Museo Arqueológico de Estambul (Exteriores y Arqueología Clásica). Parte I.

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Medusa başlı madalyon kabartması.

Algo de historia y breve descripción

Es viernes 6 de noviembre de 2015, el día es gris y fresco, todo huele a MAR entre las callejas que bordean los muros del palacio Topkapi y el Parque Gülhane y que nos llevan veladamente a uno de los más importantes museos del mundo en su género.

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Café en Gülhane

El Museo Arqueológico de Estambul fue fundado por el polifacético Osman Hamdi Bey (1881-1910), arqueólogo, pintor, matemático, director del museo y aquel que tuvo la inmensa suerte de hallar el más impresionante conjunto de sarcófagos antiguos en la Necrópolis real de Sidón, actual Líbano, que se constituyen en las joyas más preciadas de la colección, en 1891. El objetivo del fundador fue reunir artefactos de todas las civilizaciones que co-existieron dentro del Imperio otomano. El nombre original de este museo era Museo Imperial (Müze-i Hümayun).

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Puerta de entrada (Tickets)
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Osman Hamdi Bey (1881-1910)

Osman Hamdi Bey (1881-1910) Para conocer con algo más de profundidad la personalidad de Osman Hamdi Bey, puede visitarse este artículo que firma Ana Morales (Haz clic)

Los orígenes del museo se remontan a una reducida colección de antigüedades que se instaló en 1846 en el Palacio Topkapi. En 1869 se convirtió en el museo de la corte.

Es en 1891, cuando el Museo Arqueológico abrió sus puertas convirtiéndose en el primer museo de Turquía.

Colección

La colección del museo está repartida en tres edificios, aunque cabría destacar (desde mi humilde punto de vista) que tanto las calles y solares de los aledaños como los patios interiores del complejo, pudieran considerarse como otra parte expuesta sin catalogación aparente.

  • Museos Arqueológicos
  • Colección de Arte Oriental (Museo del Antiguo Oriente)
  • Colección de cerámicas y joyas
  • Exteriores

En esta entrada, nos centraremos en los patios exteriores y en el Museo Arqueológico (Arqueología Clásica) dejando para una segunda parte, la Colección de Arte Oriental (Museo del Antiguo Oriente) y la Colección de cerámicas y joyas.

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Comencemos por los patios y jardines: Sarcófagos, torsos, cabezas, columnas…

Tanto en las calles aledañas como en los patios del complejo, nos encontramos una ingente cantidad de “obra” que, en cualquier otro país o museo, serían obras de primerísimo orden.

Aquí una muestra sin clasificar.

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Esta gran piedra clave que se encontró en Çemberlitaş puede pertenecer a un gran arco en el Foro de Constantino.

Cabeza de Medusa. En la mitología griega, Medusa (en griego antiguo Μέδουσα Médousa, ‘guardiana’, ‘protectora’) ​ era un monstruo ctónico femenino, que convertía en piedra a aquellos que la miraban fijamente a los ojos. Fue decapitada por Perseo, quien después usó su cabeza como arma​ hasta que se la dio a la diosa Atenea para que la pusiera en su escudo, la égida. Desde la antigüedad clásica, la imagen de la cabeza de Medusa aparece representada en el artilugio que aleja el mal conocido como Gorgoneion.

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Tres sarcófagos de pórfido.

Tres sarcófagos de pórfido se encuentran ubicados fuera del Museo Arqueológico de Estambul.
El pórfido es un tipo de roca ígnea, más concretamente una roca filoniana. Su nombre se deriva del latín (porphyra) y el griego antiguo πορφύρα (porphúra), que significan ‘púrpura’, debido a su color. El pórfido ha sido utilizado en la construcción desde la antigüedad por su dureza y aspecto decorativo.

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En éste, la cubierta es un techo inclinado con acroteria angular, en cuyo frente la cruz está tallada con un monograma cristiano incluido en una corona de laurel y flanqueado por letras alfa y omega.
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Las colecciones del Museo Arqueológico de Estambul:

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El edifico principal del Museo Arqueológico, de estilo neoclásico, fue diseñado por Alexandre Vallaury (Alexander Vallaury pasó su tiempo entre 1869 y 1878 en París, donde estudió arquitectura en la École nationale supérieure des Beaux-Arts . Al regresar a Estambul en 1880, conoció a Osman Hamdi Bey. Los dos artistas trabajaron estrechamente en los campos de la arqueología, el trabajo museístico y la educación en bellas artes…)

El edificio principal del Museo Arqueológico de Estambul, además de su gran sección de sarcófagos alberga en tres plantas colecciones del periodo bizantino, que denominan “Estambul a lo largo del tiempo”. Comparten espacio también Anatolia y Troya mas culturas adyacentes a Turquía (Chipre, Siria y Palestina). Alberga algunos objetos mundialmente conocidos. Lo más importante del museo es la gran colección de sarcófagos, entre los que destacamos el Sarcófago de Alejandro (S. IV) y el de Las plañideras. Cabe igualmente destacar entre otras innumerables obras, la estatua de Marsias, la estatua y busto de Alejandro Magno, Sapho…y una buena colección de Tracia, Bitinia y Bizancio, y algunas piezas del tesoro de Schliemann, procedentes de Troya.

Muy notable es sin duda la colección de escultura clásica que va de los tiempos de la Grecia Arcaica, hasta los del periodo romano, pasando por el más puro clasicismo griego y el afectado estilo helenístico.

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Periodo helenístico

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Detalle de Cornelia Antonia -Pudicita-; Siglo II. dC.
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Marsias
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Marsias (Detalle)
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Marsias y Hermafrodito

En la mitología griega, Marsias (en griego antiguo Μαρσύας) es un sátiro que desafió a Apolo en un concurso musical. Se creía que había nacido en Celenas (Frigia), en la fuente principal del río Meandro. Marsias era un experto tocando el aulós, una especie de flauta doble. Había hallado el instrumento en el suelo, donde lo había dejado su inventora: Atenea, después de ver sus mejillas infladas reflejadas en él mientras tocaba.

Apolo y Marsias se enfrentaron en un concurso musical en el que el ganador podría tratar al perdedor como quisiera. Los jueces fueron las Musas, por lo que naturalmente Marsias perdió y fue desollado vivo en una cueva cerca de Celenas por su hibris al desafiar a un dios. Apolo clavó entonces la piel de Marsias en un árbol (un pino que sobresalía de los demás en la versión del Pseudo-Apolodoro1​), cerca del lago Aulocrene, y su sangre formó el río Marsias (afluente del Meandro, que desemboca en éste cerca de Celenas).

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Hermaphroditus. Siglo 3 aC, de Pérgamo.

Hermafrodito o Hermafrodita (en griego antiguo, Ἑρμαφρόδιτος) es un personaje de la mitología griega. Era hijo de Afrodita y de Hermes, en honor de los cuales recibió el nombre, una mezcla de los de sus padres. Pero Afrodita, al sentirse culpable de adulterio, se separó de su hijo y lo dejó en el monte Ida (Frigia) al cuidado de las ninfas del monte, por quienes fue criado.

Con el paso del tiempo, el niño se convirtió en un joven de gran belleza. Un buen día, Hermafrodito decidió salir a recorrer las tierras griegas. Yendo de camino a Caria, en Halicarnaso, el exceso de calor de aquel día soleado le hizo aproximarse a un lago para refrescarse, y se lanzó a nadar desnudo. La náyade Salmacis —o Salmácide—, espíritu de aquel lago, al notar su presencia y observar su cuerpo desnudo, sintió una atracción inmediata hacia él y no tardó en desnudarse y acercársele para tratar de conquistarlo, pero el joven se resistió.

Aun así, la ninfa no cejó en su empeño y, poco después, desde la fuente cercana a la que Hermafrodito se había acercado, Salmacis se abrazó a él fuertemente, lo arrastró al fondo y, mientras forcejeaba con él, suplicó a los dioses que no separaran sus cuerpos, diciendo: ¡Te debates en vano, hombre cruel! ¡Dioses! Haced que nada pueda jamás separarlo de mí ni separarme de él”. Los dioses, atendiendo su súplica, le concedieron su deseo y ambos cuerpos se fusionaron para siempre en un solo ser, de doble sexo.

Hermafrodito suplicó a sus padres, los dioses, que cualquier joven que se bañara en aquel lago corriera su misma suerte. De esta forma, el lago arrebataría la virilidad a todo aquel que se bañara en él, tal como así se lo concedieron los dioses.

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Apolo y la Cítara.
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Apolo y la Cítara. (Cabeza de Apolo, Detalle)
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Dionisio

En la mitología clásica, Dioniso (en griego antiguo Διώνυσος Diônysos o Διόνυσος) es “hijo de Zeus” (“Διός” en griego antiguo, es el genitivo de Ζεύς, que significa “de Zeus”) y (“νυσος” en lengua tracia-frigia, significa “hijo”),​ es el dios de la vendimia y el vino, inspirador de la locura ritual y el éxtasis, y un personaje importante de la mitología griega, como hijo del dios principal Zeus (Ζεύς en griego antiguo). Aunque los orígenes geográficos de su culto son desconocidos, casi todas las tragedias lo presentan como «extranjero».

Fue también conocido por los romanos como Baco (del griego antiguo Βάκχος Bakkhos) y el frenesí que inducía, bakcheia. Es el dios patrón de la agricultura y el teatro. También es conocido como el ‘Libertador’ (Eleuterio), liberando a uno de su ser normal, mediante la locura, el éxtasis o el vino. ​ La misión divina de Dioniso era mezclar la música del aulós y dar final al cuidado y la preocupación. ​ Los investigadores han discutido la relación de Dioniso con el «culto de las almas» y su capacidad para presidir la comunicación entre los vivos y los muertos.

Cabeza de Agripina
Cabeza de Agripina
Cabeza Diocleciano
Cabeza Diocleciano
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Cabeza de mujer. 69-96_d.C. Áptera, Creta
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Coephora
Cabeza de Hermes
Cabeza de Hermes

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Statue of Zeus, Istanbul Archaelogy Museum
Zeus

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Cabeza de Alejandro Magno, mármol, Pérgamo, helenístico, 1ª mitad del siglo II aC.
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Alejandro Magno
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Cabeza de la poetisa Sappho, Escultura de época romana, Museo de Arqueología de Estambul. Mármol de Smyrna.

Safo de Mitilene, también conocida como Safo de Lesbos o simplemente Safo, (en griego, Σαπφώ; en eolio, Ψάπφω) (Mitilene, Lesbos, ca. 650/610 – Léucade, 580 a. C.) fue una poetisa griega. Más tarde los comentaristas griegos la incluyeron en la lista de los «nueve poetas líricos». Platón la catalogó como “la décima Musa”.

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Efebo con clámide. Da Tralles. Secolo I aC.
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Efebo con clámide. Da Tralles. Secolo I aC.
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Oceanus de Éfeso, siglo II D.C.

En la antigüedad clásica, Océano (en griego antiguo Ώκεανός Ōkeanós u Ωγενος Ōgenos, literalmente ‘océano’​ en latín Oceanus u Ogenus) se refería al océano mundial, que los griegos y romanos pensaban que era un enorme río que circundaba el mundo. Más precisamente, era la corriente de agua marina del ecuador en la que flotaba la ecúmene (οἰκουμένη oikoumene, conjunto del mundo conocido por una cultura).

En la mitología griega este océano mundial era personificado como un Titán, hijo de Urano y Gea. En los mosaicos helenísticos y romanos (por ejemplo, en Océano y Tetis, de Zeugma, siglo III) se representa con frecuencia a este Titán con el torso y brazos de un hombre musculoso con barba larga y cuernos (a menudo con pinzas de cangrejo), y con la parte inferior del cuerpo de una serpiente (compárese con Tifón). En fragmentos de una vasija arcaica fechada sobre 580 a. C.,4​ entre los dioses que acuden a la boda de Peleo y la ninfa marina Tetis aparece un Océano con cola de pez, llevando un pez en una mano y una serpiente en la otra, dones de recompensa y profecía. En los mosaicos romanos, como el de Bardo, puede aparecer llevando un timón y meciendo un barco.

Algunos estudiosos creen que originalmente Océano representaba a todos los cuerpos de agua salada, incluyendo el mar Mediterráneo y el océano Atlántico, las dos mayores masas acuáticas conocidas por los antiguos griegos. Sin embargo, a medida que la geografía se hizo más precisa, Océano pasó a representar las aguas más desconocidas y extrañas del Atlántico (también llamado «Mar Océano»), mientras el recién llegado de una nueva generación, Poseidón, gobernaba el Mediterráneo.

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Sarcófago de Alejandro

Se trata de una obra escultórica exenta realizada en mármol del Pentélico que todavía conserva restos de policromía, mide casi dos metros veinte de anchura y más de un metro noventa de altura. La obra dataría del siglo IV a.C. encuadrándose en el periodo helenístico de la cultura griego.

La pieza procede de la necrópolis de Sidón, junto con otros tres de factura parecida, pero de inferior calidad. El hallazgo, como ya hemos mencionado es producto de las excavaciones llevadas a cabo por Osman Hamdi Bey en 1887. Tras su hallazgo, F. Winter lo atribuyó a Abdalónimo, rey de Sidón. Se trataba de un monarca impuesto por Alejandro tras la batalla de Issos. Posteriormente, en la segunda década del siglo XX, esta hipótesis fue revisada y Karl Schefold demostró, más allá de cualquier duda razonable que este sarcófago se esculpió mucho después 311, año de la muerte del rey de Sidón mencionado. Su ejecución bien pudo ser hacia el 330, fecha que coincidiría con la muerte del monarca macedonio. Pero nada se sabe con seguridad.

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Al igual que el resto de la escultura helenística, los artefactos funerarios adquirieron durante esta época cierto carácter arquitectónico que las configuraba como elementos monumentales, así es común que los sarcófagos como este que aquí analizamos adquieran las formas de los templos con la tapa a modo de tejado. La obra, tallada en mármol representa un templo griego, con un magnifico frontón. En una de sus caras, se puede observar al propio Alejandro en la famosa batalla de Issos, cuando derrotó a Darío III. El rey macedonio va a caballo, con una piel de león en la cabeza; está atacando con una lanza a un persa que ha caído del caballo. En la otra cara nos encontramos con una cacería de leones en la que se ve a Alejandro junto a Abdalónimo; finalmente, en los laterales se observa al mismo Abdalónimo cazando una pantera y en el otro lateral una batalla desconocida, quizás Gaza.

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Sarcófago de las plañideras

No cabe duda de que el estilo praxitélico tiñó el ámbito ateniense de su época: las obras que lo ostentan, aun sin poder ser atribuidas con seguridad al maestro o a su taller, alcanzan en ocasiones un nivel que impide pasarlas por alto: es el caso, por ejemplo, del Sarcófago de las Plañideras, encargado por un monarca fenicio de Sidón y encontrado en su lejana necrópolis. “Es verosímil que el Sarcófago de las Plañideras sea el del rey sidonio Estratón, muerto hacia el 358, y que las mujeres dispuestas en los intercolumnios de un edificio jónico simulado representen el numeroso harén del difunto. Hábilmente variadas, pero con un estilo convencional que se inspira en modelos áticos, estas figuras no están unidas por un ritmo capaz de darles vida” (J. Charbonneaux).

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Sarcófago de Hipólito y Fedra

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Sarcófago de Sidamara.

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Resumen en forma de Clip

Aquí presento en forma de clip un resumen de lo expuesto anteriormente. Nota: Ver en HD.

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La pintura Romana -Frescos de Pompeya-

Flora o La Primavera di Stabiae
Flora o La Primavera di Stabiae

La pintura republicana tuvo, al principio, un cometido oficial al servicio de la narración de las hazañas de la guerra y victorias, representadas en cuadros que acompañaban al botín y a los cautivos en las entradas triunfales de los caudillos romanos. Este tipo de carteles propagandísticos fueron frecuentes entre los siglos II y I a.C., y de ello nos dan cumplido detalle los escritores romanos (Livio, Plinio, Appiano, etc.).

Frescos en La Villa de Livia (Segundo estilo)
Frescos en La Villa de Livia (Segundo estilo)

Sin embargo, la pintura decorativa romana, empleada como revestimiento de paredes recubiertas con estuco para disimular la pobreza de los materiales constructivos, inició su desarrollo a partir del siglo I a.C. y se mantuvo en constante evolución hasta finales del imperio. No obstante, el destino quiso que parte de sus manifestaciones, hasta el año 79 en concreto, se hayan conservado de forma inmejorable en las ciudades sepultadas por la lava del Vesubio, de tal suerte que hablar de los cuatro estilos pompeyanos es hablar de toda la pintura de finales de la República y comienzos del Imperio, pero sólo hasta esa fecha. Popularmente se ha dado la impresión que sólo los pompeyanos decoraron sus casas con bellas pinturas. Obligado es, por lo tanto, insistir de que si tal ocurrió en una provincia, hay que imaginar lo que debieron ser las creaciones que adornaron los grandes edificios de Roma en aquel entonces y en épocas posteriores.

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Diana

El análisis estilístico de los conjuntos pictóricos de Pompeya y Herculano dio como consecuencia la fijación de los célebres <<cuatro estilos ppompeyanos>>, cada uno de los cuales ha sido objeto de numerosos estudios. Las diferencias entre unos y otros no son siempre claras. Así, se justifica la mezcla y superposición de estilos en una misma casa e, incluso en la misma estancia.

Las técnicas empleadas fueron principalmente el fresco, el estuco y la encaústica.

La pintura al fresco era aplicada sobre la pared aún húmeda, por lo que los colores penetraban en ella profundamente. También se utilizó la técnica del falso fresco, que consistía en dar los colores diluidos en cal sobre la pared seca.

Técnica pintura al fresco
Técnica pintura al fresco

La pintura sobre estuco era la que se daba sobre una pasta de cal apagada y mármol pulverizado.

Safo -Técnica de estuco-
Safo -Técnica de estuco-

La pintura a la encáustica consistía en la utilización de colores mezclados con cera sobre el enlucido seco.

Técnica encáustica, Frescos de la Villa de los Misterios –Pompeya-
Técnica encáustica, Frescos de la Villa de los Misterios –Pompeya-

Estilos

Primer Estilo:

El primer estilo es el llamado de incrustación (segunda mitad del siglo II a los inicios del iglo I a.C.), ya que con él se pretendieron simular las placas de mármol que revestían las paredes (el opus tectorium) de los edificios y mansiones decoradas con ricos materiales, a imitación de lo que se hacía en las grandes ciudades helenísticas. La pared se divide normalmente en tres bandas horizontales. La inferior juega el papel de zócalo, la zona media se descompone a su vez en diversas capas de mármol, y la superior consta de un friso corrido generalmente blanco que completa la representación. Los mejores ejemplos de este tipo de pintura se encuentran en la Casa del Fauno y la Casa de Salustio ambas Pompeya.

Comenzamos con la casa del Fauno (Primer estilo, Mosaicos):

La batalla de Issus o el Mosaico de Alejandro, Casa del Fauno Pompeya.
La batalla de Issus o el Mosaico de Alejandro, Casa del Fauno Pompeya.
Detalle (1)
Detalle (1)
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batalla de Issus o el Mosaico de Alejandro, Casa del Fauno Pompeya. (Reconstrucción)
batalla de Issus o el Mosaico de Alejandro, Casa del Fauno Pompeya. (Reconstrucción)
Mosaico romano de la cubiculum en la Casa del Fauno
Mosaico romano de la cubiculum en la Casa del Fauno

Casa de Salustio (Primer estilo)

Casa de Salustio (Primer estilo) Pompeya.
Casa de Salustio (Primer estilo) Pompeya.

Villa di Arianna (Primer estilo)

Villa di Arianna (Primer estilo)
Villa di Arianna (Primer estilo)

Segundo Estilo:

El segundo, el de perspectiva arquitectónica (desde el 82 a.C. a finales del siglo I a.C), es ya una creación romana, y sus composiciones invaden las paredes con escenas o cuadros mitológicos. La pared desaparece para ceder parte a una ornamentación compleja. A esta época, coincidente con los momentos de esplendor que vivió Roma bajo César y Augusto, corresponden las creaciones más bellas del conjunto pompeyano, como por ejemplo la decoración de la Casa de los Misterios.

Casa de los Misterios (Segundo estilo)

Casa de los misterios, vista general del Hall
Casa de los misterios, vista general del Hall
Frescos de la Villa de los Misterios –Pompeya-
Frescos de la Villa de los Misterios –Pompeya-

En un largo friso corrido, las escenas de iniciación dionisiaca van comunicando su complicado y expiatorio ritual hasta llegar a la plena comunicación con el dios.

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La villa de P. Fannio Sinistore en Boscoreale, es otro ejemplo de frescos correspondientes al segundo estilo.

Villa de Boscoreale (Segundo estilo)

Fresco de la villa de P. Fannio Sinistore en Boscoreale, que actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
Fresco de la villa de P. Fannio Sinistore en Boscoreale, que actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
Fresco de la pared del Hall (1)
Fresco de la pared del Hall (1)
Fresco de la pared del Hall (2)
Fresco de la pared del Hall (2)

También nos encontramos pinturas del segundo estilo en la Casa de la Pulsera de oro (Pompeya):

Casa de la pulsera de oro (Segundo estilo)

Vista parcial
Vista parcial
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Máscara
Máscara
Máscaras
Máscaras

Pasamos a visitar una cuarta mansión pompeyana con frescos pertenecientes también a este segundo estilo: La Villa de Livia.

La Villa de Livia (Segundo estilo)

Vista parcial
Vista parcial
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Frescos en La Villa de Livia (Segundo estilo) Detalle (1)
Frescos en La Villa de Livia (Segundo estilo) Detalle (1)
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Los estilos tercero y cuarto coincidieron con la época de los Julio-Claudios y aún alcanzaron la primera etapa de gobierno de los Flavios. En especial el cuarto estilo tuvo un gran desarrollo en Roma, donde continuó su evolución más allá del año 79, fecha en que quedó interrumpidao en Pompeya. Con anterioridad a dicha fecha, no obstante, ya habría ciertas diferencias entre las decoraciones pompeyanas, en la que predominaron los colores vivos, y las romanas, donde se observaba una predilección por las entonaciones claras, impuestas por los fondos blancos. Por lo demás, en todas las composiciones preside la intencionalidad de diluir la presencia física de la pared.

Tercer Estilo

El Tercer estilo, conocido con el nombre de los candelabros (desde finales del siglo I a.C. a mediados del siglo I d.C.), se caracterizó por la creación de fantásticas e irreales estructuras arquitectónicas entre las cuales se mueven delicadas figuras, de tamaño menor que las que aparecían en el segundo estilo, con un decidido gusto por la ornamentación <<rococó>>. Puede servir de ejemplo la decoración exquisita de la casa de los Vetti. Hay quien la asocia al cuarto estilo.

La casa de los Vetti (Tercer/cuarto estilo)

Casa dei Vettii
Casa dei Vettii
El castigo de Ixion
El castigo de Ixion
La venganza contra Dirce
La venganza contra Dirce
Penteo está desgarrado por las ménades. Fresco romano de la pared norte del triclinium de la Casa dei Vettii)
Penteo está desgarrado por las ménades. Fresco romano de la pared norte del triclinium de la Casa dei Vettii)
Dédalo mostrando la vaca a Pasifae
Dédalo mostrando la vaca a Pasifae
Gorgo
Gorgo

Otros frescos del tercer estilo:

Venditrice de Amorini
Venditrice de Amorini
Músico con Arpa y Cítara
Músico con Arpa y Cítara
Enea y Didone
Enea y Didone
Affresco romano eracle ebbro e onfale.
Affresco romano eracle ebbro e onfale.
Fanciulla con ghirlanda retouched
Fanciulla con ghirlanda retouched
Decoración en la Casa de la pulsera de oro
Decoración en la Casa de la pulsera de oro
Leda
Leda
Medea
Medea

Flora y Diana de la cabecera de esta entrada también están ubicadas en este tercer estilo.

Cuarto Estilo

El cuarto estilo, o ilusionista (desde mediados del siglo I hasta el 79 d.C.en Pompeya y hasta finales del siglo en Roma), convirtió a las paredes en escenarios irreales en los que una arquitectura fantástica y barroca tenía como único propósito, en un alarde decorativo,hacer olvidar la presencia física del muro. En realidad el tercer y cuarto estilo están tan cerca uno del otro que hay quienes los consideran uno solo. El cuarto estilo tuvo su máximo desarrollo en la Domus Áurea de Nerón (que ya fue tratada en la anterior entrada Arquitectura clásica-Cultura Material). En Pompeya son pocas las muestras que se han conservado de este cuarto estilo. Al parecer, las viviendas de ciudadanos pudientes afectadas por el terremoto del 63 fueron las que pretendieron imitar las decoraciones neronianas que toda la alta sociedad admiraba, a pesar de sus constantes críticas hacia el tirano. La erupción inesperada dejó muchas obras sin terminar.

Veamos algunos ejemplos del cuarto estilo:

Edificio dei Triclini a Moregine (Pompeii) (Cuarto estilo)

Vista parcial
Vista parcial
Detalle
Detalle (1)
Detalle (2)
Detalle (2)
Detalle (3)
Detalle (3)
Detalle (4)
Detalle (4)
Detalle (5)
Detalle (5)

La casa de Dioscuri (Cuarto estilo)

Terentius Neo el panadero y su mujer.
Terentius Neo el panadero y su mujer.
Perseo y Andrómeda
Perseo y Andrómeda

El Templo de Isis (Cuarto estilo)

El Templo de Isis
El Templo de Isis
Io e Isis
Io e Isis
Detalle
Detalle

Otros ejemplos de este cuarto estilo:

Fresco romano del fullonica (tienda de tintorero) de Veranio Hypsaeus en Pompeya.
Fresco romano del fullonica (tienda de tintorero) de Veranio Hypsaeus en Pompeya.
Trabajadores de la colocación de la ropa para el secado
Trabajadores de la colocación de la ropa para el secado
Telar
Telar

Terminamos esta entrada exponiendo los frescos eróticos de Pompeya.

Casa dei Vitii
Casa dei Vitii
Casa del Re di Prusia
Casa del Re di Prusia
Casa del Centenario
Casa del Centenario
Fresco erótico de Pompeya desde el Thermae.
Fresco erótico de Pompeya desde el Thermae.
Fresco erótico de Pompeya desde el Thermae.
Fresco erótico de Pompeya desde el Thermae.
Pompeii wall painting
Pompeii wall painting
Fresco erótico Pompeya
Fresco erótico Pompeya

Nota Importante: Las descripciones de esta entrada han sido tomadas de la Historia Universal de la Pintura (Espasa) Vol (1) y de Wikipedia, más alguna anotación propia.