza teórica y práctica, basada en la observación clínica de pacientes del Maristán y sancionada por la redacción de una tesis y la obtención del reconocimiento del maestro (iyâza) previo examen que permitía ejercer la medicina.  En algunos casos, para estar seguros de la pericia del médico, se requería un testimonio por escrito, de los pacientes que había tratado y curado; una iyâza expedida en el Albaicín granadino, en 1496, a Abul Hassan Alí b. Muhammad, especifica que fueron llamados a testificar antiguos pacientes atendidos por él.

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Fresco en el muro de uno de los patios del Palacio de la Madraza (Granada). Fotografía: C.R. Ipiéns

El Maristán (Hospital) de Granada

La medicina práctica tuvo que vivir un momento de renovación con la fundación de un hospital –Maristán- en Granada en tiempos del sultán Muhammad V, en los últimos años de residencia de Ibn Al-Jatib en la corte nazarí. El edificio fue construido entre 1365 y 1367, tal y como reza su lápida fundacional, en la que además se asevera que nunca antes hubo una institución similar en Al-Ándalus.

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Lápida fundacional del Maristán de Granada. Museo de la Alhambra.

Todavía se conservan sus ruinas, aunque en un estado lamentable, en la orilla del Darro, junto al puente del Cadí. El hospital fue edificado con fines benéficos, destinado a los enfermos pobres del reino. Comenzó siendo un lugar destinado a curar todo tipo de dolencias, y debía de tener  una estructura muy parecida a los conocidos en el norte de África en aquel momento: salas para pacientes de distinto sexo consultorios y lugares de estudio para los médicos aprendices. Con el tiempo, el hospital de Granada sufrió una evolución parecida a la de los maristanes orientales y terminó convirtiéndose en un manicomio a finales del siglo XV.

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Maristán Nazarí (Granada)

Fue el primer manicomio europeo asistiendo a los enfermos mentales, adelantándose en cuarenta años al Bethlem Hospital de Londres, fundado en 1403, y al del Padre Jofré de Valencia, de 1409, que siempre han sido considerados los primeros.

El Maristán granadino disponía una plantilla de siete médicos o tabib: cuatro especialistas divididos en cuatro secciones (fiebres, demencias, ulceras e incurables) y otros tres que además de atender a los pacientes ingresados, recibían a enfermos sin recursos en el ambulatorio, que sólo abonaban escasos mizcales, mientras que los ingresados no debían pagar nada, aunque no era fácil recibir el ingreso. El hospital se financiaba por las continuas donaciones económicas o la sadaqa, además de percibir parte del zakat del reino, un impuesto obligatorio que era destinado a limosnas.

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Dibujo de la portada original del Maristán antes de su demolición a mediados del siglo XIX

Su disposición rectangular, formada por cuatro naves porticadas, estrechas y alargadas, contenían unas cincuenta salas, con capacidad para cuatro enfermos cada una, estando las dependencias superiores destinadas a las mujeres y las del piso bajo a los hombres. El inmueble se organizaba en torno a un patio central con una gran alberca adornada por dos leones de mármol blanco en posición sentada sobre sus cuartos traseros, labrados sin realismo, a la manera oriental y que vertían agua desde el centro de los lados mayores. Además de contar con cocinas, almacenes y lavandería, en el ala oeste, en una esquina se encontraba la sala en la que se realizaba la asistencia ambulatoria durante la mañana. Otra estancia, la jizanat al-tibb o farmacia estaba destinada a la elaboración de medicamentos para el hospital y pacientes del ambulatorio, en la que trabajaban tres agiris o drogueros: ruibarbo, achicoria y agáricos como depurativos y laxantes; sedantes como el acónito o el cáñamo y las nueces índicas; cicatrizantes y analgésicos como el nabo y el mirto.

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León surtidor que se encontraba en el patio principal del Maristán, hoy se encuentra ubicado en el Museo de la Alhambra.

Para una mayor información de este edificio, puede consultarse en formato PDF: “El Maristán Nazarí de Granada, -Análisis del edificio y una propuesta para su recuperación por Antonio Almagro y Antonio Orihuela, Escuela de estudios árabes CSIC, Granada”.  Haz clic para la descarga.

Ibn al-Jatib y su obra médica.

La obra médica de Ibn Al-Jatib que fue escrita en la madurez, no desmerece del resto de su producción intelectual en otros campos del conocimiento. Por la variedad y amplitud de los temas que trata, su labor como médico del sultán debió ser tan intensa como la de visir. Su autor además, ha sido afortunado en cuanto a la conservación de sus documentos manuscritos y en los últimos años se ha llevado a cabo una importante investigación sobre sus textos médicos, realizada en su mayor parte por Vázquez de Benito.

Puede considerarse el autor de la mayoría de las redacciones sobre medicina teórico-práctica de la época nazarí que han sobrevivido hasta la actualidad.

Un gran compendio de medicina genera lo constituye el manual llamado “Práctica del que emplea su talento médico a favor de aquél a quien ama”, también llamado “Tratado de patología general y especial”. Este compendio es un  amplio tratado de medicina dedicado sobre todo a patología y terapéutica. Es un manual de medicina con propósito recopilador, similar en la intención de su composición al “Libro de la simplificación” de Avenzoar y al “Colliget” de Averroes.

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Observación sobre el terreno, el médico visita a un paciente. Miniatura de un códice del siglo XIV perteneciente a las Maqamat, de al-Hariri. Escuela persa. Biblioteca Nacional, Viena.

Desarrollado en tres partes diferentes: la primera parte de la obra la divide en veinte capítulos en los que se van enumerando las diferentes enfermedades.  A cada patología le sigue una definición, el diagnóstico, las causas, síntomas y, por último, se describe el tratamiento médico apropiado y la alimentación adecuada, Pero además, en ocasiones el autor añade un apartado que denomina “consejos y advertencias”, donde señala aspectos esenciales a tener en cuenta y otro titulado “remedios simpáticos” en el que enumera procedimientos curativos de carácter popular, arraigados en el tratamiento de ciertas enfermedades.

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Manual para especialistas: Esta miniatura, en la que se aplica un cauterio para aliviar la migraña, corresponde a la copia de Cirugía de los ilkhanes, conservada en la Biblioteca Nacional de París; en Estambul se guardan otras dos copias de esta obra de Sharaf ed-Din.

En su enumeración de las enfermedades sigue el orden tradicional de los órganos del cuerpo, desde la cabeza hasta los pies para ocuparse después de las patologías que se producen en todo el organismo y que no afectan a una región concreta, como la fiebre, mordeduras y picaduras de animales venenosos, etc… El contenido posee de novedoso el tratamiento de la oftalmología donde ofrece adelantos respecto a lo ya conocido anteriormente. Los últimos capítulos de esta primera parte están dedicados a la higiene y a la cosmética, y además de los temas habituales, se incluyen otros originales.  Llama la atención la enumeración que hace de las bebidas alcohólicas y de su eficacia para curar determinadas dolencias, a pesar de que el Corán las prohíba terminantemente. Igualmente se refiere a ciertos narcóticos, dotados de efectos beneficiosos empleados en Al-Ándalus: el extracto de raíz de alcaparra y el lepidio de hoja larga.

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Lepidium latifolium

A continuación dedica una segunda parte de su libro a la farmacología e incluye listas de medicamentos, en primer lugar los simples más conocidos y utilizados y seguidamente medicamentos compuestos. La dietética, como sucede en toda la medicina árabe en general, constituye la piedra angular de la terapéutica, ya que no sólo se le concede un valor preventivo primordial sino que contribuye directamente a la curación y restablecimiento del paciente.

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Médicos y boticarios. Preparación de medicinas para un paciente que sufre viruela (derecha). Canon de Avicena. Miniatura del s. XVII.

Finalmente un último capítulo incluye como suele ocurrir en estos tratados, diferentes costumbres y creencias de su época, algunas de tipo “mágico” o creencial, aunque previene al lector de ciertos ritos y medicamentos.

Las fuentes de Ibn Al-Jatib pertenecen a la medicina árabe. Además del oriental Rhazes,  cabe destacar a Avenzoar y al botánico Ibn Al-Baytar. En alguna ocasión emplea la expresión “como dijo el médico (al-hakim)” que ha hecho pensar en Hipócrates, padre de la medicina y considerado por la medicina árabe el médico por excelencia.

Una segunda obra que nos ha llegado de Ibn al-Jatib es un “poema didáctico sobre la medicina”, cuya finalidad es ayudar al aprendizaje de futuros médicos.

Sin seguir una cronología, podemos agregar a su extensa poligrafía otro libro al que se le debe en parte el renombre como médico que alcanza Ibn Al-Jatib, se trata del “Tratado sobre la peste”.

El tratado sobre la peste

1348 ha pasado a los anales de la historia por ser el año de la gran peste que asoló Europa. La epidemia, que surgió en Asia central en 1334 se extendió rápidamente hacia occidente y pasó al Mediterráneo unos años más tarde, afectando a los lugares más recónditos La enfermedad llegó simultáneamente a los puertos de Barcelona y Almería, dañando por igual a los pueblos cristianos de la península Ibérica y al pequeño territorio al que quedó reducido Al-Ándalus: el reino nazarí de Granada que comprendía aproximadamente las provincias actuales de Almería, Málaga y Granada.

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La procedencia de la epidemia: La peste, según el autor árabe Ibn al-Wardi, pudo tener origen en el «País de la Oscuridad», el kanato de la Horda de Oro, en territorio del actual Uzbekistán. Desde los puertos a las zonas interiores, la terrible plaga procedente de Asia se extendió por toda Europa en poco tiempo, ayudada por las pésimas condiciones higiénicas, la mala alimentación y los elementales conocimientos médicos.

Ningún rincón permaneció indemne a la peste bubónica. En la Europa cristiana la mayoría creyó que se trataba del merecido castigo por la maldad humana y elevaba sus plegarias al cielo solicitando el perdón divino, que parecía no llegar nunca. Bocaccio al que la peste le sirve de pretexto para componer las narraciones de su “Decamerón”, no sólo descubre en Florencia escenas atroces y dolorosas, sino que menciona la impotencia de los médicos para hacer frente al mal, la falta de medios eficaces, la proliferación de curanderos, magos y farsantes y, sobre todo la búsqueda de consuelo en creencias supersticiosas por parte de una población aterrada.

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Las terroríficas máscaras de médico para evitar el contagio de la Peste.
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Pico de Médico: Máscara usada por los médicos de la Edad Media para protegerse de la peste Negra. Estaba hecha de cuero, con vidrios en los orificios oculares. En el interior del pico se colocaban diversas hierbas aromatizantes para que el médico respirara (ya que se creía que los malos olores eran los causantes de la enfermedad) también se creía que la peste era contagiada por algunas aves por lo que la máscara y su forma picuda serviría para ahuyentarlas.

Esta “obrita” en diez folios, cuyo título es “Libro útil para quien pregunta acerca de la terrorífica enfermedad”, fue el primer libro médico de Ibn Al-Jatib en despertar el interés de los investigadores, probablemente porque fue descubierto mucho antes que el resto de su obra médica. Este tratado sobre la peste fue editado y traducido por Müller en 1863; y tendría que pasar más de un siglo hasta que Vázquez de Benito llevase a cabo la recuperación del resto de su producción médica.

El interés de esta obra sobre la peste bubónica reside sobre todo en la descripción que se hace del contagio y las medidas que se toman para la prevención del mismo. En un momento de la historia en la que se desconoce por completo la existencia de virus, Ibn Al-Jatib alude a la experiencia y afirma que los individuos o los grupos de individuos aislados permanecen libres de contagio, mientras que los demás padecen de inmediato la enfermedad por el simple contacto entre ellos o por la llegada de un viajero infectado.

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El triunfo de la muerte: Este óleo de Pieter Brueghel el Viejo es testimonio de la honda huella que epidemias y guerras dejaron en la conciencia de los europeos. Hacia 1562. Museo del Prado.

En este blog: Pieter Brueghel el Viejo

Lo que más llamó la atención sobre su trabajo en aquella época, fue el considerar que la peste no era un castigo divino, lo que significaba una audaz afirmación en una época de rígida ortodoxia; por esto, su aportación a la medicina fue tan pionera: la teoría del contagio no se aceptó hasta el siglo XIX. Esta teoría es aceptada plenamente en nuestros días en relación con las denominadas enfermedades infecciosas; sus ideas sobre aislamiento y mecanismo de contagio siguen vigentes.

Otros tratados

Pero además de estos, se le reconocen la autoría de otros dos tratados que aún no han sido encontrados: uno sobre la embriología titulado “Sobre la formación del feto” y un apéndice al mismo titulado “Determinación de la última etapa de la formación del feto”, así como un tratado sobre la triaca. “La triaca” era un tema frecuente en la medicina árabe y que, entre otros autores, trata el doctor Gastón Morata en su libro “El Perfume de Bergamota”, y que se refiere a un antídoto universal contra todo tipo de venenos. En este opúsculo incluía su propia fórmula para elaborarla, dato que no sorprende, dada la demanda que dicho medicamento debía de tener entre los muros de la Alhambra nazarí, donde un número considerable de sus sultanes y visires murieron envenenados. Quizá se trate del mismo poema sobre los antídotos de los venenos que se conserva manuscrito en Marruecos.

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Florero de cerámica, Triaca d’Andromaco. Farmacia dell’Ospedale, Imola.
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KITAB AL-DIRYAQ…EL LIBRO DE LA TRIACA DE PARIS: El manuscrito del Libro de la triaca de Paris, que se encuentra en la Biblioteca Nacional de Francia, fue sin lugar a dudas una obra de arte extraordinaria cuando fue completada en el mes de rabi’ al – awwal 595 de la hegira (enero 1199 de la era común), por el más débil de los siervos de Dios, como se autodenominaba en el colofón.

Ya hemos visto anteriormente las caligrafías poéticas de Ibn Al-Jatib en la decoración de la Alhambra. En su obra médica así como en otros textos hace un uso didáctico de la poesía para transmitir sus conocimientos.

Ibn Al-Jatib empleo, además la misma rima para componer otro poema médico, “Lo acordado acerca de los medicamentos simples”, esta vez dedicado a la alimentación y a la dietética, se encuentra inédito en la ciudad de Fez.

Finalmente cabe señalar que el interés de Ibn Al-Jatib por la medicina se hizo extensivo a la veterinaria y a la hipiatría (Especialidad veterinaria que se ocupa de los caballos). Por estas cuestiones se habían interesado en Al-Ándalus tanto los médicos como los agrónomos y los tratados compuestos por estos últimos suelen contener un capítulo dedicado a los animales donde se detalla su cría, curación cuando enferman y explotación. Los protagonistas suelen ser el caballo, un animal que gozó de gran prestigio en el mundo islámico, y la abeja, por la importancia que alcanzó la apicultura.

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Libro del cuidado de la salud según las estaciones del año

El “Libro del cuidado de la salud según las estaciones del año”, presenta la forma de un manual, claramente ordenado amplio y de fácil manejo. El mismo Ibn al-Jatib señala que la composición del libro le ocupó sólo un mes y lo llevó a cabo durante un viaje. El tratado debió de ser compuesto pensando en su uso por los miembros de palacio o por las clases elevadas de Granada, lo que le hace pertenecer al género de los Regimina sanitatis medievales. Se lo dedicó ex profeso al sultán Muhammad V y ha sido fechado entre 1368 y 1371, atendiendo a varios datos que el propio autor ofrece en la obra.

El libro consta de dos secciones, tal como señala el propio Ibn al-Jatib, que se denominan “Capítulo del conocimiento” y “Capítulo de la gestión”, y que constituyen una primera parte teórica y una segunda práctica, respectivamente; cada una de ella contiene tres temas como se glosan en los esquemas siguientes:

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Al final de la obra, Ibn al-Jatib incluyó un glosario, siguiendo el modelo establecido por un autor tunecino del siglo XIII Ibn al-Hashsha.

En esta publicación adelantamos la estación del invierno, este glosario y algunas recetas del libro y en una próxima entrada expondremos el resto de este documento.

Libro del cuidado de la salud según las estaciones del año: Las complexiones, el invierno y Glosario.

Ibn al-Jatib desarrolla en la primera parte de su “Libro del Cuidado de la salud durante las estaciones del año o Libro de Higiene” la teoría, el conocimiento previamente adquirido que se sobrepone como una pantalla sobre cada caso práctico para concluir un diagnóstico y tratamiento adecuados a cada persona.

En este tratado de Fisiología hay un apartado relativo a la complexión a la que se define como una cualidad que surge de la diferente combinación de los elementos que son origen de todo ser, los cuales pierden sus formas en esa mezcolanza surgiendo del conjunto una forma nueva que debe mantener la igualdad del todo, que es el equilibrio supuesto. La complexión es:

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Hay además formas compuestas, representadas por los términos medios entre las cualidades.

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Los cuatro elementos son principios primarios del cuerpo humano a los que se añaden otros principios secundarios que ponen de manifiesto la disposición de su naturaleza; son los humores, cuerpos húmedos y fluidos que transforman el alimento. Según las diversas proporciones de tales elementos primarios y secundarios en el organismo, éste mostrará una complexión dominante a la que habrá de atender el médico juntamente con la edad para concluir sus indicaciones prácticas. Puesto que señala para cada individuo un equilibrio respecto a sí mismo, respecto a la especie, después respecto a la clase y al género. Empero, cualquier desviación producirá alteración del buen estado de salud.

La segunda parte de su obra, parte que puede ser consultada con independencia de la primera, está concebida como una guía práctica en la que especifica las diversas maneras de determinar la complexión constitucional de cada individuo: 1) por el tacto 2) por el color 3) por el pelo 4) por el aspecto externo 5) por los actos relacionados con las capacidades vitales, anímicas y espirituales. Tras la observación y análisis de todos estos factores llega a fijar cinco clases de complexión, describiendo sus signos, de manera que cada cual puede reconocerse en uno de estos paradigmas.

Hay varias complexiones cuyos nombres y signos, conforme a la clasificación establecida por el médico granadino, exponemos a continuación.

Signos de la complexión sanguínea

Tonalidad roja de la piel, con abundantes venas, calidez equilibrada al tacto, pelo negro y espeso, ojos enrojecidos, exceso de carne, nervios tensos, pulso y respiración fuertes, risas y sueño en exceso, beneficiarse con la extracción de sangre, tener en los sueños visiones de rojo o de sangre, ánimo rudo y propensión a padecer enfermedades sanguíneas (pesadez, sopor, sangre en las encías, fatiga sin motivo, abscesos).

Signos de la complexión flemática

Color blanco, pesadez, frialdad al tacto, exceso de humedad en los conductos que dificulta los movimientos, demasiado sueño, sopor, pelo liso y escaso de crecimiento lento, canas fuera de la vejez, pulso lento y visión débil, visiones de agua y humedad durante el sueño, resentirse con el frío y mejorar con el calor, propensión al olvido y a padecer enfermedades flemáticas (excesiva flaccidez, olvido, pereza, digestión alterada y pulso irregular).

Signos de la complexión biliar amarilla

Cuerpo flaco, poca carne, palidez, piel fina, calidez al tacto, pelo negro y rizado, exceso de sed, falta de sueño, facilidad y rapidez en recordar y olvidar, frecuentes cambios de ánimo, alegría y afabilidad, pulso rápido, exceso de movimientos y riñas o disputas, visiones de luces o colores amarillos durante el sueño, beneficiarse con lo que refresca y hallar daño en los ambientes cálidos, inclinación al olvido y a padecer enfermedades biliares amarillas (gusto amargo, sed, falta de apetito, desmayos y vómitos).

Signos de la complexión biliar negra

Palidez, delgadez y sequedad, pelo en exceso y grisáceo, falta de sueño, carácter propenso a sentir fuertes odios y deseos, incapacidad de llanto, talante taciturno, depresión, sueños con visiones desagradables de lugares obscuros o deprimentes, deseo voraz de comer y posible estreñimiento, propensión a padecer enfermedades propias de la bilis negra (angustia, preocupación, falso apetito e insomnio).

Signos de la complexión equilibrada

Justa proporción al tacto entre calidez y frialdad y dureza y blandura, color entre rojo y blanco. El vello entre rizado y liso, por lo general rubio en la niñez y negro en la juventud. Las venas término medio entre aparentes y ocultas, también justa proporción entre la vigilia y el sueño, en éste visiones de hermosos panoramas con voces dulces. En cuanto al carácter justa proporción entre satisfecho y colérico, valiente y cobarde, paciente y atolondrado.

Estos son los signos propios de toda complexión en perfecto estado de salud.

La inclusión de esta taxonomía facilita la aplicación de las indicaciones que la estación requiere, puesto que la norma general va asumiendo distintas especificaciones según los humores sobresalientes en cada persona, la cual puede observar si el comportamiento de su organismo se ajusta a algún apartado de esta clasificación. No hay que perder de vista que en muchos casos son dos los humores predominantes de tal modo que los signos son compuestos y se presentan entremezclados.

Una vez establecido este punto podemos hacer una descripción del régimen más apropiado para cada complexión, atendiendo a la estación del año en la que nos encontremos. Adelantamos en esta entrada el tratamiento adecuado para cada una de ellas en el invierno. En una próxima entrada completaremos las otras estaciones.

La salud según las estaciones: El invierno

Sobre el régimen de la complexión equilibrada en el invierno

Aire

En cualquier caso es prioritario calentar. Para ello se deben elegir zonas bajas bañadas por el sol durante el día, resguardarse de los vientos del norte y orientarse hacia el sur.

Alimentos

Se comerá carne de aves y cuadrúpedos, aliñada con especias pero sin exceso. Pocas hortalizas y en su lugar medicamentos alimenticios como garbanzos, ajos y cebollas. Fritos y asados en sus múltiples variedades, es decir, toda clase de alimentos que generen calor y vapor. Los alimentos que se toman sin masticar se tomarán en caso de mucho apetito tras haber hecho ejercicio.

Bebidas

Se reducirá la ingesta de agua y la frialdad de la misma; por otro lado puede añadírsele miel o arrope de uva, que tiene efectos somníferos y sienta bien. La ingestión de alimentos y bebida se aumenta al comenzar la estación, se reduce al finalizar y se hace en justa proporción cuando la estación está en su mitad. Para limpiar y purificar siempre es aconsejable el oximiel con agua caliente. Recordemos que el oximiel es una preparación resultante de un ligero cocimiento de dos partes de miel y una de vinagre de manzanas que se puede tomar pura o mezclada con agua caliente en proporción variable; su sabor es muy agradable, por lo tanto es una bebida apropiada como refrigerio.

Postres

Higos secos, pasas, almendras, pistachos y dulces elaborados con azúcar, miel, pulpas de frutas y semillas.

Baños

Baños con agua caliente teniendo cuidado de salir gradualmente para resguardarse del frío y evitar catarros. La exposición al sol es beneficiosa si se hace de modo conveniente.

Placeres

En cuanto al coito se efectuará en justa proporción, por la noche, tras haber calentado los órganos con cobertores o durmiendo al mediodía, a la exposición del sol.

Se prefiere la vigilia al sueño puesto que las noches son demasiado largas para dedicarlas enteras al sueño, salvo que la disposición natural no lo permita, cuidando siempre de que los lechos estén bien protegidos de la humedad y frialdad del suelo. En las alcobas se pueden colgar paños de lana y protectores, evitando los rayos de luna nocturnos y buscando los rayos solares diurnos.

Actividades del cuerpo

Es la hora de practicar el deporte plenamente ya que en esta estación se tiende a comer en exceso; gran número de ejercicios son adecuados para el cuerpo, como correr, caminar, derribar y galopar, quien pueda hacerlo, y practicar juegos de arma, hasta que el ejercicio agote.

Vestidos

Los vestidos deberán estar confeccionados con tejidos que preserven la calidez del cuerpo, géneros de algodón y piel, paños de lana suave, pieles de corderillo o cordero. Quienes no estén acostumbrados que protejan la cabeza del aire frío.

Aromas

Perfumar las habitaciones con flores y perfumes cálidos como ámbar, sólo o mezclado con violeta, sándalo y similares; estos mismos aromas pueden prepararse en aceites para untarse. Las algalias, aguas de rosas blancas, de jazmín, alhelí, clavel y nuez moscada. Todos ellos convienen desde el principio hasta el final de la estación.

Otras actividades

Se recomienda la contemplación de rojos y amarillos o la combinación de ambos, la audición de sonidos agudos o de ritmo continuado, tipo marcha. Conversaciones sobre hazañas valientes y relatos que inciten a la emulación, recitación o lectura de poesía de tema heroico. Entre los oficios los que utilizan movimientos suaves, como grabadores, fundidores de metales, etc.

Hemos facilitado estas normas para la constitución equilibrada en la estación también en equilibrio, tras lo cual indicaremos el régimen adecuado para las complexiones que se desvían del equilibrio.

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Sobre el régimen de la complexión sanguínea en el invierno

Aire

En este caso se compensa la calidez de la complexión con la frialdad de la estación pero hay un exceso de humedad por lo que habrá que compensar tal desviación por todos los medios. Se procurará suavizar el aire al máximo, orientando las aberturas hacia el soplo del poniente; se pueden vaporizar las habitaciones con beleño, enebro y taray, extendiendo en ellas tapices de lana y algodón o colgando velos de seda y lana.

Alimentos

En cuanto a la comida, se recomiendan las carnes secas de vacuno, liebre o distintas aves. Estas mismas carnes pueden mejorarse condimentándolas con aceite y especias, bien fritas, doradas en la sartén, bien asadas, con colorantes y acompañadas de ajos, mostaza, perejil y zanahorias o con salsas a la vinagreta que contengan alcaparra, nabo e hinojo. Pan de harina sin cerner.

Se evitará toda humedad en los dulces y frutas, limitándose al dulce puro a base de miel y arropes de azúcar y a los frutos secos como pasas, nueces, dátiles, bellotas, castañas, avellanas, acerolas y similares.

Bebidas

Se ha de tomar poca agua y poco fría, si se desea endulzada con miel o azúcar. También son buenas las aguas que corren por minas y las aguas termales, siempre que sea posible.

Como es habitual, tanto para preservar la salud como para purificar se aconseja el oximiel mezclado con agua caliente, compota de miel y rosas y electuarios con zanahorias, alcaceña, hinojo. Asimismo caldo de gallo cocido con cártamo.

Sueño

Se velará parte de la noche y todo el día y se descansará en camas con cobertores de lana y situadas de tal modo que reciban los rayos solares.

Actividades del cuerpo

Se recomienda hacer mucho ejercicio, jugando, caminando o montando, si ello es posible, hasta que el cansancio y el sudor sean grandes. Cualquier momento del día o de la noche es bueno para la práctica del coito si las demás circunstancias lo aconsejan.

Baños

El baño es muy saludable puesto que disuelve humores y purifica la parte exterior del cuerpo; para ello se prefiere hacer uso del aire caliente más que del agua, la cual se recomienda salada. Debe evitarse tomar el baño después de comer y quedarse contemplando agua y humedades.

Respecto a las inhalaciones se recomiendan todas aquellas que sequen como el olíbano, la almáciga, la sandáraca y las flores de mirto.

Vestidos

Se confeccionarán los vestidos con tejidos dobles, de lino y lana, teñidos de color obscuro, dado que resulta nociva la contemplación de los blancos.

Otras actividades

En cuanto a las distracciones son recomendables los cánticos agudos, con ritmo fuerte, acompañados de percusión de tamboriles, las poesías de elogios y gestos heróicos así como eróticas y las conversaciones sobre litigios y temas polémicos.

Se frecuentarán las tertulias con comerciantes de brocados, escultores y joyeros.

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Sobre el régimen de la complexión biliar amarilla en el invierno

Aire

En esta estación la calidez y la sequedad de dicha constitución se compensan con la frialdad y humedad de la estación de tal modo que se aproxima al equilibrio y su régimen puede suavizarse y hacer uso de cosas que otros deben evitar, sin dejar de tener presente que esta complexión, debido a su ligereza, capta rápidamente todo. Así, respecto del aire, aunque se evite el muy frío, no dañará inspirar uno frío. Si se quiere calentar se han de buscar las zonas costeras, las tierras bajas y las depresiones de terreno.

Alimentos

El régimen también se relaja con los alimentos y se permiten sin restricción las carnes procedentes de ternera, oveja, aves y gallinas y las carnes procedentes de la caza y de la pesca, ligeramente refrescadas con vinagre y verduras; se pueden preparar asadas o cocidas y tomarlas acompañadas de pan cocido al horno. También platos simples confeccionados con fideos y sus derivados, caldos ensopados, leche con arroz y migas.

Bebidas

Se beberá agua en cantidad equilibrada, ni fría ni cálida, procedente de manantiales. Zumos de frutas en su estado natural a los que se puede añadir alcaparras o azúcar.

Postres

Entre los frutos secos: uvas en conserva, higos y pasas secas, almendras, nueces, avellanas, castañas y bellotas y anacardos. Y respecto a los dulces se tomarán los simples, elaborados con semillas de lino y ajonjolí, piñones y almendras con azúcar y productos semejantes.

Actividades del cuerpo

Es muy recomendable realizar ejercicio pero sin excederse para que el organismo no se deseque en demasía, paseando, caminando o montando y haciendo después uso del masaje. La práctica del coito también es aconsejable efectuándolo pasado el mediodía y durante la noche. Ya que, por otra parte, no perjudicará dormir un poco menos.

Baños

Se tomarán baños en justa proporción, cuidando sólo de salir gradualmente para evitar la frialdad del aire, tras los cuales se utilizarán perfumes equilibrados tendentes a la calidez, como el de flor de naranja agria, el almizcle, el agua de rosas y los compuestos elaborados con beleño y ámbar. Los recintos y habitaciones se perfumarán con flores aromáticas, el toronjil, por ejemplo.

Vestidos

Los vestidos serán de lana fina mezclada con algodón y pelo de cabra, además de pellizas delgadas.

Otras actividades

Es recomendable la contemplación de rojos, púrpuras y amarillos intensos. Mantener conversaciones sobre leyes, normativas y poesías, además de discutir sobre cuestiones relativas a la lengua y otros temas que permitan mantener el argumento. Los cantos que se escuchen serán equilibrados, con ritmo fuerte en el que se intercalarán alabanzas y poesías eróticas. Será beneficiosa la compañía de artesanos destacados en su oficio como trabajadores del cuero o farmacéuticos.

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Sobre el régimen de la complexión biliar negra en el invierno

Aire

En este caso hay un exceso de frialdad porque se suman la frialdad de la estación con la de la complexión, por lo tanto, se buscará predominantemente calentar. Siempre que se pueda se orientarán las viviendas hacia el sur, se buscarán las zonas soleadas o, en su defecto, se calentará con mantas y braseros.

Alimentos

En cuanto a la comida, se recomienda la ingestión de alimentos cálidos, pero tendentes al equilibrio, como carnes de cordero, gallina y otras aves, asadas, tanto a la brasa como en la sartén, bien condimentadas y rellenas.

Bebidas

Respecto a la bebida, se advierte de tomar poca agua y poco fría, endulzada con miel o azúcar, si se desea. Asimismo se pueden tomar jarabes confeccionados con palo de regaliz, con lengua de buey y otros parecidos.

Postres

Sin embargo, no hay restricciones con los dulces, salvo la cantidad en exceso; todos le vienen bien a esta complexión como los turrones a base de almendra, sésamo y miel, los pestiños y otros tipos de masa fermentada y frita y después bañada de azúcar o miel, gachas dulces de jengibre, etc. Entre los frutos secos, higos, pasas, almendras y toda clase de pulpas con dulces.

Actividades del cuerpo y Baños

La práctica del deporte es saludable si se hace con moderación. Asimismo el baño resulta conveniente para generar calidez y compensar así las dos frialdades.

Vestidos

Los vestidos contribuirán por su parte a calentar si se usan tejidos atemperados como fieltro, pellizas y telas gruesas de algodón.

Aromas

Acerca de los perfumes para inhalar o perfumarse se consideran apropiados los de jazmín, rosa blanca, flor de naranjo amargo, almizcle, todas las albahacas y las algalias.

Otras Actividades

Es beneficiosa la contemplación de rojos y amarillos, la conversación animada sobre temas de ciencias experimentales, buscando siempre la pregunta y la respuesta, la audición de cantos con voces ni agudas ni graves. Se buscarán las tertulias con curtidores de pieles, encuadernadores de libros o artesanos que tengan contacto con el sol.

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Sobre el régimen de la complexión flemática en el invierno

Sobre ella diremos que tiende a la frialdad y a la humedad, por lo tanto resultan muy de temer las enfermedades crónicas. El régimen tratará fundamentalmente de someter la enorme fuerza de esta desviación.

Aire

Allí donde se pueda se buscará el aire cálido y suave, en zonas que reciban el soplo del sur o estén próximas a minas u hornos de arcilla. Donde no se pueda, mediante tratamiento, es decir, resguardándose de los aires fríos y húmedos, encendiendo fuego en las casas y situando las camas siempre levantadas del suelo. También pueden cubrirse las paredes con tapices y telas de lana. Resultan muy apropiadas las velas de cera perfumada.

Alimentos

Para la comida se buscarán alimentos secos, como las carnes de ave en general: gallinas, perdices, codornices, palomas o estorninos; y las procedentes de la caza como liebres y venados, aderezadas con especias y preparadas con ajo, cebolla, aceite, comino e hinojo. También acompañadas de salsas de adobo con pimienta y nuez moscada. Lo mismo fritas, cocidas o asadas. Sin embargo, se evitarán las sopas picantes de pan.

Bebidas

Por la mañana se recomienda beber agua caliente sola o en infusiones. El resto del día también agua o el conocido oximiel u otros jarabes de miel y azúcar.

Postres

Dulces de miel y dátiles, arropes espesados con harinas y especias que contengan almendras, nueces y piñones. Además de los digestivos cálidos, tomados tras las comidas, como jengibre, pimienta, zanahoria, cáscara de toronja, electuarios y compotas.

Frutos secos: higos, pasas, pistachos, almendras, garbanzos fritos con sal, coco y pulpa de tamarindo.

Se recomiendan los caldos de ave con especias en ayunas, además de jarabes de valeriana y orégano. Asímismo hacer gargarismos.

Sueño

Respecto al sueño y la vigilia, conviene alargar ésta y espabilar el sueño con elucubraciones mentales o tomando la brisa nocturna. Hay que cuidarse de dormir en camas alzadas del suelo y proteger la cabeza del frío. Se caldearán las habitaciones con braseros y estufas y se usarán cobertores de algodón y pieles.

Actividades del cuerpo

Traerá beneficio el practicar todo tipo de deporte, lo mismo con el estómago vacío que lleno, ejecutar muchos movimientos corporales y hacer uso del masaje fuerte. Sin embargo, no se recomienda el coito salvo si la exigencia es grande, porque al sumarse la frialdad y la humedad excede la parte pesada.

Baño

El baño es mejor tomarlo en ayunas, friccionando con fuerza y secando mucho para conseguir la exudación, aplicándose medicamentos aromáticos a base de plantas.

Vestidos

Los vestidos se confeccionarán con telas gruesas de algodón, lana pura, seda con lana y pieles cálidas de animales.

Aromas

Son buenos todos los perfumes de gran calidez, como el almizcle, la algalia y los medicamentos indios: clavo, nuez moscada, valeriana, ámbar o beleño. También están muy indicados los sahumerios desecativos con almáciga, sandáraca, hipérico y aguas de flores como la rosa blanca, el jazmín, la flor del naranjo ácido, el lirio, la camomila y otras parecidas.

Otras actividades

Se contemplarán los rojos, los amarillos fuertes y los púrpuras. Se participará en conversaciones sobre temas polémicos o se recitarán poemas en réplica a otros que traten de gestos heroicos y aventuras, evitando los asuntos de difícil comprensión y las alegorías demasiado complicadas. Se escucharán cantos agudos, acompañados de palmas e instrumentos de fuerte ritmo como tambores, trompetas y palillos de tañer. Será apropiada la compañía de artesanos que utilicen el fuego en su trabajo y hagan ruido, por ejemplo herreros.

El régimen será estricto cuando la estación esté en su rigor y se irá suavizando a medida que decaiga.

Glosario de términos poco conocidos y apéndices.

Alcaceña: Cebada verde.

Algalia: Compuesto de ámbar y almizcle con aceite de beleño; también recibe el mismo nombre el exudado de la civeta.

Almáciga: Resina clara y aromática que se extrae de una variedad de lentisco y se emplea para curar resfriados.

Electuario: Medicamento compuesto de varios ingredientes vegetales y cierta cantidad de azúcar y miel, considerado como golosina en su forma más sencilla.

Olíbano: Incienso aromático.

Frankincense-essential-oil (1)
Esencia de aceite de Olíbao

Sandáraca: Resina amarillenta que se saca del enebro, la tuya y otras coníferas.

Toronjil: Planta herbácea, de flores blancas, muy común en España y usada en medicina como remedio tónico y espasmódico. Llamada también hierba abejera.

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Aqua Rosarum (Agua de rosas)

Tomáranse rosas rubias, bien abiertas y recién cogidas, se limpiaran de sus astiles, y cálices, se machacarán bien en un mortero de Piedra, y se echaran en una tinaja de tierra vidriada, vaciando encima el zumo recién sacado de otras rosas rubias, se tapará, y se dejará por dos días en digestión, después se echara en una cucúrbita de cobre estañada, que se pondrá en un horno, poniéndole su cabeza con su refrigerante, y recipiente, se enlosaran las junturas, y con un fuego blando se hará destilar las dos terceras partes de la humedad, después se exprimirá lo que queda dentro de la cucúrbita, y se volverá à echar dentro de ella, y se continuara la destilación con el fuego blando hasta que no quedan más de dos ò tres libras de humedad dentro de la cucúrbita, después se juntarán las Aguas destiladas, y se echaran en redomas de vidrio, que se dejarán por dos o tres días destapadas, para que se les vaya si tienen algunas empireuma, después se taparan, y se guardaran para el uso.

Ella fortifica el pecho, corazón, y el estómago. La dosis es de una onza hasta seis. Sirve también para detener las cámaras, el flujo de la sangre; gastase en colirios para enfermedades de los ojos, y para los jeringatorios detersivos. Si se quiere tener un agua muy olorosa, se puede echar en lugar de las rosas rubias las rosas de Alexandria, y saldrá un agua muy olorosa, y algo purgante.

Del mismo modo se hacen todas las aguas de todas las flores, advirtiendo, que las que tienen en sí poco zumo, se ha de echar en su lugar la infusión muy fuerte de flores hecha en agua, cuando es refrescante, ò hecha en vino, y agua, cuando su virtud es producir calor.

Oxymel Scilliticum. Mesuae, Exphar. Aug. Ren.

Se mezclará en una cazuela de barro vidriado la miel y el vinagre escilítico preparado, como se ha dicho, cuando se trató de él, se pondrá sobre un fuego lento, y se dejará cocer hasta que se pong en consistencia de Jarabe, despumándolo de cuando en cuando, se apartará y se dejará enfriar, reponiendolo para el uso.

Es buena para incidir y atenuar las flemas, que están pegadas en los pulmones, en la pecho y demás partes del cuerpo. Se sirven de él también para las Esquinancias, para la Epilepsia; mézclase con los Looches, en los gargarismos, en las aguas y demás géneros de medicamentos apropiados. Su dosis es de dos dracmas hasta media onza.

Este tiene más fuerza que el oximiel simple, por la virtud que el vinagre ha extraído de la cebolla albarrana. En éste se debe observar lo que se ha dicho con el antecedente.

La Pharmacopea de Noremberga hace un Ousaccahro Escilítico con partes iguales de vinagre escilítico y azúcar, cociéndolo hasta la debida consistencia, y lo guarda para el uso, sirve para los mismos usos.

Aqua Cinnamomi (Agua de Canela)

Escogeràse la canela, que pique bien, y sea bien aromatica, se quebrantara, y se echara dentro de una cucurbita de vidrio, y se la añadira el vino blanco, se le pondra su cabeça, y recipiente, se tapran las junturas con una vexiga mojada, se pondra en digestion en el baño de areña humedo por tres dias, después se le dara un fuego algo fuerte, para hazer destilar casi toda la humedad, y se tendrá una agua lacticinosa, que se guardara en una redoma bien tapada para el vso.

En buena para fortificar el estomago, la cabeça, y el coraçon, ayuda a la digestion, excita los meses à las mugeres, provoca el parto, haze arrojar las parias, deshaze y arroja las ventosidades, o flatos, y quita las ostrucciones. La dosis es de vna dragma hasta vna onça: sirve también para aroatizar muchas bevidas.

La virtus de la canela consiste en vn azucar salino-volatil, que es el que aumenta los espiritus vitales, y su movimiento, para rarefacer, y dissolver los humores crassos, que causan las enfermedades dichas; echase el vino por ser vn licor compuesto de vn azufre salino volatil, del mesmo modo que la canela, por lo qual es mensatuo proporcionado para esta simple; algunos le añaden agua rosada, de torongil, de cevada, pero es inutil en esta composicion, pues no se le puede aumentar su virtud.

Al principio de la destilacion sale un agua clara, que es el espiritu de vino, que ha dissuelto todo exactamente lo que ha llevado consigo de la essencia de la canela; pero lo que sale después, que es la parte flegmatica del vino, sale de color de leche, porque siendo vn licor flegmatico, no se puede dissolver enteramente el azeyte de canela, y assi constituye un licor blanco; esto se experimenta, pues dexando el agua por mucho tiempo en vna redoma, se beulve clara, aposandose al fondo algunas gotas de la essencia de canela, y entonces no es tan buena.

Puedese hazer la destilacion de esta agua por el baño de cenizas, ò de arena seco; pero se ha de tener cuydado, que al fin de la destilacion ne se pegue la canela al fondo, y el agua adquiera olor empirreuatico, lo que queda en el alembique es inutil, por estar destituido de todos sus principios activos.

Aqua Cerasorum Dulcium Spirituosa

(Agua de cerezas)

Tomaranse las cerezas bien maduras, y si fuessen negras seràn mejores, se echan en una cucurbita de barro vidriado, y se pone à fermentar por seis dias, dpo se exprime el zumo, y se pone a destilar dentro de un Alembique de cobre estañado, con su cabeça, refrigerante, y recipiente, enlodadas las junturas con vn fuego moderado, en aviendo destilado las tres quartas partes del licor se apartaran loos vasos del fuego, y se repondra el agua para el vso.

Ella es buena para fortificar las sangre, aprovecha en la alferecia, Perlesia, Apoplegia, y semejantes enfermedades. La dosis es de vna onça hasta tres.

Hazese la fermentacion para que sus partes viscosas se utilizen y dexen exaltar las partes salino-sulfureas, que son las que buelven esta agua espirituosa.

Del mesmo modo se hazen todas las aguas de las frutas maduras; pero si se quisiesse tener vn agua flegmatica; esto es, con muy pocas aprtes activas, se toman las frutas, se machacaràn, y assi machacadas, ò su zumo recien exprimido, se destila con vn calor moderado, ò con el calor del Baño de Vapor, y sale vn agua totalmente flegmatica.

Aqua Napha, Seu Florun Arantiorum Composita (Agua de Azahar)

Tomaranse las flores de naranja, se quebrantaran en vn mortero de piedra y se echaran dentro de vn alambique de vidrio, con las seis onças de las superficies de las cortezas de naranja, esto es, solo lo amarillo de encima, y se les añadira el agua de torongil, y el vino; se tapara, y se pondra en estiercol por dos dias, o en otro lugar caliente, después se le pondra su cabeza, y recipiente, se enlodaran las junturas, y con el calor fuerte del baño de arena humedo, de maria, ù de vapor, se harà destilar toda la humedad, y se guardara en vn vaso bien tapado.

Es buena contra los vapores, que causan deliquios, resiste la malignidad de los humores, es excelente para quitar los accidentes, y enfermedades hystericas, quita las obstrucciones, y provoca los meses, fortifica el estomago, corazon y cabeza; es carminante por lo qual ayua en los dolores colicos. La dosis es de dos dragmas hasta vna onça.

Este es el mejor methodo de hazer el agua de flor de azàr, y en particular en ad, que ay muy poca flor: en fin esta agua contiene tanta virtud, como cualquiera otra, que va hecha de otro qualquier genero.

Si se quiere tener espíritu de la flor, se rectificará esta agua sobre nuevas flores, y en un matraz, y solo ascenderá lo espirituoso del vino, cargado de las partes sulfúreas aromático-volátiles. Tiene mas actividad que el agua, sirve en las mesmas enfermedades. La dosis es de un escrúpulo hasta una dragma.

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Apéndice 1

Los aromas en Al-andalus

Al contrario de numerosas religiones que condenan el acto de la carne, los Musulmanes (Derivado de Mouslin = “Aquel que se resigna a la voluntad divina”. Meslemoun = consagrado a Dios. 240 millones de seres en el mundo siguen hoy los preceptos de Muhammed), al contrario veían en las relaciones sexuales precisamente la unión más completa que sea posible en el amor y, por ese hecho, en Dios.

(Hablando de las mujeres, Muhammed las llama annisâ , plural al cual no corresponde singular, ya que dice: “tres de vuestros mundos me fueron dadas dignas de amor: las mujeres, los perfumes y la oración”.)

Propósitos Psicológicos Tomo XXX / 8 y 10 escrito y traducido e impreso por el mismo Sat Gurú de la Ferrière al ritmo de uno por mes durante 36 meses en el mismo período en que, entre otras cosas formaba en el Discipulado Modelo al Venerable M·.· Ferriz Olivares a través de más de una docena de cartas muy extensas al mes durante 7 años y dictaba las pautas para reajustar su movimiento que se había deformado demasiado.

Alguien preguntó a Ÿa’far as-Sadig (1), de qué manera un hombre podía mostrar la Bendición divina, y respondió:

«Llevando sus vestimentas limpias y perfumándose, blanqueando su casa, y quitando la suciedad de la misma. Pues, Dios ama el brillo de la luz antes de la salida del sol y así, El aleja la pobreza y aumenta los medios de subsistencia de la persona que se comporta de esta forma».

1)-Se trata del bisnieto de al-Husain (626-680), hijo de Alí Ibn Abi Talib (600-661) y Fátima az-Zahra (615-633), la hija del Profeta Muhammad (BPD) —la Paz sea con ellos—. Es uno de los grandes sabios del Islam, venerado por la escuela shií como el sexto de los doce Imames0 de la descendencia profética, y por la escuela sunni como uno de los más destacados tabi’ún (la segunda generación después de los contemporáneos del Profeta). Tuvo cientos de discípulos que aprendieron de él las ciencias islámicas, incluso dos de los fundadores de las escuelas sunníes de jurisprudencia: Abu Hanifah (699-767) y Malik Ibn Anas (715-795). El Imam Ÿa’far as-Sadiq (P) vivió entre 702 y 765 y fue envenenado por el soberano abbasí al Mansur (709-775).

Una práctica que se remonta a la Sunna, o sea las tradiciones y costumbres del Profeta Muhammad (BPD) es la elaboración y utilización de perfumes no alcohólicos. Otra narración de Ÿa’far as-Sadiq (P) dice que «vestirse bien reduce al enemigo y perfumarse el cuerpo atenúa la tensión mental y las preocupaciones».

La islamóloga Rachel Arié nos recuerda que «Los musulmanes de España, de cualquier condición social, usaban normalmente perfumes y ünguentos. Tanto hombres como mujeres sintieron predilección por las esencias a base de limón, de rosas y de violetas, y por el ámbar: ámbar gris, ámbar natural (anbar), desmenuzado o molido, y ámbar negro. El perfume de almizcle (al-misk) parece haberse impuesto en al-Ándalus, como atestiguan varias poesías. Los aceites perfumados y las esencias de flores se conservaban en frascos de vidrio y cristales como hoy lo siguen haciendo los perfumistas y boticarios magrebíes. Ibn Hazm nos cuenta que las cordobesas de su tiempo pasaban largo tiempo mascando goma para perfumar su aliento» (Rachel Arié: Quelques remarques sur le costume des Musulmans d’Espagne au temps des Nasrides, tomo XII/3, Leiden, 1965, págs. 244-261).

Toda la gama de perfumes y cuidados estéticos y de la salud ha quedado conservada en los tratados de alimentos, higiene y medicina de Avenzoar (1095-1161) e Ibn Wafid de Toledo (1008-1074). Véase E: García Sánchez: El Kitab al-agdiya de Avenzoar, Granada, 1983; Camilo Alvarez de Morales: “El libro de la almohada” de Ibn Wafid de Toledo (recetario médico árabe del siglo XI), Toledo, 1980.

Los Perfumes

Algunas materias aromáticas de origen animal, importadas a al-Ándalus desde Oriente:

Almizcle

Llamado en árabe al-misk. Sustancia grasa de intenso olor que se encuentra en una bolsa glandular de un mamífero de la familia de los cérvidos y semejante a la cabra, llamado almizclero, que vive en las montañas del Asia Central.

En al-Ándalus el olor del almizcle fue muy popular, ya que se alude al almizcle frecuentemente en los poemas andalusíes, comparándolo con todo aroma intenso y perfumado.

Un ejemplo es el poeta Ibn A’isa (siglo XI) que concibe al-Ándalus como: «Una tierra de almizcle, una atmósfera de ámbar, (…) y una lluvia fina de agua de rosas».

Ibn Abi Umayya (también poeta del siglo XI) se pregunta si el aroma que intenta descubrir procede: «del almizcle de Darín que la brisa trae como saludo o del ámbar de al-Sihr o de los jardines llenos de flores».

Así, se ha dicho que el Profeta debía amar a las mujeres a causa de la perfecta contemplación de Dios en ellas.

La contemplación de Dios en las mujeres es la más intensa y la más perfecta; y la unión la más intensa –en el orden sensible, que sirve de soporte a esa contemplación- es el acto conyugal.

Propósitos Psicológicos Tomo XXX / 9 escrito y traducido e impreso por el mismo Sat Gurú de la Ferrière al ritmo de uno por mes durante 36 meses en el mismo período en que, entre otras cosas formaba en el Discipulado Modelo al Venerable M·.· Ferriz Olivares a través de más de una docena de cartas muy extensas al mes durante 7 años y dictaba las pautas para reajustar su movimiento que se había deformado demasiado.

Ámbar gris

Llamado en árabe ‘abir. Sustancia que se encuentra en las vísceras del cachalote. Es sólida, opaca, de olor almizcleño, que se ablanda con el calor de la mano.

Se puede hallar en masas pequeñas y rugosas, sobrenadando las costas del Coromandel (situada al sureste de la India), la isla de Sumatra, la isla de Socotra (Yemen) y la de Madagascar. Era muy utilizado en al-Ándalus en perfumería y en la producción de afrodisíacos.

Al parecer, también se encontraba el ámbar gris en las costas andalusíes del Algarve, según el historiador argelino al-Maqqarí (1591-1634) duraba mucho al ser quemado en pebeteros.

El ámbar gris, como hemos visto más arriba, también sirvió de metáfora perfumada a los poetas andalusíes, como en este caso, al soberano de Almería (al-Mariya), Abu Yahya Mu’izz ad-Daula al-Mu’tasim billah (g. 1052-1091) quien envió a una de sus mujeres una misiva por medio de una paloma, diciendo: «Esta paloma os transmitirá, como prueba de mi afecto, mensajes más olorosos y perfumados que las fragancias del ‘abir (ámbar gris)».

Los productos aromáticos que perfumaban las mezquitas

La mezquita es un lugar de reunión de los creyentes y para dignificar ese lugar durante la asistencia colectiva de los musulmanes en la oración del Viernes y en las fiestas importantes, se quemaban en pebeteros productos aromáticos, importados de Oriente.

Entre las Suras del Sagrado Corán que se recitaban frecuentemente en la mezquita de al-Ándalus, algunas aleyas hablan de especias y perfumes en el Paraíso:

«Por cierto que los justos beberán en copas de una mezcla alcanforada»

«Allí se les servirá una copa que contendrá una mezcla de jengibre

tomada de una fuente de allí (el Paraíso) que se llama Salsabil».

Sura Al-Insan (76), aleyas 5, 17 y 18.

Áloe indio o árbol de la India (aquilasia agalloca)

Originario de la India, cuya madera se ha mencionado en algunas traducciones de textos árabes erróneamente como madera de áloe. Se utilizaba como incienso, por las propiedades aromáticas de su resina, en las mezquitas de La Meca (Arabia) y seguramente también en las de al-Ándalus. Tenía aplicación en la preparación de perfumes y electuarios, vinculándose siempre su utilización a los soberanos, quizá por su elevado coste.

Árbol del incienso (c. abyssinica)

Llamado en árabe lubbán. Se encontraba en Arabia y en Africa, y de él se extraía una gomorresina de color amarillo rojizo, sabor acre y muy aromática al ser quemada; es el incienso que todos conocemos.

Entre las propiedades terapéuticas del incienso se encontraba el avivar la inteligencia y aumentar la memoria, según Ibn Zuhr, latinizado Avenzoar (1095-1161), médico andalusí que residió un tiempo en El Cairo, autor del Kitab al-taysir fi ad-madawat wa-al-tadbir (“Libro que facilita el estudio de la terapéutica y la dieta”), un manual que un siglo más tarde fue traducido al latín consiguiendo una gran difusión.

Protegía de la picadura del escorpión el tomar incienso con alguna bebida.

Sándalo

En Ál-Andalus llamado sandal. Árbol semejante en su aspecto al nogal. Hojas ovales, flores pequeñas y fruto parecido a las cerezas. Su madera es amarilla-marrón y produce un excelente aroma, especialmente al ser quemada.

Originario de las costas de la India, su aceite era muy utilizado en las islas Maldivas como ünguento aromático, según refiere el viajero tangerino Ibn Battuta (1304-1377) —cfr. Ibn Battuta: A través del Islam, Alianza, Madrid, 1988, págs. 676—. El geópono Abu l-Jayr al-Isbilí (siglo XI), natural de Sevilla como indica su nisba, indica que el árbol de sándalo llega a vivir unos ciento cincuenta años.

También con el nombre de sándalo se conoce una planta herbácea olorosa, de poca altura, de hojas pecioaladas y flores rosáceas, originaria de Persia y que se cultivaba en jardines. Es este el llamado sándalo maqasiri, mencionado por Ibn Battuta, que se utilizaba en la elaboración de perfumes y como elemento de higiene para limpiar la boca tras las comidas.

También en este caso los poetas andalusíes recogen la metáfora de la madera aromática quemándose en un brasero. Así dirigiéndose a su soberano — Muhammad Ibn Abbad (1039-1095) que se hizo llamar al-Mu’tamid bi-llah (“el apuntalado por Dios”), rey poeta de Sevilla— en adulación, se manifiesta el visir Ibn ‘Ammar (1031-1086): «¿Qué podría perfumarse si el mencionarte es sándalo que pondría en el brasero ardiente de mi pensamiento?».

Los productos de embellecimiento

En al-Ándalus, como en el resto del mundo islámico, los perfumes tuvieron una presencia importante. Eran de uso general en todas las clases sociales, y tanto hombres como mujeres los usaban en gran cantidad.

A esto se unía la asistencia al hammam (baño) y los cuidados estéticos que allí se ofrecían. Así fue común en al-Ándalus la utilización de jabones aromáticos, el empleo de aceites y ünguentos corporales, la depilación, el arreglo y el teñido del cabello con alheña; la decoración de manos y pies de las mujeres con alheña (al-henna), exclusivo en las mujeres, así como el perfilado de ojos con sulfuro de antinomio (kohl).

Además de todo ello, el rociado con perfumes de agua de rosas, perfume de azafrán, almizcle, ámbar natural desmenuzado, ámbar negro, etc.

El polímata granadino Lisanuddín Ibn al-Jatib (1313-1375) en una de sus últimas obras, la Nufadat al-ÿirab fi ‘ulalat al-igtirab (“Sacudida de alforjas para entretener el exilio”), Manuscrito de El Escorial Nº 1750, nos relata una recepción en la Alhambra, ofrecida por el sultán nazarí Muhammad V en 1362, durante la fiesta de inauguración de varias salas de la «fortaleza roja»:

«Al acabarse las recitaciones subió de tono el tumultuoso ruido del dikr, que rebotaba en unas y otras paredes, duplicado por el eco de la nueva construcción. En el dhikr compitieron los expertos con la masa del vulgo. Hizo mucha mella en los ánimos. En las imaginaciones irrumpieron sentimientos de sumisión al poder divino y de desgarramiento por el temor de Dios, que acabaron por producir enajenaciones. Tras ella vino la vuelta en sí. Y entonces la cerrada atmósfera se nubló con el humo del ámbar de Sihr, cuya nube entoldó a los circunstantes. Fue vertida el agua de rosas, caída sobre las ramas de la familiaridad como un diluvio, hasta el punto que gotearon las barbas y se calaron las vestiduras. La flauta empezó a sonar para cerrar el programa protocolario» (traducción de Emilio García Gómez en su obra, Foco de antigua luz sobre la Alhambra, Madrid, 1988, págs. 155-6).

Apéndice 2

Almásigas

Son los atramentos llamados en Al-Andalus almásigas, unas tinturas espagíricas especialmente preparadas para ser usadas como tintas de escribir. La aplicación de este sistema terapéutico altamente sofisticado puso a los chémicos (bukamá) andalusíes en el más alto nivel científico.

Una esmerada preparación caligráfica (el adiestramiento en la llamada “ciencia de la pluma”) y el manejo eficaz de las siete fuerzas arcanas de la Naturaleza, permitían al “hakim”(*) andalusí trazar en el papel o en el pergamino los caracteres precisos con el atramento adecuado al caso.

El agua lustral o el suero de leche desleían después los trazos conformando así un remedio personalizado en el que la intención (“niyya”), la onda de forma (“jit”) y la fuerza arcana de la planta (“yinn”)  actuaban al unísono para restablecer, con el permiso de Allah, la salud del paciente.

La aplicación de este sistema altamente sofisticado pone a los kémicos andalusíes en el más alto nivel científico. Una esmerada preparación caligráfica (el adiestramiento en la llamada “ilm al-qalam “ o “ ciencia de la pluma “, y el manejo eficaz de las siete fuerzas arcanas dela naturaleza, permitían al “hakim”(*), o “kémico “ medieval trazar en papel o en pergamino los caracteres precisos con los“atramentos” adecuado a cada caso. El agua o el suero de leche “desleían” después los trazos y conformaban así un remedio personalizado en el que intención ( “niyya”), onda de forma (“jit”) y fuerza natural extraída de la planta (“yinn”), actuaban al unísono para restablecer la salud del paciente.

Sothis, en su afán de recuperar la tradición espagírica de Al-Andalus, presenta por vez primera desde el siglo XVI, en que esta práctica sufrió persecución, un sistema de siete atramentos correspondientes a las siete fuerzas básicas de la Naturaleza y confeccionados exactamente como se hacía antaño.

El interés de las almásigas, no radica, sin embargo, tan sólo en la recuperación de lo tradicional, sino en que se trata de un sistema científico emparentado con el mismo paradigma al que pertenece la homeopatía y al que, al mismo tiempo, podemos calificar de Teúrgico. En efecto, Teurgia y Ciencia, ignominiosamente divorciadas por el positivismo mecanicista y por el cientifismo materialista, vuelven a darse la mano como en tiempos pretéritos, para resolver, con una eficacia que roza lo increíble, los casos más desesperados del sufrimiento humano.

NOTA: Se seguirán en nuevas entradas, las restantes Estaciones del año.